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Critica de Alita: Ángel de Combate – El limite entre lo humano y lo artificial

Alita

En Alita: Ángel de Combate es imposible no ver el gran legado de James Cameron, quien permaneció a bordo del proyecto como productor y guionista después de haber acariciado durante mucho tiempo la idea de dirigirlo en persona. El timón finalmente pasó a Robert Rodríguez, pero la esencia de esta historia de ciencia ficción cyberpunk ambientada en el siglo 26 confirma la sensibilidad del autor de Avatar, obsesionado con el límite entre lo humano y lo artificial.

La protagonista, interpretada por Rosa Salazar, es una ciborg que fue descubierta en un depósito de chatarra por el Dr. Daisuke Ido ( Christoph Waltz ). No tiene los recuerdos de su pasado, pero, por otro lado, sus increíbles habilidades de artes marciales, son lo que la convierte en una cazadora de recompensas perfecta.

Tiene ojos gigantescos , increíblemente expresivos que traicionan el origen japonés del cómic Alita, que se extrae de un manga creado por Yukio Kushiro en 1990. La película habla sobre el aprendizaje emocional y la guerra, el descubrimiento del amor en un reino de escombros y sombras, de competiciones deportivas potencialmente mortales y peleas de caricaturas entre carros de salón.

El limite entre lo humano y lo artificial

Alita

La sensación es que estar frente a un objeto llegó desafortunadamente fuera del tiempo, tanto en la representación del futuro post-apocalíptico en el que Alita se mueve, algo anticuado por la ciencia ficción que se ha producido en los últimos años, como en el vínculo entre cienciahumanismo,entre la creación científica y artesanal, con Waltz en el papel del Geppetto en servicio. Todos los aspectos se manejan de una manera bastante básica, con una sensibilidad casi siempre ingenua.

En virtud de este elementogeneralizado, los márgenes para sorprender no son muchos y también el uso de 3D, la prerrogativa experimental de Cameron con la que Rodríguez mismo se había aventurado en sus incursiones en el cine para niños ( Mini Espias Game Over , episodio de la serie Spy Kids 2003), no ofrece vislumbres visuales interesantes. Esperando ver, por supuesto, cuánto y cómo la secuela de Avatar abordará y hará avanzar este componente.

Sin embargo, a pesar del anacronismo de la cinta, la mayoría de las veces es imposible no empatizar con la emotividad de la protagonista, con sus amores desde los contornos adolescentes, con muchas soluciones gráficas que apoyan la sinceridad y vulnerabilidad de un personaje femenino cuyos ojos siempre dicen todo, de la forma más inmediata y sin filtros que puedas imaginar. 

Un modelo a seguir en el futuro

Alita

Si el 3D no llama la atención, el trabajo de captura de movimiento realizado en la actriz de origen cubano que la interpreta, ya visto en Divergente y Maze Runner, es realmente impresionante y valioso, incluso un modelo a seguir en el futuro. La película, al igual que Alita, paga el precio para actuar y desarrollarse en un tiempo que no es suyo. 

En ambos casos, sin embargo, esta falta se satisface con tal corazón, como si ni el producto cinematográfico ni su heroína se resignaran a actuar como escombros oxidados y buscaran ennoblecerse, nada fácil, de la vergüenza sentimentalAlita: Ángel de Combate  quisiera ser ante todo un producto de ciencia ficción de componentes tecnológicos refinados y eficaces, pero la impresión  es que, al igual que su protagonista, viven los mejores momentos en la carnalidad del contacto humano.


Alita

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Critica sin spoilers de Nosotros, del terror a la ciencia ficción

Nosotros

La nueva película de terror del director de Get Out ( ganadora del Oscar al mejor guión original ) llega a las salas de cine, es muy difícil hablar concretamente de Nosotros sin revelar demasiado y arruinar la experiencia, debemos ser cuidadosos en no dar spoilers.

Con los 252 millones de dólares recaudados, las tres nominaciones y un Oscar por Get Out, un thriller político con un corazón sobrenatural, Jordan Peele entró repentinamente en ese círculo de autores que con el género pueden permitirse hacer casi todo, Ejemplo escribe un horror como Nosotros (20 millones de presupuesto contra los 5 de la película anterior), proyecto muy ambicioso, tan llenos de símbolos y cambios de tono como para decir que es una apuesta arriesgada del director.

Seguro ganará mucho dinero con Nosotros y pensará en el próximo proyecto, con un presupuesto que se duplicará o incluso más y con la voluntad de los estudios que ponen el dinero para apoyarle en cualquier idea: porque sí, el es un autor, pero también es una mina de oro. En resumen, lo que ha sido M. Night Shyamalan durante años y nunca ha dejado de ser Christopher Nolan.

Nosotros, de la realidad al horror y de allí a la ciencia ficción

Nosotros

Nosotros, por lo menos durante una hora, es una invasión de casas clásica, nos hace pensar mucho en Los Extraños de Bryan Bertino: hay una familia afroamericana con una cabaña en el lago que, una noche, se encuentra asediada por cuatro locos en unos vehículos, aparentemente falta motivación que va más allá del puro sadismo.

Excepto que esos cuatro tontos son como aquellos para los protagonistas, en el sentido de que son idénticos. No se debe decir algo más, pero esto sucede: la película trabaja largamente en suspenso siguiendo ciertos principios de puesta en escena muy comunes, entonces, literalmente, se rompe. Es decir, pierde las piezas, va más allá de cualquier lógica.

Y mientras esta ficción de lo absurdo rompe la trama y los personajes, es como si la historia terminara desenfocada, y de esta imagen borrosa, de entre estos escombros de significado, la idea política de la película emergió de manera poderosa, en cierto punto, lo único que queda de pie.

Es una forma muy fascinante de entender el género, la semilla ya estaba en Get Out, pero aquí el proceso es extremo: de la realidad al horror, del horror a la ciencia ficción, y ahora incluso de la ciencia ficción al territorio de fantasía. Una acrobacia tan grande que al final depende de poner en boca de un personaje una súper explicación para explicar lo inexplicable, cuando ya es demasiado tarde por algún tiempo.

Medio cine político y medio túnel de horrores, Nosotros funciona muy bien tanto cuando quiere divertirse como cuando quiere que la gente piense, y el único problema es que no siempre parece tener ideas claras sobre cómo mantener las dos cosas juntas. Pero tiene la calidad de ser siempre fascinante, desde el prólogo de los años 80 todo se convirtió en la altura del niño, lo que sería una joya de un cortometraje que también dejaría de lado el resto.


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Crítica de Love, Death & Robots – La serie animada para adultos de Netflix

Love

Love, Death & Robots es un pryecto que está dirigido por Tim Miller (Deadpool, y en el pasado también varios videojuegos como Mass Effect 2, The Old Republic y Hellgate: London) y David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodiaco, Mindhunter) con la participación de estudios de animación procedentes de de todo el mundo

Pero, ¿qué es y por qué debería hacerse un favor y dedicarle parte de su tiempo? Para empezar,  Love, Death & Robots  es una serie antológica que consta de 18 episodios con una duración promedio de 10-15 minutos. Como se mencionó, cada episodio se realiza con un estilo diferente de animación y, debido a su naturaleza antológica de series, cada uno de ellos no tiene ninguna relación con los demás y se caracteriza por una trama concluyente .

Soldados de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas de cyborg, arañas alienígenas y demonios infernales sedientos de sangre: los encontrarás en las dieciocho historias animadas de NSFW.

Love, Death & Robots – Una serie animada para adultos

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Al ser una serie para adultos, los temas más dispares se enfrentan, y ni los dos directores ni los estudios de animación se han preocupado demasiado por reproducir la violencia en la pantalla , la muerte , el sexo , la sensualidad y otros temas que también podrían alterar la sensibilidad. de algunos espectadores.

Entonces, ¿por qué deberías dedicar parte de tu tiempo a ello? Por varias razones. Muchos episodios terminan en sí mismos, casi como si fueran un intento de llevar una historia y un tipo de animación en la pantalla para ver la reacción del público . Realmente querrás profundizar, saber más sobre los protagonistas, sus historias y los antecedentes de la configuración elegida, de querer más.

Como el episodio 4 llamado “Trajes”, en el que los campesinos defienden su tierra como criaturas en la línea de los arácnidos de Starship Troopers a bordo de mechs armados con dientes. El cómplice del estilo de la animación y la intensidad de las escenas de acción realmente desearía ver toda una serie dedicada a ellas.

Y nos damos cuenta de que tal vez el genio de la serie sea precisamente su deseo de proponer un producto empaquetado de acuerdo con lógicas que tengan poco que ver con lo que el público necesita actualmente, un público que normalmente anhela series de televisión compuestas de más y más temporadas, sagas cinematográficas divididas en trilogías, videojuegos que, literalmente, se desarrollan durante décadas.

Estilos diferentes en cada episodio

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En mi opinión, con el capítulo 14 “Piezas Únicas”  llegamos a la cima con respecto a la profundidad del mensaje transmitido. Si el estilo de animación del episodio puede no ser atractivo para todos, el final y el propósito del cuento seguramente lograrán que se emocione. Incluso “La ventaja de Sonnie” me impactó de la misma manera, con su ferocidad y la brutalidad de las escenas y con su mensaje final igualmente drástico.

Otros se enfocan más en el sarcasmo, otros tienen un estilo steampunk o extremadamente de ciencia ficción que tiende al cyberpunk , otros aún no transmiten muchas ideas simples para historias que merecen unos pocos minutos en pantalla para expresarlas en todo su potencial.

Podríamos pasar horas discutiendo cada técnica de animación utilizada para la realización de los episodios, sobre el impacto visual de  “La Testigo” que parece una fusión entre captura de movimiento y y CGI con un medio estilo Entre el anime y el videojuego, o tal vez incluso por la falta de originalidad de algunos episodios, que no hacen más que explotar temas, historias y revistas ya vistos, solo para mostrar el peculiar estilo artístico de ese determinado estudio de producción.

Pero la duración total de la serie Love, Death & Robots es tan pequeña que no le tomará mucho tiempo terminarla  y algunos episodios son tan profundos o divertidos de ver y admirar, incluso por unos pocos minutos, que las faltas de otros se desvanecen para dejar espacio para una experiencia audiovisual que, sinceramente espero, no sea un caso aislado en el futuro cercano del catálogo de Netflix.

Así que sí, hazte un favor y corre a verlo. No solo porque no dura mucho tiempo, no solo por la presencia de una escena desnuda que, para ser honesta, es casi marginal (en el sentido de que es casi natural dados los diversos contextos en los que están inmersas las historias), sino por poder ser testigo que también podríamos definir un experimento (en su mayoría exitoso) que, debido a cómo fue concebido y realizado, ha puesto en pantalla algo que va más allá de nuestra ” zona de confort”.


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Critica de Capitana Marvel, Una grata sorpresa y una granada mental

Capitana Marvel

Capitana Marvel ha aterrizado en la Tierra. Es desde el 25 de abril del año pasado, es decir, desde el estreno de Avengers: Infinity War, que el público espera saber cómo encajará el nuevo personaje en el UCM y responder a todas las preguntas provocadas por el lanzamiento de la señal del localizador de Nick Fury. Antes de que se convirtiera en polvo por el chasquido de Thanos.

La película, recordemos, está ambientada en 1995, 15 años antes de la fase 1, y por lo tanto, es la  precuela definitiva de todas las aventuras firmadas por Marvel que hemos visto hasta ahora. Esta es la razón por la que su visión resulta tan importante para los entusiastas del Universo Marvel, lo que permite, por ejemplo, por qué Fury decidió darle vida a la “Iniciativa Vengadores” y, obviamente, arrojar varias pistas útiles para comprender a posteriori cómo se resolverá la batalla épica con el Titán loco y cómo regresar a la vida a todos los héroes y el resto de seres vivos que desaparecieron.

Vers es llevada a encontrar quien es en realidad

Capitana Marvel

Capitana Marvel sigue dos pistas paralelas que sirven para ampliar nuestra mirada y comprender más profundamente a la nueva heroína que enfrentamos y al mundo en el que estamos inmersos. Por un lado, está la dimensión alienígena, el descubrimiento ya en las primeras etapas de sus poderes, el descubrimiento de una guerra entre dos pueblos, los Skrull y el Kree, ambos portadores de algunas de las sorpresas más interesantes, ya que todo no es lo que parece y aqui hay muchas sorpresas.

Por otro lado, el pasado terrestre, totalmente nebuloso para ella y en su mayoría presente en forma de sueños recurrentes, que la llevará a un viaje para redescubrir sus emociones humanas, el origen de su poder, y recordar quienes fueron las personas que ella tiene presente en estos sueños.

Vers (su nombre Kree) que conocemos al principio es, de hecho, una soldado a quien se le enseña a dominar sus emociones. ” No permitas que las emociones dominen tu cuerpo”  es el consejo que le da su mentor Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, y le muestra cómo cada vez se ve nublado su juicio por reacciones instintivas, su habilidad en batalla según él pierde efectividad

El viaje que hará en nuestro planeta, donde caerá por casualidad después de una misión fallida, la llevará en la dirección opuesta: al descubrimiento de la verdadera Carol Danvers y las personas que dejó atrás, una revelación que tendrá efectos extraordinarios en su tranquilidad al despejarse todas las dudas que tiene sobre si misma.

Capitana Marvel como bandera del feminismo en el cine superheroíco

Capitana Marvel

¿Es una película feminista? Sí, pero en el mejor sentido de la palabra y en absoluto feminazi (como temían algunos y como afirmaban varios trolls que circulaban por las redes sociales las última semanas). Marvel, al contar la historia de su primera heroína por primera vez y con cierto retraso en comparación con la competencia, encuentra el equilibrio correcto entre la legitimación femenina y un viaje de autodescubrimiento.

Por supuesto, Carol experimentó discriminación sexista e intimidación en su piel durante su vida y su carrera militar, pero nunca se dejó definir por ellos, ella no tiene que demostrarle nada a nadie. Si Pantera Negra fue la línea divisoria del tema racial, Capitana Marvel representa para la Casa de las Ideas casi un manifiesto sobre la femineidad, ya que no solo por primera vez para una mujer es la protagonista de la película, sino que alude a los valores y el valor del autodescubrimiento y la fuerza de la amistad.

Esa intensa amistad que tiene la protagonista con Maria Rambeau (Lashana Lynch), una relación  muy estrecha que se ve interrumpida por varios años, que por afinidad de intercambio (ambos eran dos pilotos de la Fuerza Aérea), podía recordar eso entre Maverick y Goose de la famosa película Top Gun.

El tono cambiante de la película

Capitana Marvel

Además de los mensajes políticos emitidos en Pantera Negra, la película numero 21 del UCM hasta ahora también tiene el mérito de ampliar definitivamente los límites del universo en el que se mueven sus héroes. Comienza como  una historia espacial en efecto y revela gradualmente las conexiones entre la Tierra (para los Kree es C-53) y el resto de la galaxia, explicándolas a mi parecer mejor que en los Guardianes de la Galaxia.

Brie Larson tiene la cara, el físico y la convicción correcta para el personaje, y lo mejor es que en ningun momento se ve opacada por figuras como Samuel L. Jackson y un asombroso Ben Mendelsohn , sin descuidar a la estrella invitada Goose, el gato que tiene un par de buenos momentos en la película y en la resolución del conflicto.

Los ejes de la historia son el pasado de Carol en la tierra y el por qué esta con los Kree, con cambios continuos de escenarios y situaciones, y efectos especiales. Si las escenas “cósmicas” son realmente fascinantes hasta el límite de lo psicodélico, se debe dar una mención especial al rejuvenecimiento digital de Samuel L. Jackson y Clark Gregg (quien siendo sinceros canta un poquito el CGI), un efecto que ya se usó anteriormente pero nunca durante tanto tiempo. Lo que abre nuevos horizontes para la cinematografía del futuro.

Luego la película tiene un tono distinto ya no es una guerra espacial sino que es una especie de buddy movie ya que en este tramo de la película se forja una amistad entre Carol y Fury, sin olvidarnos de Goose que sin dudas se robó el corazón de muchos, incluyendo el de este servidor. Viendo una escena en especifico ya al final de la cinta piensas “Thanos está en problemas, y me alegro” esperemos que Carol le de su merecido al Gran Titán.


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