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Critica de La Mula: Una cinta realista y estremecedora

La Mula

En La Mula Clint Eastwood interpreta a Earl Stone, un florista entusiasta de Illinois, se especializa en la cultura de una flor efímera que solo vive un día. Él sacrificó su vida y su familia por esa flor, que ya no quiere saber sobre él. En el medio oeste, compungido por la desindustrialización, el comercio colapsa y Earl se ve obligado a vender la casa.

El único bien que queda es el repunte con el que llegó a 41 estados de los 50 sin recibir una multa. Su actitud de conducción atrae la atención de un extraño, que le ofrece un trabajo lucrativo. Un cartel no oficial de narcotraficantes mexicanos, liderado por un hedonista y un jefe gourmand, estos quieren transportar grandes cargas de drogas desde Texas hasta Chicago.

Earl está de acuerdo sin hacer preguntas, cargar en un garaje y llevar a un motel. La venerable edad la hace poco sospechosa e irrelevante para la DEA. Veterano de guerra convertido a ‘mula’, Earl olvida los principios de orgulloso defensor del paísPor unos pocos dólares más . Pero el camino es largo.

Para Clint Eastwood, la pregunta es el tiempo que le queda. Una pregunta urgente surgió de las aguas del Río Mistico y se resolvió cinco años después en Gran Torino. Walt Kowalski, misántropo irascible y veterano de la Guerra de Corea, será su último papel. Clint Eastwood pone en escena su final, al menos hasta la próxima. Porque once años después, el autor que se beneficia de la extensión eterna de los dioses del cine, toma el camino nuevamente en un viaje extra testamentario.

Clint Eastwood sigue aumentando su leyenda

La Mula

La Mula es más que esto, más que el nuevo retrato de un viejo héroe reaccionario que limpia sus pecados. Para Clint Eastwood ya no es hora de escribir su leyenda y jugar con su mito. Perfectamente consciente de lo que provoca, es divertido, pero permanece seco y auténtico detrás de las arrugas de un hombre que ya no tiene la angustia del envejecimiento sino el miedo a morir.

Cuando aparece en la pantalla, el corazón se detiene porque Clint Eastwood siempre es condenadamente excepcional, con su apariencia clara, la sonrisa franca y la silueta imponente que no ha perdido nada de su elegancia pero que no puede ni quiere ocultar el peso de sus años. Esa vulnerabilidad que acompaña a la vejez. En el momento en que presiona, como los secuaces del cartel mexicano, el autor responde ralentizando.

Después del frenesí de El Francotirador y 15:17 Tren a París, esta película tiene un ritmo distinto, es el de un hombre consciente a quien no le queda mucho por recorrer pero que realmente no tiene prisa por llegar al destino. El viaje se disfruta a bordo de un Ford F-100 de los años 70. La Mula es la segunda película ‘Fordist‘ de Eastwood después de Gran Torino, un título dedicado a otro brillante automóvil de Ford. La fascinación por el fordismo, un peculiar método de producción en cadena, explica tal vez la cadencia infernal con la que el director hace sus películas, treinta y ocho de 1971 y la treinta y nueve ya está “ensamblada”.

Sólido como un mito, ilumina su “trabajo corporal” y avanza en la radiante película, con el sombrero en la cabeza, agitando las cejas, provocando a los damas armados, entregando flores a las damas o cantando canciones al volante, un impecable florilegio del país y Alma, a lo largo de las carreteras vacías del medio oeste. Basta con verlo, observar cuidadosamente todos sus gestos, que constituyen la materia prima de la película, adivinar lo que la anima a los ochenta y ocho años: extraer toda la vitalidad que queda en su cuerpo y en el de su nación, los dos siempre coinciden. en su cine.

Un ciudadano común se convierte en una mula del cartel

La Mula

El criminal perfecto es un estadounidense promedio, irreprochable e inofensivo. El buen republicano se convierte en una mula del cartel y desafía la ley, encarnada por el agente de Bradley Cooper, eco lejano pero invertido, cazador y no cazado, como lo fue en Un Mundo Perfecto.

En un mundo políticamente correcto, su Earl tiene un lenguaje y comportamiento irreduciblemente inapropiados, trata a los mexicanos de “frijoles rojos”, toma lesbianas para hombres y llama “negro” a un viajero afroamericano varado junto a la carretera. Si en la vida de Eastwood desprecia abiertamente lo políticamente correcto e insiste en la responsabilidad individual, en el cine es infinitamente más sutil.

La Mula sólo reitera la complejidad, la riqueza y también el carácter indiscutible de su cine. Republicano de hecho, libertario de corazón, ya que su Earl tiene una ‘buena palabra para todos’, pero nunca duda cuando se trata de defender a los más débiles. En una historia que es gratificantemente emocionante, Eastwood revela el miedo visceral de un motorista latino detenido por la policía durante el viaje de caza “mula”.

Unos pocos minutos para resolver sus cuentas con el racismo y el abuso de poder de la policía estadounidense. Quien sabe que su trabajo no se sorprenderá, pero al verlo encarnar esos valores, entregarse en cuerpo y alma, devorar el cine con ganas, tranquilizarlo.

La transposición de una historia real, la de Leo Sharp, un veterano de la Segunda Guerra Mundial arrestado a los noventa por narcotráfico y obsesionado solo por sus flores, La Mula le permite a Clint Eastwood desarrollar el remordimiento por sus seres queridos detrás y no es una coincidencia que Alison Eastwood interpreta a Iris, hija herida por la negligencia de un padre que ya no habla la palabra.

Un héroe a su manera

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El elenco también cuenta con Andy Garcia, sin la larga barba con la que estamos acostumbrados a verlo en un lugar bien conocido, en el papel de El Chapo. Una maravillosa Dannie West , en el papel de su esposa Mary. Bradley Cooper, como se mencionó, en el papel del papel del detective Colin Bates. Y Laurence Fishburne , el agente especial de la DEA.

Dada la edad, el papel le queda perfectamente. Eastwood puede permitirse ser director, guionista, intérprete y productor. Lo hizo en la calle en el cine estadounidense. Al igual que ese mensajero. Esperando que la meta todavía esté un poco lejos. Todavía necesitamos su habilidad narrativa e interpretativa.

En un cine que continuamente propone historias de superhéroes , él también lo es, a su manera.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Elda Gonzalez

    19/02/2019 at 1:52 pm

    Excelente y completa reseña que no solo abarca ésta película en sí sino también la filmografía, vida y personalidad del veterano Clint.

    No soy fan de este género del cine pero leyendo tu artículo ahora tengo curiosidad de verla.

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Critica sin spoilers de Nosotros, del terror a la ciencia ficción

Nosotros

La nueva película de terror del director de Get Out ( ganadora del Oscar al mejor guión original ) llega a las salas de cine, es muy difícil hablar concretamente de Nosotros sin revelar demasiado y arruinar la experiencia, debemos ser cuidadosos en no dar spoilers.

Con los 252 millones de dólares recaudados, las tres nominaciones y un Oscar por Get Out, un thriller político con un corazón sobrenatural, Jordan Peele entró repentinamente en ese círculo de autores que con el género pueden permitirse hacer casi todo, Ejemplo escribe un horror como Nosotros (20 millones de presupuesto contra los 5 de la película anterior), proyecto muy ambicioso, tan llenos de símbolos y cambios de tono como para decir que es una apuesta arriesgada del director.

Seguro ganará mucho dinero con Nosotros y pensará en el próximo proyecto, con un presupuesto que se duplicará o incluso más y con la voluntad de los estudios que ponen el dinero para apoyarle en cualquier idea: porque sí, el es un autor, pero también es una mina de oro. En resumen, lo que ha sido M. Night Shyamalan durante años y nunca ha dejado de ser Christopher Nolan.

Nosotros, de la realidad al horror y de allí a la ciencia ficción

Nosotros

Nosotros, por lo menos durante una hora, es una invasión de casas clásica, nos hace pensar mucho en Los Extraños de Bryan Bertino: hay una familia afroamericana con una cabaña en el lago que, una noche, se encuentra asediada por cuatro locos en unos vehículos, aparentemente falta motivación que va más allá del puro sadismo.

Excepto que esos cuatro tontos son como aquellos para los protagonistas, en el sentido de que son idénticos. No se debe decir algo más, pero esto sucede: la película trabaja largamente en suspenso siguiendo ciertos principios de puesta en escena muy comunes, entonces, literalmente, se rompe. Es decir, pierde las piezas, va más allá de cualquier lógica.

Y mientras esta ficción de lo absurdo rompe la trama y los personajes, es como si la historia terminara desenfocada, y de esta imagen borrosa, de entre estos escombros de significado, la idea política de la película emergió de manera poderosa, en cierto punto, lo único que queda de pie.

Es una forma muy fascinante de entender el género, la semilla ya estaba en Get Out, pero aquí el proceso es extremo: de la realidad al horror, del horror a la ciencia ficción, y ahora incluso de la ciencia ficción al territorio de fantasía. Una acrobacia tan grande que al final depende de poner en boca de un personaje una súper explicación para explicar lo inexplicable, cuando ya es demasiado tarde por algún tiempo.

Medio cine político y medio túnel de horrores, Nosotros funciona muy bien tanto cuando quiere divertirse como cuando quiere que la gente piense, y el único problema es que no siempre parece tener ideas claras sobre cómo mantener las dos cosas juntas. Pero tiene la calidad de ser siempre fascinante, desde el prólogo de los años 80 todo se convirtió en la altura del niño, lo que sería una joya de un cortometraje que también dejaría de lado el resto.


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Crítica de Love, Death & Robots – La serie animada para adultos de Netflix

Love

Love, Death & Robots es un pryecto que está dirigido por Tim Miller (Deadpool, y en el pasado también varios videojuegos como Mass Effect 2, The Old Republic y Hellgate: London) y David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodiaco, Mindhunter) con la participación de estudios de animación procedentes de de todo el mundo

Pero, ¿qué es y por qué debería hacerse un favor y dedicarle parte de su tiempo? Para empezar,  Love, Death & Robots  es una serie antológica que consta de 18 episodios con una duración promedio de 10-15 minutos. Como se mencionó, cada episodio se realiza con un estilo diferente de animación y, debido a su naturaleza antológica de series, cada uno de ellos no tiene ninguna relación con los demás y se caracteriza por una trama concluyente .

Soldados de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas de cyborg, arañas alienígenas y demonios infernales sedientos de sangre: los encontrarás en las dieciocho historias animadas de NSFW.

Love, Death & Robots – Una serie animada para adultos

Love

Al ser una serie para adultos, los temas más dispares se enfrentan, y ni los dos directores ni los estudios de animación se han preocupado demasiado por reproducir la violencia en la pantalla , la muerte , el sexo , la sensualidad y otros temas que también podrían alterar la sensibilidad. de algunos espectadores.

Entonces, ¿por qué deberías dedicar parte de tu tiempo a ello? Por varias razones. Muchos episodios terminan en sí mismos, casi como si fueran un intento de llevar una historia y un tipo de animación en la pantalla para ver la reacción del público . Realmente querrás profundizar, saber más sobre los protagonistas, sus historias y los antecedentes de la configuración elegida, de querer más.

Como el episodio 4 llamado “Trajes”, en el que los campesinos defienden su tierra como criaturas en la línea de los arácnidos de Starship Troopers a bordo de mechs armados con dientes. El cómplice del estilo de la animación y la intensidad de las escenas de acción realmente desearía ver toda una serie dedicada a ellas.

Y nos damos cuenta de que tal vez el genio de la serie sea precisamente su deseo de proponer un producto empaquetado de acuerdo con lógicas que tengan poco que ver con lo que el público necesita actualmente, un público que normalmente anhela series de televisión compuestas de más y más temporadas, sagas cinematográficas divididas en trilogías, videojuegos que, literalmente, se desarrollan durante décadas.

Estilos diferentes en cada episodio

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En mi opinión, con el capítulo 14 “Piezas Únicas”  llegamos a la cima con respecto a la profundidad del mensaje transmitido. Si el estilo de animación del episodio puede no ser atractivo para todos, el final y el propósito del cuento seguramente lograrán que se emocione. Incluso “La ventaja de Sonnie” me impactó de la misma manera, con su ferocidad y la brutalidad de las escenas y con su mensaje final igualmente drástico.

Otros se enfocan más en el sarcasmo, otros tienen un estilo steampunk o extremadamente de ciencia ficción que tiende al cyberpunk , otros aún no transmiten muchas ideas simples para historias que merecen unos pocos minutos en pantalla para expresarlas en todo su potencial.

Podríamos pasar horas discutiendo cada técnica de animación utilizada para la realización de los episodios, sobre el impacto visual de  “La Testigo” que parece una fusión entre captura de movimiento y y CGI con un medio estilo Entre el anime y el videojuego, o tal vez incluso por la falta de originalidad de algunos episodios, que no hacen más que explotar temas, historias y revistas ya vistos, solo para mostrar el peculiar estilo artístico de ese determinado estudio de producción.

Pero la duración total de la serie Love, Death & Robots es tan pequeña que no le tomará mucho tiempo terminarla  y algunos episodios son tan profundos o divertidos de ver y admirar, incluso por unos pocos minutos, que las faltas de otros se desvanecen para dejar espacio para una experiencia audiovisual que, sinceramente espero, no sea un caso aislado en el futuro cercano del catálogo de Netflix.

Así que sí, hazte un favor y corre a verlo. No solo porque no dura mucho tiempo, no solo por la presencia de una escena desnuda que, para ser honesta, es casi marginal (en el sentido de que es casi natural dados los diversos contextos en los que están inmersas las historias), sino por poder ser testigo que también podríamos definir un experimento (en su mayoría exitoso) que, debido a cómo fue concebido y realizado, ha puesto en pantalla algo que va más allá de nuestra ” zona de confort”.


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Critica de Capitana Marvel, Una grata sorpresa y una granada mental

Capitana Marvel

Capitana Marvel ha aterrizado en la Tierra. Es desde el 25 de abril del año pasado, es decir, desde el estreno de Avengers: Infinity War, que el público espera saber cómo encajará el nuevo personaje en el UCM y responder a todas las preguntas provocadas por el lanzamiento de la señal del localizador de Nick Fury. Antes de que se convirtiera en polvo por el chasquido de Thanos.

La película, recordemos, está ambientada en 1995, 15 años antes de la fase 1, y por lo tanto, es la  precuela definitiva de todas las aventuras firmadas por Marvel que hemos visto hasta ahora. Esta es la razón por la que su visión resulta tan importante para los entusiastas del Universo Marvel, lo que permite, por ejemplo, por qué Fury decidió darle vida a la “Iniciativa Vengadores” y, obviamente, arrojar varias pistas útiles para comprender a posteriori cómo se resolverá la batalla épica con el Titán loco y cómo regresar a la vida a todos los héroes y el resto de seres vivos que desaparecieron.

Vers es llevada a encontrar quien es en realidad

Capitana Marvel

Capitana Marvel sigue dos pistas paralelas que sirven para ampliar nuestra mirada y comprender más profundamente a la nueva heroína que enfrentamos y al mundo en el que estamos inmersos. Por un lado, está la dimensión alienígena, el descubrimiento ya en las primeras etapas de sus poderes, el descubrimiento de una guerra entre dos pueblos, los Skrull y el Kree, ambos portadores de algunas de las sorpresas más interesantes, ya que todo no es lo que parece y aqui hay muchas sorpresas.

Por otro lado, el pasado terrestre, totalmente nebuloso para ella y en su mayoría presente en forma de sueños recurrentes, que la llevará a un viaje para redescubrir sus emociones humanas, el origen de su poder, y recordar quienes fueron las personas que ella tiene presente en estos sueños.

Vers (su nombre Kree) que conocemos al principio es, de hecho, una soldado a quien se le enseña a dominar sus emociones. ” No permitas que las emociones dominen tu cuerpo”  es el consejo que le da su mentor Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, y le muestra cómo cada vez se ve nublado su juicio por reacciones instintivas, su habilidad en batalla según él pierde efectividad

El viaje que hará en nuestro planeta, donde caerá por casualidad después de una misión fallida, la llevará en la dirección opuesta: al descubrimiento de la verdadera Carol Danvers y las personas que dejó atrás, una revelación que tendrá efectos extraordinarios en su tranquilidad al despejarse todas las dudas que tiene sobre si misma.

Capitana Marvel como bandera del feminismo en el cine superheroíco

Capitana Marvel

¿Es una película feminista? Sí, pero en el mejor sentido de la palabra y en absoluto feminazi (como temían algunos y como afirmaban varios trolls que circulaban por las redes sociales las última semanas). Marvel, al contar la historia de su primera heroína por primera vez y con cierto retraso en comparación con la competencia, encuentra el equilibrio correcto entre la legitimación femenina y un viaje de autodescubrimiento.

Por supuesto, Carol experimentó discriminación sexista e intimidación en su piel durante su vida y su carrera militar, pero nunca se dejó definir por ellos, ella no tiene que demostrarle nada a nadie. Si Pantera Negra fue la línea divisoria del tema racial, Capitana Marvel representa para la Casa de las Ideas casi un manifiesto sobre la femineidad, ya que no solo por primera vez para una mujer es la protagonista de la película, sino que alude a los valores y el valor del autodescubrimiento y la fuerza de la amistad.

Esa intensa amistad que tiene la protagonista con Maria Rambeau (Lashana Lynch), una relación  muy estrecha que se ve interrumpida por varios años, que por afinidad de intercambio (ambos eran dos pilotos de la Fuerza Aérea), podía recordar eso entre Maverick y Goose de la famosa película Top Gun.

El tono cambiante de la película

Capitana Marvel

Además de los mensajes políticos emitidos en Pantera Negra, la película numero 21 del UCM hasta ahora también tiene el mérito de ampliar definitivamente los límites del universo en el que se mueven sus héroes. Comienza como  una historia espacial en efecto y revela gradualmente las conexiones entre la Tierra (para los Kree es C-53) y el resto de la galaxia, explicándolas a mi parecer mejor que en los Guardianes de la Galaxia.

Brie Larson tiene la cara, el físico y la convicción correcta para el personaje, y lo mejor es que en ningun momento se ve opacada por figuras como Samuel L. Jackson y un asombroso Ben Mendelsohn , sin descuidar a la estrella invitada Goose, el gato que tiene un par de buenos momentos en la película y en la resolución del conflicto.

Los ejes de la historia son el pasado de Carol en la tierra y el por qué esta con los Kree, con cambios continuos de escenarios y situaciones, y efectos especiales. Si las escenas “cósmicas” son realmente fascinantes hasta el límite de lo psicodélico, se debe dar una mención especial al rejuvenecimiento digital de Samuel L. Jackson y Clark Gregg (quien siendo sinceros canta un poquito el CGI), un efecto que ya se usó anteriormente pero nunca durante tanto tiempo. Lo que abre nuevos horizontes para la cinematografía del futuro.

Luego la película tiene un tono distinto ya no es una guerra espacial sino que es una especie de buddy movie ya que en este tramo de la película se forja una amistad entre Carol y Fury, sin olvidarnos de Goose que sin dudas se robó el corazón de muchos, incluyendo el de este servidor. Viendo una escena en especifico ya al final de la cinta piensas “Thanos está en problemas, y me alegro” esperemos que Carol le de su merecido al Gran Titán.


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