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Star Wars: Rogue One – Crítica sin spoilers definitiva

rogue star wars

Si escribo un blog es para días como estos. Días en los que el niño que tengo dentro decide salir a la luz y explicar al mundo, porqué cuando acabó la película la piel de gallina se apoderó de mi cuerpo. Sí, tengo el placer de presentar la crítica de Star Wars: Rogue One, escrita a partes iguales desde el corazón y la razón… Aunque mi lado oscuro sale a relucir porque ya os comento que la objetividad es mucho más difícil de lo que  parece.

Sin duda, todos nos temíamos que la franquicia de nuestra infancia, se viera afectada por la sobrecarga. Pero un buen plato, nunca dejará de ser un buen plato. Está claro que todos los que están involucrados en este proyecto tienen a un pequeño fan de Star Wars en su corazón y eso Rogue One lo plasma en cada fotograma.

Oda de amor a Rogue One – Sí,sí de amor

Porque necesitábamos esta película, sí, necesitábamos. A todos nos dejó un regusto agridulce el episodio VII. No discutiremos si fue mejor o peor, simplemente fue y los fans con eso somos felices. Sin embargo, Rogue One, llega para dejarnos un regusto en la boca sorprendente. ¿Sabéis el sabor que deja ese plato que tanto os gusta en la boca? Así definiría a Rogue One. Porque sí deja un claro sabor es a nuestra todopoderosa El Imperio Contraataca. Insisto, no hemos venido a comparar, pero quiero transmitiros lo que pasará por vuestras venas intergalácticas.

No nos engañemos, Rogue One, no es una película de ciencia ficción. No es un episodio de Star Wars. Y eso la hace mágica. Es una película bélica, que combina sus espías, traiciones, secretos y como no, campos de batallas. Eso sí, con influencias y bases como esas, seguro que estáis salivando pensando que todo eso puede estar transportado (y de buena manera) al universo Star Wars. Es una historia que transmite esperanza, no solo por el argumento, sino por esa manera de realizar películas. Así, sería capaz de ver una cada mes.

Matices mucho más oscuros

Es otro de los puntos  a destacar en el film. Ese plano cercano a los personajes, incluso agobiante. Una perspectiva bélica real y dura. Sí, aquí los stormtroopers todavía tienen puntería. Y todo esto en gran medida gracias especialmente a su fotografía, de Greig Fraser, que entre otros, fue el director de fotografía de la impresionante Zero Dark Thirty. Ya os podéis imaginar el estilo que tendrá nuestra pantalla. No se corta a la hora de mostrar lo crudo que puede ser el Lado Oscuro de la guerra. Por eso, es que si podemos comparar con alguna película, no nos da a pensar en otra que el Episodio V. 

La presencia de una película adulta con matices oscuros y grises en un universo Star Wars es algo que creo que necesitábamos. La batalla final, en la playa es una maravilla a nivel técnico, pero sobre todo a nivel bélico. El cruel intercambio de blasters nos recuerda a una batalla de verdad, algo que no se parece a la batalla contra los preciosos peluches d de Ewooks en el episodio VI.

El imperio (con sorpresa incluída – he prometido no spoilers así que me callo) da miedo. Es la diferencia con el Despertar de la Fuerza. Tienen un poder que asfixia, subyuga, sin la necesidad de destruirlo todo, o sí. Pero en cada uno de los movimientos que realiza nos recuerda al verdadero imperio.

Excursión galáctica a por los planos de la estrella de la muerte

Todos los que entráis a este post  conocéis el argumento de Rogue One. Básicamente incrustada entre el episodio III y IV, trata del escuadrón que hizo posible la frase de “Muchos bothans murieron para darnos esta información”, perdón perdón, esto no va aquí (y no, no es un spoiler, es unan referencia), de hecho de la segunda estrella de la muerte, simplemente quería daros mis conocimientos frikis. Ahora en serio, el escuadrón que consiguió los planes de la temible estrella de la muerte que permitió su posterior destrucción. ¿Eso se considera spoiler?  Nah

Y ahí es donde reconozco una cosa. No es una película de personajes, por mentira que parezca. Los personajes son secundarios a la verdadera protagonista, la historia. Eso nos gusta, pero nos deja fríos hacia Rogue One. Eso sí, en el duelo contra escuadrones, este le da una verdadera paliza a nuestro no tan querido escuadrón suicida (lo siento Harley).

¿Y quienes forman Rogue One?

Los personajes, especialmente los protagonistas Jyn Erso y Cassian Andor – nombre que he tenido que recordar en Google (interpretados por Felicity Jones y Diego Luna, con unas correctas interpretaciones) son complejos, tienen problemas, traumas, cometen errores…son realmente humanos. Sin embargo, creo que no se muestran correctamente en la película. Un comienzo enfocado de otra manera hubiera potenciado los favores de esta película.

K-2SO – ehem, Google again – (extraordinario Alan Tudyk), el robot, es sarcástico y divertido, lleva sobre sus hombros todo el humor que veréis en Rogue One (que no es poco, pero si es más adulto que en las precuelas o en el Episodio VII). Me impresiona gratamente, como son capaces de crear compañeros robóticos que se parezcan tan poco los unos entre los otros. Eso sí, referencia a C3-PO de regalo.

El resto, con su carisma incluido tienen su tiempo en pantalla. En muchos casos menor del que nos gustaría, como es el caso de nuestro monje ciego y su compañero. Nos gana con ese momento DareDevil.

Ben Mendelsohn dibuja en su Krennic un excelente villano adaptado totalmente al imperio y a Star Wars, aunque no se acaba de profundizar en él. Error de nuevo. Ah… Y que decir del mejor villano de la historia Darth Vader, solo os digo que os dejará los pelos de punta y de que manera. No digo nada más, pero os acordaréis de mi eso seguro.

Bonustrack – La banda sonora de Giacchino aprueba raspada

Tenía muchas esperanzas, necesitaba escuchar un nuevo sonido mientras veía volar los X-Wing y compañía. Sonaba mi amado Desplat como compositor, pero la decisión acabó en las manos de Giacchino. La música acompaña perfectamente en la película, sin caer en el error de repetir o copiar directamente.

Pero si exigimos algo a la BSO de una película de Star Wars es que la música se quede en tu mente y por desgracia -y mira que me esfuerzo – no hay manera de rememorar unos simples acordes de la película. Queremos ver más atrevimiento, más fuerza.

Que la fuerza te acompañe

Así es! Hablaban de explotar la gallina de los huevos, pero benditas tortillas me estoy comiendo de dicha gallina. Así queremos ver todos los spin off que nos echen, pero que no baje la calidad. Gareth Edwards, ha sacado a la parte más oscura de Star Wars. Nos ha hecho sentir dentro, nos ha hecho un tour por la verdadera galaxia.

El argumento, que a veces será tildado de irregular, acaba en una absoluta conclusión digna de muy buena película, y eso sube y mucho la sensación total de la película. Os lo prometo, solo por el final, vale la pena pagar no solo una vez.
Recordad todos… Portaros bien y que la fuerza os acompañe…

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Sr. C

    17/12/2016 at 12:53 pm

    Yo casi me duermo, varias veces. xD

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Crítica de Love, Death & Robots – La serie animada para adultos de Netflix

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Love, Death & Robots es un pryecto que está dirigido por Tim Miller (Deadpool, y en el pasado también varios videojuegos como Mass Effect 2, The Old Republic y Hellgate: London) y David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodiaco, Mindhunter) con la participación de estudios de animación procedentes de de todo el mundo

Pero, ¿qué es y por qué debería hacerse un favor y dedicarle parte de su tiempo? Para empezar,  Love, Death & Robots  es una serie antológica que consta de 18 episodios con una duración promedio de 10-15 minutos. Como se mencionó, cada episodio se realiza con un estilo diferente de animación y, debido a su naturaleza antológica de series, cada uno de ellos no tiene ninguna relación con los demás y se caracteriza por una trama concluyente .

Soldados de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas de cyborg, arañas alienígenas y demonios infernales sedientos de sangre: los encontrarás en las dieciocho historias animadas de NSFW.

Love, Death & Robots – Una serie animada para adultos

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Al ser una serie para adultos, los temas más dispares se enfrentan, y ni los dos directores ni los estudios de animación se han preocupado demasiado por reproducir la violencia en la pantalla , la muerte , el sexo , la sensualidad y otros temas que también podrían alterar la sensibilidad. de algunos espectadores.

Entonces, ¿por qué deberías dedicar parte de tu tiempo a ello? Por varias razones. Muchos episodios terminan en sí mismos, casi como si fueran un intento de llevar una historia y un tipo de animación en la pantalla para ver la reacción del público . Realmente querrás profundizar, saber más sobre los protagonistas, sus historias y los antecedentes de la configuración elegida, de querer más.

Como el episodio 4 llamado “Trajes”, en el que los campesinos defienden su tierra como criaturas en la línea de los arácnidos de Starship Troopers a bordo de mechs armados con dientes. El cómplice del estilo de la animación y la intensidad de las escenas de acción realmente desearía ver toda una serie dedicada a ellas.

Y nos damos cuenta de que tal vez el genio de la serie sea precisamente su deseo de proponer un producto empaquetado de acuerdo con lógicas que tengan poco que ver con lo que el público necesita actualmente, un público que normalmente anhela series de televisión compuestas de más y más temporadas, sagas cinematográficas divididas en trilogías, videojuegos que, literalmente, se desarrollan durante décadas.

Estilos diferentes en cada episodio

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En mi opinión, con el capítulo 14 “Piezas Únicas”  llegamos a la cima con respecto a la profundidad del mensaje transmitido. Si el estilo de animación del episodio puede no ser atractivo para todos, el final y el propósito del cuento seguramente lograrán que se emocione. Incluso “La ventaja de Sonnie” me impactó de la misma manera, con su ferocidad y la brutalidad de las escenas y con su mensaje final igualmente drástico.

Otros se enfocan más en el sarcasmo, otros tienen un estilo steampunk o extremadamente de ciencia ficción que tiende al cyberpunk , otros aún no transmiten muchas ideas simples para historias que merecen unos pocos minutos en pantalla para expresarlas en todo su potencial.

Podríamos pasar horas discutiendo cada técnica de animación utilizada para la realización de los episodios, sobre el impacto visual de  “La Testigo” que parece una fusión entre captura de movimiento y y CGI con un medio estilo Entre el anime y el videojuego, o tal vez incluso por la falta de originalidad de algunos episodios, que no hacen más que explotar temas, historias y revistas ya vistos, solo para mostrar el peculiar estilo artístico de ese determinado estudio de producción.

Pero la duración total de la serie Love, Death & Robots es tan pequeña que no le tomará mucho tiempo terminarla  y algunos episodios son tan profundos o divertidos de ver y admirar, incluso por unos pocos minutos, que las faltas de otros se desvanecen para dejar espacio para una experiencia audiovisual que, sinceramente espero, no sea un caso aislado en el futuro cercano del catálogo de Netflix.

Así que sí, hazte un favor y corre a verlo. No solo porque no dura mucho tiempo, no solo por la presencia de una escena desnuda que, para ser honesta, es casi marginal (en el sentido de que es casi natural dados los diversos contextos en los que están inmersas las historias), sino por poder ser testigo que también podríamos definir un experimento (en su mayoría exitoso) que, debido a cómo fue concebido y realizado, ha puesto en pantalla algo que va más allá de nuestra ” zona de confort”.


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Critica de Capitana Marvel, Una grata sorpresa y una granada mental

Capitana Marvel

Capitana Marvel ha aterrizado en la Tierra. Es desde el 25 de abril del año pasado, es decir, desde el estreno de Avengers: Infinity War, que el público espera saber cómo encajará el nuevo personaje en el UCM y responder a todas las preguntas provocadas por el lanzamiento de la señal del localizador de Nick Fury. Antes de que se convirtiera en polvo por el chasquido de Thanos.

La película, recordemos, está ambientada en 1995, 15 años antes de la fase 1, y por lo tanto, es la  precuela definitiva de todas las aventuras firmadas por Marvel que hemos visto hasta ahora. Esta es la razón por la que su visión resulta tan importante para los entusiastas del Universo Marvel, lo que permite, por ejemplo, por qué Fury decidió darle vida a la “Iniciativa Vengadores” y, obviamente, arrojar varias pistas útiles para comprender a posteriori cómo se resolverá la batalla épica con el Titán loco y cómo regresar a la vida a todos los héroes y el resto de seres vivos que desaparecieron.

Vers es llevada a encontrar quien es en realidad

Capitana Marvel

Capitana Marvel sigue dos pistas paralelas que sirven para ampliar nuestra mirada y comprender más profundamente a la nueva heroína que enfrentamos y al mundo en el que estamos inmersos. Por un lado, está la dimensión alienígena, el descubrimiento ya en las primeras etapas de sus poderes, el descubrimiento de una guerra entre dos pueblos, los Skrull y el Kree, ambos portadores de algunas de las sorpresas más interesantes, ya que todo no es lo que parece y aqui hay muchas sorpresas.

Por otro lado, el pasado terrestre, totalmente nebuloso para ella y en su mayoría presente en forma de sueños recurrentes, que la llevará a un viaje para redescubrir sus emociones humanas, el origen de su poder, y recordar quienes fueron las personas que ella tiene presente en estos sueños.

Vers (su nombre Kree) que conocemos al principio es, de hecho, una soldado a quien se le enseña a dominar sus emociones. ” No permitas que las emociones dominen tu cuerpo”  es el consejo que le da su mentor Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, y le muestra cómo cada vez se ve nublado su juicio por reacciones instintivas, su habilidad en batalla según él pierde efectividad

El viaje que hará en nuestro planeta, donde caerá por casualidad después de una misión fallida, la llevará en la dirección opuesta: al descubrimiento de la verdadera Carol Danvers y las personas que dejó atrás, una revelación que tendrá efectos extraordinarios en su tranquilidad al despejarse todas las dudas que tiene sobre si misma.

Capitana Marvel como bandera del feminismo en el cine superheroíco

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¿Es una película feminista? Sí, pero en el mejor sentido de la palabra y en absoluto feminazi (como temían algunos y como afirmaban varios trolls que circulaban por las redes sociales las última semanas). Marvel, al contar la historia de su primera heroína por primera vez y con cierto retraso en comparación con la competencia, encuentra el equilibrio correcto entre la legitimación femenina y un viaje de autodescubrimiento.

Por supuesto, Carol experimentó discriminación sexista e intimidación en su piel durante su vida y su carrera militar, pero nunca se dejó definir por ellos, ella no tiene que demostrarle nada a nadie. Si Pantera Negra fue la línea divisoria del tema racial, Capitana Marvel representa para la Casa de las Ideas casi un manifiesto sobre la femineidad, ya que no solo por primera vez para una mujer es la protagonista de la película, sino que alude a los valores y el valor del autodescubrimiento y la fuerza de la amistad.

Esa intensa amistad que tiene la protagonista con Maria Rambeau (Lashana Lynch), una relación  muy estrecha que se ve interrumpida por varios años, que por afinidad de intercambio (ambos eran dos pilotos de la Fuerza Aérea), podía recordar eso entre Maverick y Goose de la famosa película Top Gun.

El tono cambiante de la película

Capitana Marvel

Además de los mensajes políticos emitidos en Pantera Negra, la película numero 21 del UCM hasta ahora también tiene el mérito de ampliar definitivamente los límites del universo en el que se mueven sus héroes. Comienza como  una historia espacial en efecto y revela gradualmente las conexiones entre la Tierra (para los Kree es C-53) y el resto de la galaxia, explicándolas a mi parecer mejor que en los Guardianes de la Galaxia.

Brie Larson tiene la cara, el físico y la convicción correcta para el personaje, y lo mejor es que en ningun momento se ve opacada por figuras como Samuel L. Jackson y un asombroso Ben Mendelsohn , sin descuidar a la estrella invitada Goose, el gato que tiene un par de buenos momentos en la película y en la resolución del conflicto.

Los ejes de la historia son el pasado de Carol en la tierra y el por qué esta con los Kree, con cambios continuos de escenarios y situaciones, y efectos especiales. Si las escenas “cósmicas” son realmente fascinantes hasta el límite de lo psicodélico, se debe dar una mención especial al rejuvenecimiento digital de Samuel L. Jackson y Clark Gregg (quien siendo sinceros canta un poquito el CGI), un efecto que ya se usó anteriormente pero nunca durante tanto tiempo. Lo que abre nuevos horizontes para la cinematografía del futuro.

Luego la película tiene un tono distinto ya no es una guerra espacial sino que es una especie de buddy movie ya que en este tramo de la película se forja una amistad entre Carol y Fury, sin olvidarnos de Goose que sin dudas se robó el corazón de muchos, incluyendo el de este servidor. Viendo una escena en especifico ya al final de la cinta piensas “Thanos está en problemas, y me alegro” esperemos que Carol le de su merecido al Gran Titán.


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Critica de La Casa de Jack, la tragedia de la adicción

La Casa de Jack

En La Casa de Jack ( Matt Dillon ), este es un asesino en serie. En algún lugar, en un lugar oscuro, en un sendero que te lleve a no sabes dónde, le dicen a Virgil ( Bruno Ganz ) los cinco “incidentes” que lo llevaron allí. Esperando completar la última parte del viaje, y enfrentar su destino.

Siete años después de haber sido prohibido en Cannes por bromear con fuego, llamarse a sí mismo nazi (había estado en la Internacional en Cannes en 1998) y haber definido a Israel como “un dolor en el trasero”, Von Trier estuvo de vuelta en mayo pasado con una película en la que, sustancialmente, está constituida, poniéndose en el papel de un asesino en serie (Matt Dillon)  un misógino, nihilista y obsesivo compulsivo . Un artista con una visión completamente amoral del arte.
Un arquitecto incapaz de construir una casa, excepto a través de los cadáveres de sus víctimas.

Una película sobre la tragedia de la adicción

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Von Trier dibuja tabúes uno por uno y los descompone sistemáticamente como bolos: los niños, las mujeres y los animales son el objetivo . Los cadáveres son mutilados y luego deformados. Pero la violencia nunca es cautivadora, nunca es pop: en cambio, hay una especie de desesperación histérica, una fealdad repulsiva y un humor siempre debilitado por la tragedia de la adicción.

Realmente hay una libertad extrema en todo esto,  la construcción de una zona libre dentro del clima político de la época . Es como si en todos los sermones, auspicios, pantallas y leyendas, Von Trier se opusiera a su propio narcisismo, su propia vanidad y su propio (¿mal?) sabor, que encuentra su culmen en el ultimo acto de la película. Un talento capaz de todo, de acrobacias intelectuales y bromas baratas, de saltos escenográficos extremos y de material de repertorio, de horrores difíciles y de belleza incongruente.

Pero no es que necesariamente hay que elegir, no es que las dos cosas estén excluidas, el punto es que una sin la otra es solo una forma diferente de contarlo. El cine de Von Trier sigue siendo el que lleva los “pecados” de todos , el que crea una perspectiva intelectual, porque es el único que sigue planteando la cuestión estética por excelencia, así de legal es “extraer” el proceso artístico desde el educativo, y uno mismo desde la sociedad, trabajando en los límites de lo visual.

La Casa de Jack es una oda del director a su propia carrera

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Si von Trier nunca hace otra película, La Casa de Jack sería un resumen acertado de su carrera. En medio de las digresiones de Talky, el cineasta toma una muestra del clímax de su propia “Melancholia“, mientras que Jack llama “Anticristo” y es atacado por Verge por albergar “un sueño patético de algo grandioso“. Es fácil ver cómo el cineasta podría involucrarse en una autocrítica con ideas similares a altas horas de la noche. “¡En este infierno de mundo, nadie quiere ayudar!“, Exclama Jack, mientras la cámara se acerca a un mundo vacío.

Jack se condena a sí mismo al intentar rectificar su ansiedad con el asesinato. Si “Melancholia” celebró el proceso de hacer las paces con la fragilidad emocional, “Jack” sigue la trayectoria opuesta: lo que se siente al quedar atrapado por tus propias fallas hasta un punto que hace imposible la salvación. Concluye con la sugerencia de que incluso si von Trier está atrapado en un infierno privado de su propia creación (o Jack, pero a quién estamos engañando), él todavía está esperando por su vida.


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