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El cine a través de Steven Spielberg – La lista de Schindler

La lista de Schindler

Bienvenidos una semana más a El cine a través de Steven Spielberg. La última vez hablamos sobre Steven Spielberg, Back To The Future y el cómo marcar a toda una generación. Vimos como Spielberg fue y sigue siendo uno de los directores más famosos de la industria del cine de Hollywood. Pero esto no siempre fue así, al menos no tal y como lo conocemos en la actualidad.

En la década de los años 80 y 90, el cine de autor tuvo un gran auge. Gracias a las vertientes orientales, cada vez era más gente la que prefería consumir un cine no tan comercial. Y gran parte de las críticas fueron dirigidas hacia Hollywood, la madre del cine occidental. La gran mayoría de los amantes del cine tuvieron un gran rechazo hacia Hollywood porque estaba en oposición a todo lo que cimentaba el cine de autor.

La lista de Schindler

Nuestro querido protagonista Steven Spielberg no se libró de las críticas ya que se decía que su cine estaba dirigido a niños y adolescentes y únicamente buscaba el éxito comercial, el beneficio propio. Y es que con obras como la anteriormente analizada Back to the Future y Jurassic Park nadie les podía quitar la razón. Pero fue entonces cuando apareció la película que lo cambiaría todo, tanto el rumbo del cine de Hollywood como el pensamiento de las masas enfurecidas con el rumbo que estaba tomando la industria; La lista de Schindler.

La lista de Schindler y la década de los 90

Década de los 90, grandes años para la tecnología, cultura y música. Con la caída del muro de Berlín y el derrumbamiento de la Unión Soviética, comenzó una época con grandes esperanzas para la humanidad así como también para el desarrollo de la cultura general. Ya había pasado casi medio siglo desde la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Con las heridas cada vez más cicatrizadas pero no olvidadas, empezaron a salir videojuegos, canciones y películas que abordaban el tema de esta catástrofe. Y fue en el año 1993 cuando se estrenó La lista de Schindler.

La lista de Schindler

Podríamos estar hablando horas y horas sobre la gran obra maestra que es esta película y la grandeza de su fotografía. Pero en lugar de eso nos centraremos en un aspecto clave. Fijaremos nuestro objetivo en como La lista de Schindler y todas las películas de Spielberg conecta con el espectador creando en él una profunda impresión.  

La lista de Schindler, la censura y la des-evolución de la sociedad

La lista de Schindler se atrevió a mostrar algo que nadie nunca antes en Hollywood se había atrevido a mostrar; la crudeza de la Segunda Guerra Mundial. Ya sea bien él videojuegos como Wolfenstein o en diversos cómics, este tema se a tratado de censurar y lo triste es que aún en la actualidad sigue pasando. Y es triste pensar en la gran cantidad de censura que tenemos en la actualidad. Pero Spielberg tuvo la valentía de hacer un cine diferente en la época de los 90 aunque para él no era necesario. Venía de grandes obras y ya por aquella época era uno de los directores más influyentes de la industria del cine. Sin embargo, La lista de Schindler es toda una declaración de intenciones. 

La lista de Schindler

La lista de Schindler es una historia dura, cruel y desgarradora. Muestra sin tapujos imágenes crudas y que nos revuelven el estómago. En algunas ocasiones Spielberg nos logra transportar a esa negra etapa de la humanidad y nos pone en la piel de los judíos del film. Peros si tuviese que quedarme con alguna escena en particular, sería la escena de las duchas. Con la incertidumbre de no saber si estas en unas duchas de verdad o si por el contrario te van a quemar en la cámara de gas. Con el desconcierto de la situación y con la desorientación que causa esa escena en el espectador. Como esas hay muchas más las cuales una vez vista la película se te quedan grabadas a fuego en la mente, llegando a provocarte un nudo en la garganta. 

Pero, ¿cómo La lista de Schindler conecta con el espectador? Por intermedio de dos recursos; la fotografía y la música.

La lista de Schindler y el uso de los recursos

A mitad de la película un gran grupo de Judíos llegan a un campo de concentración donde hay un general apostado en una casa elevada. Esté se encarga de vigilar y disparar a los prisioneros que estén parados y no trabajando. La crudeza de esta escena reside en la des-humanización que tiene este sujeto. Cómo dispara sin pensarlo, llegando a matar por placer en algunas escenas posteriores del film. Pero de entre todas las escenas de esa parte del film, hay una que se lleva la palma y combina la fotografía y la música estallando al unísono en una bola de emociones.

La lista de Schindler

Esa escena es la selección que hacen  a los judíos mediante un examen médico para hacerles hueco a los nuevos que llegan procedentes de un nuevo cargamento. A lo largo del transcurso de la misma, la música y lo que estamos viendo en pantalla es algo totalmente contrastado. Por una parte la imagen nos muestra temor, miedo y dureza. Pero por otra la música que suena en el campo de concentración es, calmada sosegada y relajante. Esta escena logra distinguir los dos puntos de vista que estamos viendo en pantalla. El punto de vista de los Judíos los cuales saben que pueden ser enviados a morir, y la de los Nazis que ven esto como un procedimiento más, como una simple rutina, algo vago, normal. En esta escena la pantalla se transforma en una ventana paralela al campo de concentración.

¿Cómo influyó La lista de Schindler en el cine?

Con la lista de Schindler, Steven Spielberg demostró que sabe hacer otro tipo de cine. Demostró que es capaz de salir de su barrera de confort y traernos un cine más adulto. La lista de Schindler como mencionamos al principio de este post, dio un soplo de aire fresco a la industria de Hollywood. Y es que esta película es una obra maestra.

Algo devastador y que me hace pensar, es que lo que vemos en la lista de Schindler no es ficción, si no que ocurrió de verdad. Es sin duda alguna una época muy turbia de la raza humana. Una época cruel e inhumana. La lista de Schindler me ha marcado y os invito a verla si no lo habéis visto aún. Sin más palabras que agregar,  aquí termina El cine a través de La lista de Schindler…

La lista de Schindler

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Crítica Suspiria (2018) – Cuando el infierno se viste de cielo #Sitges2018

Primer día del festival de Sitges. Ya tenía ganas de volver a respirar ese ambiente único que desprenden las calles de la pequeña pero pintoresca localidad catalana durante el certamen. Y si el inicio del festival ya no fuera de por sí motivo de alegría, es Suspiria (2018), el remake de Luca Guadagnino, la encargada de dar el pistoletazo de salida. Llevo siguiendo la pista de este título desde que se hizo oficial su existencia, principalmente porque quería ver cómo el director de Call me by your name, una obra caracterizada por su realismo y naturalismo, reimaginaba la película de Dario Argento, cuya singularidad es el artificio y la exageración. La curiosidad por ver cómo dos mundos totalmente opuestos colapsaban me comía por dentro, y más aún cuando la película estaba consiguiendo dividir a la crítica por completo.

Ahora, después de verla, puedo garantizar que de este choque de universos ha surgido algo que difícilmente te dejará indiferente.

¿Esto es un remake?

No, esto no es un remake. Lo único que tienen en común las dos versiones de Suspiria es su premisa más básica, que ambas suceden en una academia de baile y que un aquelarre de brujas está haciendo de las suyas por ahí. Y nada más. Veía necesario empezar aclarando este punto porque creo que crear una comparación entre ambas es prácticamente inútil. Guadagnino toma prestada la base de Argento para reinventar el relato, añadiéndole unas intenciones totalmente distintas a las de la cinta original. Pero quitando eso, ni siquiera parece que la primera influencie a la segunda.

Suspiria (2018): Guadagino ha creado una pesadilla

La nueva Suspiria no tiene ningún miedo de arriesgar. Toda la película está plagada de pequeños intentos de Guadagnino por crear una nueva forma de concebir el terror, mucho más compleja y sofisticada que a la que estamos acostumbrados a ver en las salas comerciales. Suspiria es un soplo de aire fresco para un género que ha hecho muchos esfuerzos en vano por evolucionar a algo más sofisticado que el sobresalto fácil. El director italiano fusiona su estilo pausado y estricto de componer las imágenes con otros estilos preexistentes del género como el body horror o el onirismo lynchiano, creando una forma de terror increiblemente efectiva. Suspiria no asusta, perturba. Te genera un malestar casi permanente que un servidor no sentía desde El Resplandor de Stanley Kubrick. Y es que ambas consiguen coger el cielo y convertirlo en el infierno.

Narrativamente, la versión de Guadagnino es muy superior a la de Argento. Mientras la Suspiria original nos presenta una trama más bien básica que simplemente se adorna con una puesta en escena muy original y efectiva; la nueva cinta busca crear un relato mucho más complejo y asfixiante, lo cuál consigue, pero no del todo. La trama sabe cómo avanzar, creando giros inesperados y situaciones deliciosamente perversas (de verdad, muy perversas), pero Guadagnino no sabe cómo medir los tiempos. El director parece querer adaptar a Suspiria ese ritmo pausado y contemplativo que tan bien le funcionó en Call me by your name, pero en esta ocasión no ha sonado la campana.

Una atmósfera asfixiante

La excesiva lentitud de los acontecimientos provoca que esa asfixia que algunas escenas te generan desaparezca progresivamente y se convierta, incluso, en aburrimiento. Creo que un ritmo más rápido hubiera hecho que la película fuera mucho más efectiva. Y puestos a hablar de lo malo, tenemos que hablar del final, el cual, a causa de este afán de Guadagnino por innovar, desentona demasiado del resto de la cinta.

Mención especial a la banda sonora de la película. Después de toda la polémica que desataron las canciones que Thom Yorke compuso para Guadagnino, tengo que salir a defenderle. La música parece acompañar a la perfección el tono misterioso y onírico que presenta la cinta. En una película donde lo melódico tiene tanta importancia; el componente de Radiohead ha sabido estar más que a la altura. Puestos a hacer menciones, hay que alabar todas y cada una de las actuaciones, en especial la de la siempre maravillosa Tilda Swinton y la de Dakota Johnson que, aún no ser santa de mi devoción, resulta más que convincente (y sí, es una bailarina sensacional). Ah, y que nadie le pierda la pista a Mia Goth, la cual hace un papelón y va camino de convertirse en una figura fundamental del género.

Como véis, muy poco malo que decir de Suspiria (2018). Es cierto que tiene sus errores y que los curiosos experimentos de Guadagnino no siempre salen bien; pero creo que siempre es digno de admirar ver como un director intenta innovar con un género tan complejo como es el terror; más siendo su primer contacto con este. Espero grandes cosas de ti, Guadagnino. No me decepciones. Y siendo directo, sí. Esta es la película de terror del año.

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Crítica: 7 días en Entebbe, el debate entre lo que está bien y lo que es correcto

El director brasileño José Padilha no es ajeno al género de acción; es conocido por la serie Elite Squad y la nueva versión de RoboCop. Esta vez, Padilha dirige 7 días en Entebbe, producida por Working Title Films, y escrita por Gregory Burke (’71); basada en los eventos de la vida real que tuvieron lugar en julio de 1976, cuando un grupo de revolucionarios secuestró un vuelo de Air France. Con 250 pasajeros en ruta desde Tel Aviv a París. Los secuestradores dejaron el avión en Entebbe, Uganda, donde mantuvieron cautivos a los rehenes durante una semana. La película muestra la “Operación Entebbe” de la vida real; una misión antiterrorista de rescate de rehenes lanzada por el Primer Ministro Yitzhak Rabin, y llevada a cabo por la Fuerza de Defensa israelí. La película está disponible en diversas plataformas y nosotros hablamos de ella.

7 días en Entebbe, otra vez

El secuestro de Entebbe se ha contado varias veces; en las películas Raid on Entebbe y Operation Thunderbolt, por ejemplo. El último rey de Escocia, también contiene el suceso como una trama secundaria. Padilha toma un enfoque diferente; 7 Days in Entebbe nos ofrece una narrativa “desde dentro” enfocada específicamente en dos revolucionarios alemanes. Uno, un poco tímido, Wilfried (Daniel Bruhl) y la otra, una nerviosa, pero intrépido, Brigitte (Rosamund Pike). Wilfried y Brigitte son solo dos miembros del grupo secuestrador formado por pro palestinos. Los dos alemanes parecen estar fuera de lugar en un grupo que tiene ideas contrastantes de lo que es un “revolucionario”.

El atractivo de los personajes (y las interpretaciones)

Sin embargo, Bruhl y Pike aprovechan al máximo sus personajes. Hay momentos en los que te sientes mal por ellos; incluso más que los propios rehenes. El arrepentimiento y el pánico que los supera a medida que se acercan los siete días hacen que quieras creer que lo que están haciendo es bueno, de esa forma abre un debate entre el público: es correcto o está bien lo que han hecho. Bruhl, en particular, hace un gran trabajo al transmitir creíblemente la angustia que este hombre siente al tener que equilibrar sus convicciones y su humanitarismo, agregando profundidad de carácter que de alguna manera falta en el guión de Gregory Burke.

Recibimos flashbacks del pasado del dúo en un intento por subrayar su motivación y proporcionar contexto, pero estos saltos en el tiempo retrasan la historia a un ritmo lento. En otra parte, hay un argumento secundario que involucra a un soldado israelí (Ben Schnetzer) y la interpretación interpretativa de su novia (Zina Zinchenko) que nunca se explica.

Agregando a la mezcla de personajes complejos están el Primer Ministro, Rabin (Lior Ashkenazi), y su ministro de defensa, Shimon (Eddie Marsan). Rabin quiere negociar con los terroristas, algo que los israelíes insisten en que nunca se debe hacer; mientras que Shimon quiere hacerse cargo de un plan de rescate audaz. Luego está el presidente ugandés Idi Amin (Nonso Anozie), que felizmente recibe a los terroristas y les suministra tropas y armas. Idi Amin fue un dictador brutal de su tiempo, sin embargo, esta película retrata un lado algo nervioso y débil de él.

Lo mejor para el final

Como cualquiera que esté familiarizado con los eventos de la vida real lo sabrá; explotará con el infame ataque de las fuerzas especiales israelíes en el aeropuerto. Es aquí donde el director José Padilha muestra sus habilidades principales como cineasta; brindando la misma sensación de asombro y asombro que mostró por primera vez en ambas películas de Elite Squad (y en menor medida en el remake de Robocop). Secuencia importantísima. La redada no dura mucho, pero proporciona un signo de exclamación apasionante a una película que intenta admirablemente contar un evento histórico importante y complejo en el contexto de un thriller accesible.

Aunque hay demasiadas cosas que hacer para que lo maneje; la película involucra y es lo suficientemente provocativa por derecho propio para atraer la atención.

7 días en Entebbe es una película bien hecha, aunque está lejos de ser cautivadora. Es un duro recordatorio de que la paz entre Israel y Palestina sigue siendo una cosa de décadas que lamentablemente no parece tener ánimos de acabar.

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Critica: Venom, Una película valida para dar inicio a un Universo Cinematográfico

Venom

No es lo que esperábamos, para bien o para mal. Durante días hemos estado recibiendo información diferente sobre lo que íbamos a encontrar en Venom, la película protagonizada por Tom Hardy y dirigida por Ruben Fleischer. Algunos dijeron que sería la peor película del año (alimentados por las palabras de Tom Hardy). No es la peor película del año, ni la mejor.

Es una mezcla de ideas brillantes y otras no tanto, se nota una implicación de parte de los involucrados y amor por los cómics, pero con necesidades de ser un éxito en taquilla, por eso su clasificación es PG-13 para todos los públicos.

Debido a que la película no tiene la categoría R, la audiencia será más numerosa (es una realidad, llevan ya más de 200 millones de dólares en taquilla), pero también veremos menos sangre en la pantalla. Y el personaje de Venom necesitaba esa sangre para hacer la película que los fanáticos han estado exigiendo durante años.

Venom, un origen diferente al de los comics

Venom

La historia es bastante genérica. Es una película sobre el origen del personaje, un antihéroe violento con una obsesión por proteger a los inocentes. Y muy vinculado a Spiderman en los cómics, porque el simbionte estaba vinculado a Peter Parker antes que Eddie Brock, el personaje interpretado por Tom Hardy.

La película esquiva esa bala, dando un origen más cercano a la serie de animación de los años noventa, y permite que el personaje sea libre para crear su propio destino sin vivir en espera de lo que haga o no haga Spiderman. Es una de las mejores cosas de la película.

Pero Venom también tiene errores que dañan el resultado final. Algunos están cometiendo errores que parecen incomprensibles, como Michelle Williams. Aunque no lo parezca, la actriz es la que sale peor parada del reparto. Williams ha sido nominada cinco veces para el Oscar, por lo que no parece lógico, pero es cierto.

Riz Ahmed, un villano siniestro

Venom

Riz Ahmed compone un villano tópico, pero con un punto siniestro. El enemigo principal de Venom en la trama, Carlton Drake interpretado por Riz Ahmed, carece de profundidad, su motivación no es creíble, y peor aún, luego que se transforma en Riot tampoco profundizan en cómo se integra el objetivo del simbionte de invadir la tierra y acabar con la humanidad con la visión de Drake de evolucionar en una raza superior de humano para explorar el espacio.

La estrella, por supuesto, es Tom Hardy. Su personaje perdedor y su combinación con Venom son el alma de la película. Respeta completamente la esencia del cómic, pero también agrega un punto de humor negro muy divertido. Solo para ver cómo Venom y Eddie discuten, como una extraña pareja, vale la pena ver la película. Y, por cierto, Venom no aparece solo cinco minutos en pantalla. Es el centro de la historia y podemos disfrutarla durante muchos minutos.

Impresiones finales

Venom no es perfecta, pero es muy entretenida. Si, sus efectos visuales son magníficos, pero también lo es su humor negro. Si sus escenas de acción abusan del CGI, su tono de serie B no nos preocupa en absoluto. La película despega tan pronto como el simbionte hace acto de presencia, y su ritmo continúa creciendo hasta el final, quizás no sea un gran final, pero muy agradable.

También hay dos escenas post-crédito, la primera esencial (y nos hace preguntarnos si podrán hacer esa película en el futuro) y la segunda… bueno, es mejor dejar que la audiencia lo descubra. Estoy seguro de que, a pesar de lo que muchos dicen, Venom se convertirá en una película de culto, y no puedo dejar de pensar en la posible continuación, con todas las posibilidades que ofrece la historia que han presentado ahora.

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