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Análisis de Los Pájaros, una de las obras maestras del cine

Los Pájaros

Con un final tan abierto y amenazador que podría comenzar una saga, y es que, tal vez ese final, con Melanie teniendo que ser llevada al hospital para recibir tratamiento y los pájaros acechándolos en la puerta de la casa y en las afueras del coche, podría haber dado pie a otras dos películas al menos. Pero al mismo tiempo me pareció perfecto el final.

Basada en la historia homónima de Daphne du Maurier, Los pájaros es historia que muestra que, para vivir una pesadilla de terror y suspenso no hay que estar en castillos embrujados o hay que ser perseguido por zombies.

La claustrofobia y los sentidos jugaron un papel fundamental

Melanie Davies (Tippi Hedren) llega a Bodega Bay, un pueblo de California cerca de San Francisco, para regalar un par de periquitos «Dos Amantes» a Mitch (Rod Taylor), un abogado que vive allí con su madre y su hermanita, Melanie ya lo había  conocido en una tienda de animales. Mientras cruza la bahía en una pequeña lancha, es golpeada por una gaviota. Simplemente parece un accidente. En realidad, los ataques serán cada vez más frecuentes y amenazarán a todo el pueblo de Bodega Bay.

Los Pájaros

Imagen vía JustWatch

Comienza como una comedia de malentendidos, donde tiene cabida el romance y la complicidad, con Melanie fingiendo ser la dependienta de la tienda de animales. Al comenzar la película tenemos el habitual cameo de Hitchcock saliendo de la tienda con unos perros terrier. Pero luego la tensión primero se vuelve creciente hasta llegar a un punto donde la locura se apodera de casi todos los lugareños del pueblo y por supuesto, de los pájaros.

Aquí Hitchcock mantiene las tres unidades de lugar, tiempo y acción, hace que Bodega Bay sea cada vez más pequeño, claustrofóbico. Pero Los Pájaros también es una obra de arte en lo visual y en los sensorial. De las 3000 tomas (casi el triple de las que utilizaba habitualmente el director), en unas 400 hubo trucos y fotomontajes.  Y se utilizaron diferentes fondos porque Hitchcock odiaba trabajar al aire libre.

Hitchcock hace que la exposición de un fondo artificial parezca magia, hoy día puede que parezca un poco falso, pero para la época era toda una novedad. Tal como en Vértigo, esta cinta tiene momentos muy fuertes, la avalancha de niños que huyen de la escuela, el campesino que encuentran muerto, la explosión de la gasolinera, el ataque a la maestra de Cathy.

Imagen vía IMDb

Los Pájaros llevaron al limite a todos los personajes

Los Pájaros es una cinta que tiene más que acción como es de esperar conociendo al director. Cada personaje tiene sus propios demonios, sus propias cuentas pendientes y estas salen a flote cuando son llevados al limite por el estrés y la ansiedad ante cada ataque. Un ejemplo es la imagen de los pájaros fuera de la escuela.

Melanie sentada en un banco esperando a la hermana de Mitch. Y con cada toma hay más y más pájaros reuniéndose para el próximo ataque. Pero donde Los Pájaros parece aún más revolucionario es en el uso del sonido, es casi otra película en paralelo.

Imagen vía JustWatch

El sonido se centra  principalmente en los que producen los pájaros, el batir de sus alas, su pico rompiéndose en el cristal, sus graznidos, etc. Sientes que realmente hay solamente un guión para el sonido que acompaña todas las escenas. Falta quizás el acompañamiento clásico de las películas de Hitchcock, pero por el contrario también están los gritos silenciosos, que son brutales.

Sigue siendo una de las películas más inquietantes de Hitchcock en la actualidad junto a Vértigo para este servidor y en menor medida La Ventana Indiscreta. Lo que ha dado lugar, a lo largo de los años, a lecturas religiosas, políticas, psicoanalíticas, etc. Es una película cada vez más sobrehumana, una película donde el silencio encierra un grito de terror tan potente que el espectador está tan angustiado como los protagonistas de la cinta.

En fin, Alfred Hitchcock en esta cinta siguió haciéndole honor a su fama del maestro del suspenso. No solo por el miedo y la angustia que eran tan densas que se podía percibir a simple vista, sino por el manejo de los tiempos. Cada ataque era una sorpresa, cada vez más violentos, cada vez más llamativos, y la escena del ataque final está a la altura de muy pocas cintas.

Los Pájaros

Imagen vía IMDb

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Análisis de Con La Muerte en los Talones, más que una película de espías

Con La Muerte en los Talones

Hoy les traemos el análisis de Con La Muerte en los Talones, después de haber traído Psicosis y Vértigo del director Alfred Hitchcock. Con La Muerte en los Talones (North by Northwest) es una película de 1959, dirigida por el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, con Cary Grant (en su cuarta colaboración con el director, después de Sospecha, Encadenados y Atrapa a un ladrón) y con Eva Marie Saint, actriz pedida por el director.

Los apasionados del director Alfred Hitchcock, no pueden perderse esta joya del cine, Hitchcock da lugar a una dirección sublime, lindando con la perfección, a través de la cual el concepto de intercambio de identidad, de imposibilidad de el protagonista de demostrar que no es George Kaplan, del amor bueno y malo hacia la misma mujer, una mujer que juega para ambos lados, ya que es una doble agente.

Con La Muerte en los Talones es una película que pasa de lo normal a lo extraordinario

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant en la famosa escena en la que intenta escapar del ataque aéreo en los campos de trigo

El suspenso está magistralmente llevado de la mano de Hitchcock, a quien logra dar diferentes facetas, primero con la persecución en los campos de trigo en una secuencia que dura unos 10 minutos, de los cuales la mayoría son solo visuales, es decir, sin diálogo, y la secuencia final con el intento de fuga de los dos protagonistas en el Monte Rushmore es de una delicia visual importante.

Es una película que sigue un camino empinado, como el que emprende el personaje de Cary Grant en la primera de numerosas secuencias de suspenso, comprometiéndose de inmediato con una maniobra al volante para esquivar a la muerte. Hitchcock tarda sólo dos minutos, la partitura de prensa de Bernard Herrmann y los créditos iniciales con vectores animados por Saul Bass, para preparar todo un mundo narrativo donde un simple chasquido de dedos permite pasar de lo normal a lo extraordinario.

Hitchcock confía al encanto y la ironía de Cary Grant la tarea de relajar el suspenso y atenuar la hipérbole de la trama. El actor británico media la improbabilidad de su situación trabajando con atractivo y sarcasmo, malicia y burla,  dedicando sus momentos de relajación al humor brillante y al juego de seducción.

Una película que oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant como George Kaplan se mete en muchas situaciones de peligro y en las que necesitará de ayuda

En una tensión constante entre la desorientación y la determinación, el cinismo y el romanticismo, asistimos a su evolución de un publicista cínico e inmaduro a un héroe atrevido y enamorado. Después de todo, dentro de esta intriga, lo que más le interesa a Hitchcock no es el aspecto de espionaje «internacional» de la trama, sino la singularidad del camino que lleva a Roger Thornhill a convertirse en George Kaplan.

Thornhill debe convertirse en Kaplan y ponerse en sus zapatos para poder deshacer el enredo, dominar la complejidad de la situación en la que se encontraba a pesar de sí mismo y conquistar a la mujer que ama. Este juego oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad, ve su momento central en la famosa secuencia del ataque aéreo contra Thornhill quien creen que es George Kaplan.

Una obra maestra construida sobre la tensión, la puesta en escena es la suma perfecta de todo lo que hace grande a Hitchcock, la técnica compositiva, el ritmo del montaje, la ironía de las miradas de Grant, la sensación de indeterminación ligada a un peligro que puede llegar a cualquier parte. Incluso en medio de los campos de Illinois o un ataque desde el cielo, estos elementos hacen que Con La Muerte en los Talones sea más que una película de espías.

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Los mejores personajes femeninos de James Bond

los mejores personajes femeninos de James Bond

A la saga 007 la han acusado de misógina muchas veces, de querer hacer de las mujeres objetos para beneficio de Bond y puede que parte de eso sea cierto pero los mejores personajes femeninos de James Bond nos confirman que dentro de la saga también han existido papeles importantes para mujeres. A la espera de No Time to Die, donde el personaje de Ana de Armas se apunta como uno inolvidable, traemos una lista como antesala.

Una carrera como superespía no es la línea de trabajo más segura. Incluso si eres tan bueno en el juego como lo es James Bond, todavía hay momentos en que el socio adecuado marca la diferencia en el mundo. Pero a lo largo de la historia de la franquicia Bond, ha habido mujeres muy importantes sin las cuales el trabajo nunca se habría hecho.

Los mejores personajes femeninos de James Bond

Algunas comenzaron como villanas, otras eran aliadas y, en un caso especial, las diferentes medidas de ayuda y daño mantuvieron las cosas interesantes de la manera más asombrosa. Estos son los mejores personajes femeninos de James Bond…

Pussy Galore, Goldfinger

 

Cuando salió por primera vez en Goldfinger la vimos como pilota privada/co-conspiradora del malvado complot de Auric Goldfinger; luego Pussy Galore de Honor Blackman acabó ayudando a 007 a frustrar la «Operación Grand Slam«, sellando así su turno para el lado bueno. Ver a esta legendaria mujer Bond en acción, tanto en nombre de la guerra como de la paz, es un firme recordatorio de que no siempre es fácil para James salirse con la suya, especialmente cuando la mujer que está tratando de atrapar está armada y tiene muchos recursos.

Anya «Agente XXX» Amasova, la espía que me amó

 

La comandante Anya Amasova (Barbara Bach) de la KGB es, esencialmente, la versión rusa de James Bond. Vengando la muerte de un amante que 007 mató en acción, la mujer conocida como Agente XXX se nos presenta en una misión para seducir y conquistar en nombre del enemigo. Al presentar el concepto de uso frecuente de otro operativo que trabaja contra Bond, solo para unir fuerzas con él cuando las cosas se ponen difíciles, la Mayor Amasova sería crucial para frustrar la trama del malvado magnate naviero Karl Stromberg (Curd Jürgens).

Pam Bouvier, Licencia para matar

 

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A través del engaño y las operaciones de encubrimiento profundo, la agente de la CIA Pam Bouvier (Carey Lowell) estaba en los planes malvados del traficante de drogas Franz Sánchez (Robert Davi) antes incluso de incurrir en la ira de la peligrosa y mortal versión de James Bond de Timothy Dalton. Con License To Kill ver a Bond en una misión de pura venganza después de que un ataque personal y particularmente cruel deja a la esposa de Felix Leiter (David Hedison) muerta. Si no fuera por la ayuda de la agente Bouvier a navegar por el paisaje, así como por algunos de los trucos que tenía bajo la manga funcionando a la perfección, Bond nunca habría obtenido la venganza por la que abandonó el MI6 (nuevamente).

Wai Lin, El mañana nunca muere

 

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Michelle Yeoh interpretó a una de las mujeres Bond más memorables que jamás haya aparecido en la gran pantalla: la coronel Wai Lin de la Fuerza de Seguridad Externa del Pueblo Chino. Una figura crucial en El mañana nunca muere de 1997; Wai Lin estaba investigando la trama malvada del villano de Bond, Elliot Carver(Jonathan Pryce), un megalómano que planeaba comenzar la Tercera Guerra Mundial para obtener calificaciones y beneficio personal. En un par de encuentros los dos unirían fuerzas para acabar con el magnate de los medios.

Elektra King, El mundo nunca es suficiente

 

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Quizás una de las villanas más astutas de Bond, Sophie Marceau dio un giro increíble en The World is Not Enough de 1999 como la malvada Elektra King. Con su padre muerto en los pre-créditos de la película, se veía a Elektra afligida, temiendo la amenaza del terrorista Renard (Robert Carlyle), quien se percibía que la acechaba. Pero lo que realmente sucedió fue que Elektra, radicalizada por Renard durante un secuestro anterior, regresó a casa con Sir Robert King, su padre, y planeó su muerte; junto con un gran plan para acaparar el mercado petrolero europeo.

Miranda Frost/Giacinta «Jinx» Johnson, Muere otro día

 

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Si bien Die Another Day no fue exactamente una película progresiva en lo que respecta a la acción de James Bond, logró darnos una de las parejas más fuertes de mujeres Bond en ambos lados de la moneda. Con la triple agente Miranda Frost (Rosamund Pike), el Bond de Pierce Brosnan sintió otro pinchazo similar al de Elektra King, en el sentido de que fue llevado por su ego y seducido a un rincón por alguien en quien se suponía que no debía confiar. Mientras tanto, Giacinta «Jinx» Johnson de Halle Berry estaba trabajando en su propio ángulo contra Gustav Graves (Toby Stephens), obsesionado con los diamantes, mientras se divertía un poco a expensas de Bond.

Camille Montes, Quantum Of Solace

 

Hay un fuerte argumento que Camille Montes (Olga Kurylenko) de Quantum of Solace es posiblemente la mujer más fuerte en las películas de Daniel Craig hasta la fecha. Una agente de inteligencia boliviana que busca vengar a su familia asesinada. Pero una vez que se puso al día con los planes de venganza de James, Camille se convirtió en una socia fuerte durante toda la misión para acabar con el sindicato del crimen que una vez se conoció como Quantum.

Eve Moneypenny, Skyfall/Spectre/No Time To Die

 

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El ingenio siempre ha sido una cualidad clave de las encarnaciones pasadas de Moneypenny vistas en la saga de James Bond. Pero la nueva encarnación de Naomie Harris, es la más animada que hemos visto en la historia de la serie.

Dr. Madeline Swann, Spectre/No Time To Die

 

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La doctora Madeline Swann (Lea Seydoux) nunca quiso ser parte de la misma extorsión y violencia que su padre, el agente de SPECTRE, el Sr. White (Jesper Christensen), se ganaba la vida participando. Pero como vimos en Spectre, la mujer que finalmente ganó el corazón de James Bond no solo fue rápida con su ingenio, también fue hábil con una pistola; un subproducto de crecer con un padre involucrado en una actividad criminal. Capaz de mantenerse en sintonía con la misión de James Bond de capturar al antiguo empleador de su padre, es posible que veamos algunas de esas habilidades de supervivencia en exhibición en No Time To Die, ya que el Dr. Swann regresará.

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M, Goldeneye

Por supuesto, no hay forma de que puedas hacer una lista de los mejores personajes femeninos de James Bond y dejar fuera a las más poderosas de todas. Uniéndose a la franquicia en Goldeneye de 1995 , y manteniendo su posición hasta Spectre de 2015 , la versión de M de Dame Judi Dench no tuvo reparos en poner a su agente estrella en las situaciones más peligrosas posibles. Aunque todavía era una figura maternal para Bond, no tenía miedo de vestirlo para sus travesuras en el campo, e incluso hizo que le dispararan para evitar que se filtrara una lista de sus agentes.

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Análisis de Que Bello Es Vivir, la cinta más conocida de Frank Capra

Que Bello Es Vivir

Aunque hoy es considerada su película más conocida y representativa, en su estreno «Que Bello Es Vivir» fue recibida muy tímidamente por un público que la juzgó medianamente bien pero sin llegar al entusiasmo que genera hoy día, por una crítica que confundió la extensión (o distensión ) de un imaginario donde un cuento de navidad se convierte en poesía.

Y no fue eso lo peor, en aquella época el FBI emitió un comunicado oficial quejándose de una supuesta propaganda comunista, para ellos perceptible a través de temas populistas y, en concreto, en el retrato poco halagador de los banqueros de la ciudad.

Que Bello Es Vivir ha envejecido muy bien

Que Bello Es Vivir

En la década de los 60 se agotaron los derechos y no se renovaron, la película corría el riesgo de caer en el olvido pero, al pasar a ser de dominio público, en la década de los 70 terminó casi por casualidad para ser retransmitida de forma gratuita y regular por las televisoras estadounidenses, que la adoptaron como la película navideña por excelencia. Por tanto, fue redescubierta y a partir de aquí comenzó su leyenda que año tras año solo crece.

La base de la película es «The Greatest Gift», un cuento de Philip Van DorenStern, escrito (1939) e inicialmente publicado (1943) sólo de forma privada como una tarjeta de Navidad para regalar a amigos y familiares. Una vez que se registró la propiedad de los derechos, fue comprada por RKO, con la intención de hacer una película con Cary Grant, pero el guión no convenció así que fue reescrito y se vendieron los derechos de la historia a Liberty Films.

Esta era la nueva productora fundada por Frank Capra (junto con George Stevens, William Wyler y Samuel J. Briskin). En la fase de guión hubo muchos cambios en comparación con el texto original y aún más claras las inserciones fundamentales desde cero, desde la introducción de un personaje fundamental como Henry F. Potter hasta la última parte del mundo alternativo que reemplaza el choque con un alter ego que prefería el dinero a los sentimientos.

A fin de cuentas, nació un texto que poco tenía que ver con la historia y el espíritu del cuento original, nació una historia más ligada a la visión de Frank Capra.

Un choque entre los sueños y la realidad

Que Bello Es Vivir

La película está completamente ambientada en la provincia imaginaria de Bedford Falls, un lugar que merece elevarse a la ubicación arquetípica de todo el cine de Capri. Una ciudadana norteamericana que lleva en sí un artificio fílmico inseparable de la realidad de la época donde todo es tocado por los rumores de la guerra.

La hipotética distancia entre una visión realista de la vida y el imaginativo humano, una cinta donde la realidad y los sueños chocan de frente en la vida de George Bailey. El sueña con viajar por el mundo y conocer muchos lugares, no desea quedarse de por vida en un escritorio como le pasó a su padre, pero lamentablemente así ocurre.

En esta cinta existen tres elementos que son sello del cine de Capra, optimismo, honestidad y sentimiento. En una inspección más cercana la escalada hacia la reconciliación con uno mismo y con el mundo pasa por un viaje no solo salpicado de obstáculos a superar, sino marcado por heridas que a veces no se curan y es nuestro deber sanarlas.

«Que Bello Es Vivir» es una asombrosa parábola de  Charles Dickens que alcanza su punto máximo en los últimos 40 minutos. La historia es conocida, debido al descuido del tío Billy, después de haber perdido el dinero necesario para mantener personalmente el negocio familiar, George está al borde de la desesperación lo suficiente como para contemplar el suicidio.

En ese momento, enviado por Dios, el ángel de segunda clase Clarence acude a su rescate y, si logra disuadir al protagonista de este acto extremo, se ganará sus alas. Para hacer esto, lo confronta con una realidad alternativa, un mundo en el que George Bailey nunca nació.

La reconciliación de George Bailey consigo mismo y con la vida

Que Bello Es Vivir

Esta parte de la cinta no se limita a cumplimientos alegóricos, a partir del arrebato familiar, George Bailey se prodiga en un abismo de espacio y tiempo donde el distrito no es simplemente un campo de pobreza desconsolada sino un territorio dominado por el dios del dinero, el alcohol y el sexo. En un clímax donde se ve la opresión y donde la Navidad ya no es una fecha en la que celebrar.

Queda la amargura de toda la vida; y Potter queda impune, un personaje claramente inspirado en un Ebenezer Scrooge (sin redención esta vez), el mundo alternativo también es un viaje al final de la noche en un espacio-tiempo que cuestiona o quizás destruye el sueño americano con el que antes se fantaseaba. Un viaje, cuyo punto de llegada nos pone ante una caída de la parafernalia. En ese momento George Bailey se queda con su propia alma unida a la de sus seres queridos.

La unión terrenal más elevada que, cuando suena la campana y el ángel ha desplegado sus alas, sólo puede llevarnos a la emoción más honesta y liberadora que el cine nos ha brindado jamás. «Que Bello Es Vivir» nos enseña que todos tenemos una misión de vida y que somos importantes para alguien, nos enseña a apreciar más a nuestra familia, nuestros amigos y a nosotros mismos.

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