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Crítica El Gran Showman – Bienvenidos al espectacular espectáculo

Cuando la música y el cine se unen de manera perfecta, son capaces de crearnos sensaciones y emociones que no estamos acostumbrados a sentir. La melodía de unos acordes, de unas voces, transportan a tu mente a otro lugar y te dan la bienvenida con los brazos abiertos. Sí, bienvenidos a un musical. Pero no un musical cualquiera, bienvenidos a El Gran Showman, el espectáculo hecho película que te sorprenderá y emocionará a partes iguales. 

Por ello, queremos abrir el telón y mostrarte con nuestra Crítica/Review de El Gran Showman Sin Spoilers, que todavía tenemos mucha fe en los musicales con tintes más clásicos. ¿Estás preparado para formar para subir al escenario?

Crítica El Gran Showman

El Gran Showman – Welcome to the Greatest Show on Earth

Estamos muy acostumbrados a ver adaptaciones de musicales recogidas directamente de las calles de Broadway. Bienvenidos a algo diferente, nada más y nada menos que un Biopic que fluye musicalmente como hacía tiempo que no veía en pantalla. Su director Michael Gracey (quien es todavía una cara desconocida para muchos de nosotros), nos explica la historia de un niño humilde, Phineas Taylor Barnum nacido en Connecticut en 1810 y como es capaz de convertirse El Gran Showman a base de esfuerzo y algún truco un tanto moralmente cuestionable.

No queremos entrar en el argumento, sabéis de sobra que queremos que lleguéis con la mente vacía, pero una vez que salgáis de las salas de cine buscad información sobre el personaje. Sin entrar en detalles, se plasma a la perfección la historia de P.T. Barnum, donde se entremezcla esa magia que caracteriza a una persona que embaucó a muchos y consiguió fortuna y sonrisas a números iguales. Por supuesto, existe una importante libertad creativa y se han pintado de colores historias mucho más grises. Cinematográficamente se consigue todo aquello que se busca y se da un gran espectáculo que te dejará atado a la butaca durante toda su duración.

Crítica El Gran Showman

La verdadera humanidad de aquello diferente

No queremos entrar en las luces y sombras de la vida de P.T. Barnum. En muchos medios, se ha criticado el papel de héroe que se atribuye en la película. Queremos ceñirnos a lo que transmiten unos acordes y unos fotogramas tan fluidos y armónicos que emocionan desde el primer momento. La historia presenta un problema, es muy limitada. Si nos centramos en aquello que gira únicamente sobre El Gran Showman, encontraremos rápidamente los hilos de una historia convencional que ya hemos visto varias veces.

Sin embargo, debo aplaudir y levantarme, por la naturalidad con la que el resto de mensajes se envían durante la cinta. Seguiremos por el tren de esa historia lineal mientras que observamos por la ventanilla, diferentes reivindicaciones que personalmente me llegan y me transmiten perfectamente lo que querían. Si lo piensas fríamente, cómo se lucro El Gran Showman es bastante turbio, pero ver esa capacidad de hacer especial lo diferente, en un mundo lleno de esclavitud y prejuicios, aporta unos toques de color que llaman mucho la atención.

La sensación de sentir una gran familia, está conseguida gracias a unos secundarios y un casting en general, que más allá de las caras más reconocidas es excelente. La fuerza que tienen todos en pantalla y sobre todo la unión de sus voces y cuerpos bailando, son un ejercicio visual y auditivo excelente y a la altura de las necesidades y las pretensiones.

Crítica El Gran Showman

Una Oda al público y una crítica al crítico

Uno de los submensajes de la película habla directamente de las sensaciones que se viven durante un espectáculo. Ahí el mensaje me sacó más de una sonrisa sincera. Son capaces de plasmar de manera directa que no es más mentiroso un director por hacer películas palomiteras o más dedicadas al público, que un crítico que se ha olvidado disfrutar de todo tipo de cine. Ai perdón, estábamos hablando de teatro y circo. Al final, no hay tanta diferencia. La similitud y la crítica está tan bien hecha que a muchos les escocerán las heridas.

La música de la grandeza y los estilos

Si algo hace obligatoria la asistencia a los cines, es la voz de Hugh Jackman y la fuerza de todos los números musicales. Es verdad que a nivel visual acaba siendo una apuesta muy poco arriesgada. Habiendo escuchado centenares de veces la Soundtrack por separado, la fuerza y el ritmo de la musicalidad solo se puede explicar por la participación de Benj PasekJustin Paul quienes ya habían sonado en nuestros oídos con la brillantez de Lalaland.

Todas las actuaciones, incluyendo a la enorme Rebeca Ferguson, están muy bien integradas y gozan de unas conexiones que se van formando nota tras nota. Zac Efron, Zendaya acaban conectando conmigo cómo no lo habían hecho en otras producciones anteriores. (Ehem, Spiderman) .

Pero no puedo dejar de alabar el trabajo de Hugh Jackman. Solo por ver sus gestos, su voz y todo el peso que recae en él, vale la pena pagar la entrada y disfrutar. Nosotros pudimos gozar de El Gran Showman en Versión Original no en Español Doblado, algo que recomendamos a todo el mundo para no padecer en las transiciones, algo que duele mucho en los musicales. Crítica El Gran Showman

El Gran Showman – “El arte más noble es el de hacer felices a los demás”

Si dejas que la música fluya en ti en todo momento, serás capaz de disfrutar de uno de los musicales más atractivos en muchos sentidos. Si vas reconociendo los mensajes que te envía y en cierta manera incluso te sientes identificado, la degustación del film se elevará a la máxima potencia. Y si eres una persona tan sensible como quién os escribe, tendrás una tela de lágrimas y un nudo en la garganta desde prácticamente el número inicial.

Esta película puede tener fallos notables. Está claro que la historia está muy maquillada para dar esa espectacularidad. Pero… ¿Acaso buscamos del cine algo más que hacer felices a los demás? Dejemos que cada película cumpla su función. Dejemos que El Gran Showman cante a tu oído y no dejes de mover los pies al son de la música. 

Como siempre, un placer escribir para vosotros.

Nos leemos pronto. No os perdáis el resto de nuestras críticas.

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5 mejores usos de la disonancia de la banda sonora en el cine

Descubre 5 de los mejores usos de la disonancia de la banda sonora en el cine.

Una familia disfuncional de superhéroes, reunida por la muerte de su padrastro, son los únicos que pueden salvar el futuro de la Tierra, solo si pueden recomponerse. The Umbrella Academy es la reciente incorporación a la familia Netflix. Basada en los cómics originales de Gerard Way, The Umbrella Academy es un espectáculo atrevido y lleno de amapolas que equilibra elocuentemente el humor con el drama. Juntos, las ideas distópicas sobre el viaje en el tiempo y los universos múltiples permiten a los espectadores «esperar lo inesperado».

A pesar de la historia apocalíptica de The Umbrella Academy y los temas oscuros del trauma y la adicción a las drogas, es una comedia positivamente vibrante que le da un giro al género de superhéroes. Una de las formas en que Umbrella Academy despliega su imaginación en pantalla es mediante el uso de la disonancia de la banda sonora. Esto permite que una escena se reproduzca, generalmente una secuencia de acción, a música completamente opuesta en tono.

5 mejores usos de la disonancia de la banda sonora en el cine

Pero The Umbrella Academy no es el primero en usar la disonancia de la banda sonora. Algunos de los momentos más emblemáticos del cine son recordados por su yuxtaposición de acción y música. Aquí están cinco de los mejores ejemplos para echar un vistazo.


GOOD MORNING, VIETNAM – “WHAT A WONDERFUL WORLD”

Como lo sugiere el título, la comedia dramática de Barry Levinson se desarrolla en el país de Vietnam, en 1965. La naturaleza de este escenario hace que «What a Wonderful World» de Louis Armstrong sea la última canción que esperas escuchar.

El presentador de radio Adrian Cronauer (Robin Williams) crea ondas en las emisoras vietnamitas con sus ingeniosos chistes e imitaciones. En uno de esos casos, vemos a Cronauer tocar «What a Wonderful World», mientras imágenes de bombas, disturbios y la muerte de civiles inundan la pantalla. Levinson crea una amarga ironía, que contrasta los horrores de la guerra contra el idealista sueño americano de ese «mundo maravilloso» que están destruyendo.


MONTY PYTHON’S LIFE OF BRIAN – “ALWAYS LOOK ON THE BRIGHT SIDE OF LIFE”

La disonancia de la banda sonora es una herramienta útil para transmitir alegorías sociales sobre la violencia, pero también puede usarse con fines puramente cómicos. Aunque técnicamente la música en esta escena es diegética, y podría decirse que no es parte de la «banda sonora», la idea general es bastante parecida. Después de que un grupo de criminales son sometidos a crucifixión durante la era romana, cuelgan esperando su muerte, cantando «Mira siempre el lado positivo de la vida».

La canción en realidad fue escrita por el miembro de Monty Python, Eric Idle, para los fines de esta escena. Desde entonces, se ha convertido en una canción popular en Gran Bretaña, no solo por su ritmo alegre sino también por sus connotaciones cómicas asociadas a este famoso boceto.


AMERICAN PSYCHO – “HIP TO BE SQUARE”

Quizás en la actuación más famosa de Christian Bale, todo sobre American Psycho es contradictorio. Patrick Bateman vive una doble vida: un yuppie vano de Nueva York de día y un asesino en serie psicopático de noche.

Mientras su compañero de trabajo Paul Allen se sienta inconscientemente disfrutando de su bebida, Bateman se pasea por su apartamento con un hacha y un impermeable. Bateman, que recurre a un monólogo sobre el éxito comercial de Huey Lewis y The News, procede a tocar «Hip to be Square» a la vez que destruye a Allen. Esto no es solo un pequeño apuñalamiento; Bateman balancea repetidamente su hacha, la sangre salpica los pisos blancos, mientras baila con la música. El puro júbilo que Bateman deriva de asesinar brutalmente a las personas se enfatiza a través de la música, saltando por la habitación cubierta de sangre antes de disfrutar de un cigarrillo después de la muerte.


A CLOCKWORK ORANGE – “I’M SINGIN’ IN THE RAIN”

Nuevamente, aunque la música está siendo cantada por los personajes en lugar de tocarla, el uso de Kubrick de la disonancia de la banda sonora es posiblemente uno de los más conocidos en la historia cinematográfica, como lo es la película en sí, que recibió una controversial recepción e incluso prohibió su entrada en algunos paises.

La frívola forma en que Kubrick maneja los temas oscuros de la película fue condenada por fomentar el comportamiento criminal. Pero es precisamente esta aversión a la moral lo que le otorgó a A Clockwork Orange su fama, y ​​no hay mejor ejemplo que el uso de Kubrick de la disonancia de la banda sonora.

La escena de violación explícita de A Clockwork Orange no solo fue rechazada por su crudeza; sino por la forma en que Kubrick trivializa la violencia con la alegre melodía de «Cantando bajo la lluvia». Una canción que generalmente se escuchaba en un musical familiar, Kubrick le da un giro siniestro al hacer que los miembros de una pandilla la canten mientras irrumpen en la casa de una pareja, destruyen los muebles y los golpean. Normalmente no es algo para cantar.


RESERVOIR DOGS – “STUCK IN THE MIDDLE WITH YOU”

Quentin Tarantino es el rey cinematográfico del derramamiento de sangre. Pero lo que separa a esta escena de sus otras películas no es la música dramática o la tortura grizzly que esperas; sino la disonancia de la banda sonora que estableció a Tarantino como un cineasta poco convencional y atrevido. Después de que un policía es secuestrado por un miembro de la pandilla, el Sr. Blonde después de su robo, lo atan a una silla y lo golpean brutalmente. Un día normal en el mundo de tarantino. Pero en lugar de dramatizar la gravedad de su tortura; Tarantino lo hace con humor jugando «Stuck in the Middle with You» de Stealers Wheel.

El Sr. Blonde procede a bailar alrededor del oficial ensangrentado, bromeando con un cuchillo pequeño. La canción pop de los 70 que se escucha desde el estéreo solo asusta más al oficial; ya que el Sr. Blonde encuentra placer en su tormento. Finalmente, el Sr. Blonde le corta la oreja al oficial; Tarantino se desplaza para que solo podamos escuchar los chillidos agonizantes ahogados por el alegre ritmo.

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El cine a través de Christopher Nolan – Interstellar

Origen

Continuamos con el cine a través de Christopher Nolan en esta segunda semana del mes de Enero, y esta vez traemos a Interstellar. Si bien la semana pasada analizamos las claves del cine de Nolan a través de un lenguaje universal y para toda clase de espectadores, ésta semana vamos a tocar otro tema de lo más interesante. Y es que, si por algo destacan las obras de Nolan, es por el uso que hace de las bandas sonoras.

Gracias a la sinergia que se establece entre director y compositor, se obtienen grandes bandas sonoras en todos y cada uno de los films dirigidos por el británico. No es de extrañar pues, que Interstellar sea considerada por muchos la película con mejor banda sonora del siglo XXI. Y sobre eso vamos a hablar en el día de hoy. Sobre cómo Interstellar es brillante gracias a su apabullante despliegue sonoro.

“El amor es lo único que somos capaces de PERCIBIR que trasciende las dimensiones del tiempo y del espacio.”

Interstellar

La unión hace la fuerza

No es la primera vez que Hans Zimmer colaboraba con Nolan para traernos una banda sonora que nos eriza la piel. Sus trabajos en la trilogía de El Caballero Oscuro o la anteriormente analizada Origen, demostraron su verdadera valía dentro de la industria. La destreza de Zimmer para absorbernos en sus bandas sonoras como si de un agujero de gusano se tratase, viene de lejos. Como el gran Javier Blánquez afirmó una vez; “A nadie que consuma cine y preste atención a la música que suena en pantalla tendría que extrañarle que Hans Zimmer se haya convertido en un compositor de bandas sonoras tan dominante: lleva siendo notable desde, por lo menos, “Black Rain”, e imprescindible desde “La Delgada Línea Roja”.

Si. Hans Zimmer ha llegado a donde esta a base de un arduo trabajo. En esto estamos todos de acuerdo. Y una vez más, se había logrado superar.

Interstellar Soundtrack

Interstellar

Corría el año 2012. Nuestro protagonista Nolan le mandó la siguiente carta a Zimmer«Te voy a dar un sobre con una carta en él. Una página. Te va a contar una fábula en el centro de una historia. Trabajas durante un día, y luego me tocas lo que has escrito”

Zimmer, tal y como le había encargado Nolan, trabajó durante esa noche y escribió una pieza con piano y órgano. El tema en cuestión trataba sobre lo que significaba ser padre. Y es que Interstellar, no trata solamente de viajes espaciales, sino también de las relaciones paterno filiales y lo que estas significan.  En el fondo, la sountrack de Interstellar no contiene grandes secretos. A base de piano, órgano, y en raras ocasiones instrumentos de cuerda, se logra un aura astral.

Zimmer empleo un conjunto de 34 cuerdas, 24 instrumentos de viento madera y 4 pianos, además de un coro mezclado de 60 voces. Algo sencillo pero a la vez majestuoso. Como resultado nos topamos con que cada una de las canciones que forman parte del Sountrack de Interstellar transmiten algo diferente. Una cinta que se a convertido para mi y para muchos en una de sus obras favoritas gracias en parte a su apartado sonoro. La banda sonora acompaña a la perfección en cada momento de metraje como mencionábamos anteriormente. A base de juntar muchos elementos, logra formar un todo casi perfecto. A continuación, podemos disfrutar de un vídeo en el cual se muestra como se llevó a cabo la grabación y creación del soundtrack de Interstellar:

¿Cómo influyó Interstellar en el cine?

Una vez más, Hans Zimmer había logrado estar a la altura de las expectativas. Había logrado trasmitir mucho más de lo que pudiese parecer a simple vista. La banda sonora de Interstellar tiene poco o casi nada que ver con el estilo al cual nos tenían acostumbrados. Una banda sonora que tiene al mismo tiempo un aire a banda sonora clásica del cine, pero a su vez una obra que innova. Una obra que, en mi opinión, trasciende con respecto a las demás.

En definitiva, nos encontramos ante una obra perfecta gracias a la increíble capacidad que tiene para transmitirnos sentimientos y emociones a través de cada uno de sus temas. En ocasiones hasta dejarnos sin palabras, atónitos ante lo que estábamos escuchando. Una revolución en toda regla. Una de las mejores experiencias musicales que he tenido la oportunidad de vivir.

Pero después de todo lo analizado anteriormente, ahora surgen varias preguntas en relación ¿Que sería de Interstellar sin su banda sonora? ¿Se convertiría en una obra inferior? ¿Perdería transcendencia? Para tratar este tema, veamos la percepción que transmitió a la industria el gran cineasta Andréi Tarkovsky.

Interstellar

Tarkovsky reivindicó el hecho de que «la película perfecta es aquella que se cuenta prescindiendo de la música, ya que en muchas ocasiones es la música la que trae la emoción, no la construcción cinematográfica» Según el cineasta, el uso excesivo de este recurso lo único que hace es revelar la carencia de la imagen. Así que, en gran parte, se podría decir que Interstellar no es nada sin su banda sonora. ¿Pero hasta que punto esto es malo?

La industria del cine ha evolucionado y con ella, el público. En un arte que esta el constante desarrollo y expansión, es lógico pensar que hay ciertas cosas las cuales, bien sean por la abundancia de medios o por las exigencias del espectador, van surgiendo. Uno de estos es el uso de las bandas sonoras dentro de los films. En pleno auge del año 2018, nadie pone en duda la importancia que a cobrado este recurso tanto en la industria del cine como en el ámbito general de la vida. Y es que la música acompaña nuestro día a día. No es de extrañar pues, que una película que se precie tenga una banda sonora que este a la altura. Y las obras de Nolan cumple con este requisito.

Así pues, os invito a escuchar y a meditar en esta obra. La tenéis enteramente disponible en Spotify de manera gratuita. Y espero que, al igual que yo, disfrutéis como nunca antes ante tal maravilla sonora. Y gracias a esto, podáis ver el cine de Nolan de una manera distinta.

Interstellar

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¡Cantactores! Los mejores cantantes que pasaron por la gran pantalla

Con la noticia de esta semana de que Paul McCartney aparecerá en la nueva entrega de “Piratas del Caribe: La venganza de Salazar”, hemos querido hacer una lista de aquellos Cantactores que han combinado el mundo de la música con en el mundo del celuloide. Unos, lo hicieron llegando a todas las notas, sin embargo, otros desafinaron en sus actuaciones.

A continuación, os anunciaremos algunos de ellos.

FRANK SINATRA

Cantactores

Qué podemos decir del viejo Frankie, sabemos como se las gastaba y que nada podía detenerle para llegar a la cima de New York, New York, así que dio el salto a la gran pantalla. Este gran Crooner, ha participado en más de 50 películas en su carrera como actor.

Era reacio a ensayar y a repetir grabaciones lo que hacía que sus interpretaciones fueran muy intensas, pero a la vez irregulares. A pesar de ello, en 1953 consiguió alzarse con un Óscar al mejor actor de reparto por «De aquí a la eternidad» compartiendo cartel con Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr y Donna Reed . Otras películas a destacar son «De repente», «El hombre del brazo de oro» y «Todos eran valientes».

BARBRA STREISAND

cantactores

Con una madre que le aseguraba que con esa nariz jamás sería actriz y con un padrastro que la llamaba fea, uno puede pensar que con esos ánimos ella no podría llegar muy lejos.

Pero eso no fue así, esta gran mujer conocida también por su carácter imponente, resolutivo, feminista, con tendencias políticas liberales y progresistas, provocó que todo el mundo se quedara prendado de ella.

En un principio lo hizo con su voz, pero más tarde lo hizo a través del cine. Con 19 películas a sus espaldas, cuenta con un palmarés que a muchas actrices y actores ya les gustaría tener. Un Oscar por «Funny girl» en 1968 y otro en 1975 por la mejor canción en «Ha nacido una estrella». Son también populares: «Tal como éramos» y «¿Que me pasa, doctor?».

DAVID BOWIE

cantactores

Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas, este Starman fue considerado un innovador por sus trabajos musicales en la década de los 70, por su voz peculiar y por la profundidad intelectual de su obra.

En su caso, su incursión en el cine parte ya con una base académica. Bowie estudió teatro vanguardista y el arte del mimo, lo que le dio más facilidad para interpretar un papel.

Le hemos podido ver en películas como «El truco final», «Zoolander», «El hombre que vino de las estrellas» y «El laberinto».

RINGO STARR

cantactores

De todas las veces que el grupo The Beatles pasó por la pantalla grande, él fue quien recibió más elogios por sus actuaciones.

Fue en 1968 cuando Ringo aceptó participar en la película de «Candy», una historia erótica de ciencia ficción, con actores de la talla de Marlon Brando, Richard Burton, James Coburn , Walter Matthau , John Huston Charles Aznavour. Según los críticos el nivel de dicha cinta fue muy flojo.

En 1969, actuó en «The Magic Christian», junto con Peter Sellers. Una comedia ácida sobre el capitalismo y las miserias humanas. Con apariciones de Raquel Welch y Roman Polansky entre otros. No fue muy bien acogida por la crítica debido al exceso de humor negro y su homofobia.

Después de dar el cante con semejantes películas, Ringo podría haber optado por cerrar su etapa cinematográfica, pero no. A posteriori de la separación The Beatles, trabajó en un Spaguetti Western llamado «Blindman» que se estrenó en 1971 y que cuenta la historia de un pistolero ciego.

En ese mismo año, se estrenó «200 Motels», una surrealista sátira sobre la vida de los músicos de rock, en la que Ringo interpreta a un enano. El rodaje no fue nada fácil por los problemas de egos y tensiones que había entre los gallos del corral. A pesar de todo Frank Zappa y Tony Palmer pudieron con ello y consiguieron que The Mother of the Inventions (grupo de Zappa), Keith Moon (batería de The Who) junto con el propio Ringo rodar la película.

En 1974, participó en «That’ll be the day» y en 1975 en «Lisztomania»

Su última aparición mas importante fue en 1981 con «Caveman». Película de serie B de la prehistoria llena de gags fáciles pero a la vez efectivos.

JUSTIN TIMBERLAKE

cantactores

El inicio en la gran pantalla del conocido cantante y ex miembro de ´N Sync, fue poco prometedor con «Sin ley», sin embargo, su carrera empezó a despegar gracias a «red social», tal fue su actuación en el filme que se generaron rumores de Óscar.

Después de eso, rodó películas como «In time», «Golpe de efecto» y «A propósito de Llewyn Davis» con las que poco a poco se está haciendo hueco y quien sabe si un día llegar a ser un buen actor. Actualmente, se encuentra rodando una película de Woody Allen que de momento no tiene título.

JARED LETO

cantactores

El líder del grupo 30 Seconds to Mars, inició en su juventud clases interpretativas en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.

Su debut cinematográfico se produjo en «Donde reside el amor». A finales de los 90 formó parte del reparto de «La delgada línea roja» y «El club de la lucha». A partir del 2000 apareció en películas como «La habitación del pánico», «Alejandro Magno» y El señor de la guerra».

En 2013 ganó un Óscar y un Globo de oro como mejor actor secundario en «Dallas Buyers Club», en la que interpretaba a un travesti con Sida. En 2016 interpretó al Joker en «Escuadrón suicida». Su presencia en pantalla es decepcionantemente escasa, apenas unos 10 minutos en total, sin embargo, en 2017 podrá resarcirse (cosa que nosotros también esperamos) en «Blade Runner 2049«. Uno de los cantactores con más fuerza en pantalla y que más hemos de seguir.

CHER

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Su carrera actoral comenzó a mediados de los 60 apareciendo en películas donde interpretaba roles cómicos y dramáticos.

El primer reconocimiento la llegó al protagonizar «The Sonny and Cher Comedy Hour» en los 70. Por su trabajo en esta serie obtuvo un premio Globo de Oro por mejor actriz de serie de televisión – Comedia o musical.

En los 80 fue también nominada a otro Globo de oro como mejor actriz de reparto por su participación en la película «Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean». Por su actuación en el filme «Silkwood», ganó un Globo de Oro como mejor actriz de reparto. Obtuvo nominaciones por dicha cinta forma en los Oscar y en los BAFTA a Mejor actriz de reparto.

Por protagonizar la película «Hechizo de luna» ganó un Oscar a mejor actriz y un Globo de Oro por mejor actriz – comedia o musical.

MARK WAHLBERG

cantactores

En este caso primero hemos de mencionar a su hermano Donnie Wahlberg actor y ex integrante The new kids on the block. Si no llega a ser por él, no estaríamos viendo a Mark como actor.

Donnie salvó a su hermano de las drogas y de la delincuencia. Hizo que su hermano iniciara a finales de los 80 una corta carrera musical liderando el grupo de rap Marky Mark & The Funky Bunch, alcanzando un enorme éxito con el disco Music for the People.

A partir de ahí Calvin Klein se fijó en él y lo contrataron como modelo de ropa interior, después de eso dio el salto a la gran pantalla.

Debutó a mediados de los 90 al intervenir en la comedia «Un Poeta Entre Reclutas». Al año siguiente apareció junto a Leonardo DiCaprio en «Diario De Un Rebelde». Su fama internacional llegó en el 97 con «Boogie Nights» y de ahí en adelante como actor consagrado llegó a formar parte de «Tres reyes», «La Tormenta perfecta» y «The Italian Job» entre otros.

En 2006 coprotagonizó La película «Infiltrados«, lo que le valió una nominación al Oscar a mejor actor de reparto. Años más tarde en 2011 fue nominado al Oscar a la categoría de mejor actor por «The fighter«. Al pobre Mark se le resiste la estatuilla, sin embargo, puede que el tiempo le premie con una.

JENNIFER LOPEZ

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La artista latina con mayor influencia en los Estados Unidos comenzó su carrera en el cine en el 86 al intervenir en la película «My Little Girl».

En 1995 contó con un papel secundario en la película «Mi familia», más tarde obtuvo el papel protagonista femenino en la cinta «Asalto al tren del dinero». La experiencia de este último filme le trajo más trabajos y oportunidades en 1996, pues trabajó con actores como Robin Williams en la película Jack, y con Jack Nicholson en la película «Vino y sangre».

Ese despegue en su carrera la llevo a protagonizar películas como «Selena», «Anaconda», «Giro Al Infierno» o «Un Romance Muy Peligroso».

A partir del 2000 década se estrenó su película «The Cell (La Celda)» con Vince Vaughn, colocándose en el número uno de la taquilla; siendo la primera película protagonizada por Jennifer Lopez en alcanzarlo.

Consolidada ya en Hollywood participó también en películas como «Planes de boda»,»Sucedió en Manhattan», «Shall we dance», «Una vida por delante», «La ciudad del silencio» y «Que esperar cuando estás esperando» entre otras.

MICHAEL JACKSON

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Muchos pensarán en el cameo que realizó en Men in black II, sin embargo, el Rey del Pop tuvo más apariciones cinematográficas.

En 1978, participó en una curiosa versión del Mago de OZ conocida como «Wiz», donde Michael Jackson encarnaba al espantapájaros, compartiendo protagonismo con Diana Ross. Dicha cinta fue un fracaso en taquilla.

En 1986, fue protagonista de «Captain EO» dirigida por Francis Ford Coppola apareció en una película de 20 minutos de duración. una producción de aventura, magia y música, pensada como atracción en 3D para una atracción futurista de la Disney que contaba además con la presencia de la actriz Angelica Huston.

En 1988 se lanza «Moonwalker», pensada y producida por él mismo. Mezcla una historia de ficción en contra de las drogas y del abuso de los niños por parte de traficantes, siendo un recopilatorio de algunos de los vídeos que saldrían con el disco Bad. A pesar de que no se diera mucha importancia a la trama, fue un éxito en taquilla, ya que se estrenó en uno de los mejores momentos de la carrera del cantante.

En 1997 protagonizó «Ghost» con Stan Winston en la dirección. Se trata de un mediometraje plagado de efectos especiales y con música que se lanzó en el disco Blood on the dance floor. El guión lo escribieron entre el propio Jackson y Stephen King. Se consideró como el mejor de sus trabajos.

WHITNEY HOUSTON

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Las apariciones de la cantante de Nueva Jersey en la gran pantalla son escasas pero sonadas y todas ellas vinculadas al mundo de la música.

La primera de ellas fue la que le dio la fama a nivel internacional, cuando interpretó a la protegida de Kevin Costner en «El guardaespaldas», en 1992. Dicha fama fue más por su voz, por la que ganó el MTV Movie Award, que por su aportación musical por la que fue nominada al Razzie como peor Actriz y como peor Nueva Estrella.

Su segunda película fue «Esperando un respiro», rodada en 1995 y en la que interpretaba varias canciones. Rodada por Forest Whitaker se trata de una comedia romántica, la historia de cuatro mujeres afroamericanas y de sus desventuras con los hombres.

En 1996, «La mujer del predicador» le ofreció el segundo y último gran papel, interpretando el personaje de Julia Biggs, la esposa del reverendo interpretado por Denzel Washington.

KEITH RICHARDS

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Johnny Depp confesó que se inspiró en Keith para interpretar a Jack Sparrow. Eso provocó que se dispararan los rumores alimentados por el propio Depp sobre una posible aparición del integrante de los Stones en alguna de las secuelas de Piratas del Caribe». Finalmente, Johnny Depp vio su deseo convertido en realidad.

Keith se preparó y no sin polémica para interpretar al padre de Jack Sparrow. Cuando llegó al set de rodaje le dejaron sólo en su propio camerino, lo cual no fue buena idea, ya que a la hora de filmar se encontraba ebrio.

Tal fue la situación que el director, Gore Verbinski tuvo que sujetarle de las piernas para que no se cayera. Keith con voz ronca y viendo en el estado en que iba a interpretar su papel, replicó: <<Si lo querías recto, entonces tienes al hombre equivocado>>.

Keith no lo puso nada fácil y eso que solo se trataba de un cameo. Para suerte de Gore Verbinski solo tuvo que aguantarlo en una de las entregas «Piratas del Caribe: En el fin del mundo». En la siguiente le tocó a Rob Marshall en «Piratas del Caribe: En aguas misteriosas».

EMINEM

cantactores

En 2001, actuó en la comedia «The Wash». En dicho filme compartió protagonismo con Snoop Dogg, Dr. Dre, Shaquille O’Neal y Ludacris.

Su debut como protagonista llegó con «8 Millas» de la que se decía que en parte estaba inspirada en su vida, en los suburbios de la ciudad de Detroit. La película se estrenó en noviembre de 2002. Grabó muchas canciones nuevas para la banda sonora, incluyendo Lose Yourself con la que ganó un Óscar a la mejor canción.

En 2009 realizó un cameo en «Funny People» haciendo de sí mismo. Esta película fue protagonizada por Adam Sandler, con el cual mantiene una buena relación.

ELVIS PRESLEY

cantactores

El Rey del Rock, comenzó su carrera cinematográfica en 1956, llegando a rodar 31 películas, casi todas en la década de los 60. tuvo un buen comienzo en el cine en 1956 con la película «Love Me Tender», un western con números musicales. Como se trataba de su debut en el cine, no ocupó el rol de actor protagonista.

Otro de sus éxitos fue «El rock de la cárcel», musical estrenado en 1957, famosa también por la canción de Elvis del mismo título. En 1958 «King Creole» cuenta la historia de un joven de 19 años se involucra con dos mujeres.

A pesar de las muchas críticas negativas que recibía, la mayoría de sus películas fueron bien recibidas por sus fans y bien acogidas en las taquillas.

El cantante llegó a ser protagonista junto a varios actores con carreras bien establecidas, incluyendo a Walter Matthau, Carolyn Jones, Angela Lansbury e incluso con actores nóveles que más tarde se hicieron famosos, como el niño de 11 años Kurt Russell en su debut en la pantalla con «It Happened at the World’s Fair».

 RAPHAEL

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El ruiseñor de Linares, además de salir en «Mi gran noche» de Álex de la Iglesia, en la que al igual que en sus conciertos deslumbró con su actuación, había actuado en 7 películas.

La primera película que rodó fue «Las gemelas» en 1963. En dicha cinta contaba un papel secundario en el que cantaba uno de sus primeros éxitos, Te voy a contar mi vida.

Su primer gran éxito cinematográfico tuvo lugar tres años después con «Cuando tú no estás». Raphael interpretaba a un cantante de variedades que obtiene el éxito en el mundo de la música. Esta película fue el medio para que Raphael cantara los grandes éxitos de canciones tan conocidas como Yo soy aquel, Desde aquel día o Estuve enamorado.

Posteriormente apareció en «Al ponerse el sol», «Digan lo que digan», «El Golfo, «El Ángel» y «Sin un adiós».

Nos vuelven locos los cantactores… ¿Y a vosotros?

Nos gusta ver como la música traviesa la gran pantalla. Nos encanta ver como aquellos artistas que inundan tu biblioteca de Spotify, están también en nuestros televisores. Y vosotros… ¿Tenéis algún cantactor favorito? Dejadnos vuestras mejores opiniones en los comentarios. Nos leemos pronto.

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