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Crítica La peor semana – Pero pudo ser peor

Netflix estrena al fin la nueva colaboración con Adam Sandler (que ya supone la cuarta con esta productora), cuyo título podría hacer mención a la propia película, pero por suerte no es así… No del todo, no es La peor semana.  ¿Quieres averiguar cómo puede llegar a ser la peor semana de Adam Sandler? ¡Sigue leyendo para averiguar nuestra Crítica/Review Sin Spoilers de La peor semana!

La peor semana – Caos en casa de Sandler

La peor semana tiene una premisa sencilla: la hija de Sandler se casa y éste no quiere que su nueva familia política no pague nada. Sí, fácil y sencilla de la que pensamos que es un argumento un poco tonto. Y así es.

Pensémoslo bien: Es un argumento flojo y un tanto vago, como el guión. Pero a pesar de ello, consigue mantener un ritmo constante y no peca de querer abusar de tanto gag absurdo y sin sentido. Otra cosa buena que le encuentro es que uno puede imaginar el panorama de toda la gente en casa y el no saber quién está ahí dentro juega con tu imaginación. Y eso nos encanta.

Aunque eso sí, la película se vuelve monótona y repetitiva. No parece dar indicios de querer avanzar, aunque lo hace, resulta hacerlo a trompicones. La peor semana acaba en un desenlace conformista que no sobrepasará la mueca risueña y el ” pues no ha estado mal”.

Los miembros de la familia de La peor semana

Esta familia está liderada por un Adam Sandler que parece que ya está agotado con tanto papel flojo y que quiere darle un poco más de vida a sus interpretaciones… Pero rápidamente empieza a hacer de sí mismo. Donde antes había una buena pieza de interpretación, acaba siendo no más que polvo y una pila de guiones que con el tiempo han ido de regulares a mediocres.

Chris Rock tampoco se queda corto. Junto con Steve Buscemi, parece que estén ahí para abrir sus mano y recibir los cheques jugosos que dispone Netflix. El resto del reparto no tiene tiempo para lucirse. Pero cuando lo hacen parecen compenetrarse y sacar adelante un argumento que más bien parece sacado de la vida de uno de ellos. La naturalidad de estos momentos suman puntos y conformidad en La peor semana.

¿Os declaro marido y mujer? ¿Veredicto, por favor?

Vamos a ser sinceros… Esta película, aunque quiere ser más, se queda a un cuarto del camino. Boba y a ratos de vergüenza ajena, La peor semana podría haber sido mejor. Cumple con su labor de contar una historia más o menos entretenida y podría haber dado más de sí y generando más comedia… Pero a fin de cuentas, podría haber sido muchísimo peor. Una cinta para domingo por la tarde en la que un buen momento ligero te permitirá evadirte de que tus semanas no sean La peor semana. Gracias por estar aquí, en La Sexta Butaca.

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Crítica de Love, Death & Robots – La serie animada para adultos de Netflix

Love

Love, Death & Robots es un pryecto que está dirigido por Tim Miller (Deadpool, y en el pasado también varios videojuegos como Mass Effect 2, The Old Republic y Hellgate: London) y David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodiaco, Mindhunter) con la participación de estudios de animación procedentes de de todo el mundo

Pero, ¿qué es y por qué debería hacerse un favor y dedicarle parte de su tiempo? Para empezar,  Love, Death & Robots  es una serie antológica que consta de 18 episodios con una duración promedio de 10-15 minutos. Como se mencionó, cada episodio se realiza con un estilo diferente de animación y, debido a su naturaleza antológica de series, cada uno de ellos no tiene ninguna relación con los demás y se caracteriza por una trama concluyente .

Soldados de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas de cyborg, arañas alienígenas y demonios infernales sedientos de sangre: los encontrarás en las dieciocho historias animadas de NSFW.

Love, Death & Robots – Una serie animada para adultos

Love

Al ser una serie para adultos, los temas más dispares se enfrentan, y ni los dos directores ni los estudios de animación se han preocupado demasiado por reproducir la violencia en la pantalla , la muerte , el sexo , la sensualidad y otros temas que también podrían alterar la sensibilidad. de algunos espectadores.

Entonces, ¿por qué deberías dedicar parte de tu tiempo a ello? Por varias razones. Muchos episodios terminan en sí mismos, casi como si fueran un intento de llevar una historia y un tipo de animación en la pantalla para ver la reacción del público . Realmente querrás profundizar, saber más sobre los protagonistas, sus historias y los antecedentes de la configuración elegida, de querer más.

Como el episodio 4 llamado “Trajes”, en el que los campesinos defienden su tierra como criaturas en la línea de los arácnidos de Starship Troopers a bordo de mechs armados con dientes. El cómplice del estilo de la animación y la intensidad de las escenas de acción realmente desearía ver toda una serie dedicada a ellas.

Y nos damos cuenta de que tal vez el genio de la serie sea precisamente su deseo de proponer un producto empaquetado de acuerdo con lógicas que tengan poco que ver con lo que el público necesita actualmente, un público que normalmente anhela series de televisión compuestas de más y más temporadas, sagas cinematográficas divididas en trilogías, videojuegos que, literalmente, se desarrollan durante décadas.

Estilos diferentes en cada episodio

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En mi opinión, con el capítulo 14 “Piezas Únicas”  llegamos a la cima con respecto a la profundidad del mensaje transmitido. Si el estilo de animación del episodio puede no ser atractivo para todos, el final y el propósito del cuento seguramente lograrán que se emocione. Incluso “La ventaja de Sonnie” me impactó de la misma manera, con su ferocidad y la brutalidad de las escenas y con su mensaje final igualmente drástico.

Otros se enfocan más en el sarcasmo, otros tienen un estilo steampunk o extremadamente de ciencia ficción que tiende al cyberpunk , otros aún no transmiten muchas ideas simples para historias que merecen unos pocos minutos en pantalla para expresarlas en todo su potencial.

Podríamos pasar horas discutiendo cada técnica de animación utilizada para la realización de los episodios, sobre el impacto visual de  “La Testigo” que parece una fusión entre captura de movimiento y y CGI con un medio estilo Entre el anime y el videojuego, o tal vez incluso por la falta de originalidad de algunos episodios, que no hacen más que explotar temas, historias y revistas ya vistos, solo para mostrar el peculiar estilo artístico de ese determinado estudio de producción.

Pero la duración total de la serie Love, Death & Robots es tan pequeña que no le tomará mucho tiempo terminarla  y algunos episodios son tan profundos o divertidos de ver y admirar, incluso por unos pocos minutos, que las faltas de otros se desvanecen para dejar espacio para una experiencia audiovisual que, sinceramente espero, no sea un caso aislado en el futuro cercano del catálogo de Netflix.

Así que sí, hazte un favor y corre a verlo. No solo porque no dura mucho tiempo, no solo por la presencia de una escena desnuda que, para ser honesta, es casi marginal (en el sentido de que es casi natural dados los diversos contextos en los que están inmersas las historias), sino por poder ser testigo que también podríamos definir un experimento (en su mayoría exitoso) que, debido a cómo fue concebido y realizado, ha puesto en pantalla algo que va más allá de nuestra ” zona de confort”.


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Critica de Capitana Marvel, Una grata sorpresa y una granada mental

Capitana Marvel

Capitana Marvel ha aterrizado en la Tierra. Es desde el 25 de abril del año pasado, es decir, desde el estreno de Avengers: Infinity War, que el público espera saber cómo encajará el nuevo personaje en el UCM y responder a todas las preguntas provocadas por el lanzamiento de la señal del localizador de Nick Fury. Antes de que se convirtiera en polvo por el chasquido de Thanos.

La película, recordemos, está ambientada en 1995, 15 años antes de la fase 1, y por lo tanto, es la  precuela definitiva de todas las aventuras firmadas por Marvel que hemos visto hasta ahora. Esta es la razón por la que su visión resulta tan importante para los entusiastas del Universo Marvel, lo que permite, por ejemplo, por qué Fury decidió darle vida a la “Iniciativa Vengadores” y, obviamente, arrojar varias pistas útiles para comprender a posteriori cómo se resolverá la batalla épica con el Titán loco y cómo regresar a la vida a todos los héroes y el resto de seres vivos que desaparecieron.

Vers es llevada a encontrar quien es en realidad

Capitana Marvel

Capitana Marvel sigue dos pistas paralelas que sirven para ampliar nuestra mirada y comprender más profundamente a la nueva heroína que enfrentamos y al mundo en el que estamos inmersos. Por un lado, está la dimensión alienígena, el descubrimiento ya en las primeras etapas de sus poderes, el descubrimiento de una guerra entre dos pueblos, los Skrull y el Kree, ambos portadores de algunas de las sorpresas más interesantes, ya que todo no es lo que parece y aqui hay muchas sorpresas.

Por otro lado, el pasado terrestre, totalmente nebuloso para ella y en su mayoría presente en forma de sueños recurrentes, que la llevará a un viaje para redescubrir sus emociones humanas, el origen de su poder, y recordar quienes fueron las personas que ella tiene presente en estos sueños.

Vers (su nombre Kree) que conocemos al principio es, de hecho, una soldado a quien se le enseña a dominar sus emociones. ” No permitas que las emociones dominen tu cuerpo”  es el consejo que le da su mentor Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, y le muestra cómo cada vez se ve nublado su juicio por reacciones instintivas, su habilidad en batalla según él pierde efectividad

El viaje que hará en nuestro planeta, donde caerá por casualidad después de una misión fallida, la llevará en la dirección opuesta: al descubrimiento de la verdadera Carol Danvers y las personas que dejó atrás, una revelación que tendrá efectos extraordinarios en su tranquilidad al despejarse todas las dudas que tiene sobre si misma.

Capitana Marvel como bandera del feminismo en el cine superheroíco

Capitana Marvel

¿Es una película feminista? Sí, pero en el mejor sentido de la palabra y en absoluto feminazi (como temían algunos y como afirmaban varios trolls que circulaban por las redes sociales las última semanas). Marvel, al contar la historia de su primera heroína por primera vez y con cierto retraso en comparación con la competencia, encuentra el equilibrio correcto entre la legitimación femenina y un viaje de autodescubrimiento.

Por supuesto, Carol experimentó discriminación sexista e intimidación en su piel durante su vida y su carrera militar, pero nunca se dejó definir por ellos, ella no tiene que demostrarle nada a nadie. Si Pantera Negra fue la línea divisoria del tema racial, Capitana Marvel representa para la Casa de las Ideas casi un manifiesto sobre la femineidad, ya que no solo por primera vez para una mujer es la protagonista de la película, sino que alude a los valores y el valor del autodescubrimiento y la fuerza de la amistad.

Esa intensa amistad que tiene la protagonista con Maria Rambeau (Lashana Lynch), una relación  muy estrecha que se ve interrumpida por varios años, que por afinidad de intercambio (ambos eran dos pilotos de la Fuerza Aérea), podía recordar eso entre Maverick y Goose de la famosa película Top Gun.

El tono cambiante de la película

Capitana Marvel

Además de los mensajes políticos emitidos en Pantera Negra, la película numero 21 del UCM hasta ahora también tiene el mérito de ampliar definitivamente los límites del universo en el que se mueven sus héroes. Comienza como  una historia espacial en efecto y revela gradualmente las conexiones entre la Tierra (para los Kree es C-53) y el resto de la galaxia, explicándolas a mi parecer mejor que en los Guardianes de la Galaxia.

Brie Larson tiene la cara, el físico y la convicción correcta para el personaje, y lo mejor es que en ningun momento se ve opacada por figuras como Samuel L. Jackson y un asombroso Ben Mendelsohn , sin descuidar a la estrella invitada Goose, el gato que tiene un par de buenos momentos en la película y en la resolución del conflicto.

Los ejes de la historia son el pasado de Carol en la tierra y el por qué esta con los Kree, con cambios continuos de escenarios y situaciones, y efectos especiales. Si las escenas “cósmicas” son realmente fascinantes hasta el límite de lo psicodélico, se debe dar una mención especial al rejuvenecimiento digital de Samuel L. Jackson y Clark Gregg (quien siendo sinceros canta un poquito el CGI), un efecto que ya se usó anteriormente pero nunca durante tanto tiempo. Lo que abre nuevos horizontes para la cinematografía del futuro.

Luego la película tiene un tono distinto ya no es una guerra espacial sino que es una especie de buddy movie ya que en este tramo de la película se forja una amistad entre Carol y Fury, sin olvidarnos de Goose que sin dudas se robó el corazón de muchos, incluyendo el de este servidor. Viendo una escena en especifico ya al final de la cinta piensas “Thanos está en problemas, y me alegro” esperemos que Carol le de su merecido al Gran Titán.


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Critica de La Casa de Jack, la tragedia de la adicción

La Casa de Jack

En La Casa de Jack ( Matt Dillon ), este es un asesino en serie. En algún lugar, en un lugar oscuro, en un sendero que te lleve a no sabes dónde, le dicen a Virgil ( Bruno Ganz ) los cinco “incidentes” que lo llevaron allí. Esperando completar la última parte del viaje, y enfrentar su destino.

Siete años después de haber sido prohibido en Cannes por bromear con fuego, llamarse a sí mismo nazi (había estado en la Internacional en Cannes en 1998) y haber definido a Israel como “un dolor en el trasero”, Von Trier estuvo de vuelta en mayo pasado con una película en la que, sustancialmente, está constituida, poniéndose en el papel de un asesino en serie (Matt Dillon)  un misógino, nihilista y obsesivo compulsivo . Un artista con una visión completamente amoral del arte.
Un arquitecto incapaz de construir una casa, excepto a través de los cadáveres de sus víctimas.

Una película sobre la tragedia de la adicción

La Casa de Jack

Von Trier dibuja tabúes uno por uno y los descompone sistemáticamente como bolos: los niños, las mujeres y los animales son el objetivo . Los cadáveres son mutilados y luego deformados. Pero la violencia nunca es cautivadora, nunca es pop: en cambio, hay una especie de desesperación histérica, una fealdad repulsiva y un humor siempre debilitado por la tragedia de la adicción.

Realmente hay una libertad extrema en todo esto,  la construcción de una zona libre dentro del clima político de la época . Es como si en todos los sermones, auspicios, pantallas y leyendas, Von Trier se opusiera a su propio narcisismo, su propia vanidad y su propio (¿mal?) sabor, que encuentra su culmen en el ultimo acto de la película. Un talento capaz de todo, de acrobacias intelectuales y bromas baratas, de saltos escenográficos extremos y de material de repertorio, de horrores difíciles y de belleza incongruente.

Pero no es que necesariamente hay que elegir, no es que las dos cosas estén excluidas, el punto es que una sin la otra es solo una forma diferente de contarlo. El cine de Von Trier sigue siendo el que lleva los “pecados” de todos , el que crea una perspectiva intelectual, porque es el único que sigue planteando la cuestión estética por excelencia, así de legal es “extraer” el proceso artístico desde el educativo, y uno mismo desde la sociedad, trabajando en los límites de lo visual.

La Casa de Jack es una oda del director a su propia carrera

La Casa de Jack

Si von Trier nunca hace otra película, La Casa de Jack sería un resumen acertado de su carrera. En medio de las digresiones de Talky, el cineasta toma una muestra del clímax de su propia “Melancholia“, mientras que Jack llama “Anticristo” y es atacado por Verge por albergar “un sueño patético de algo grandioso“. Es fácil ver cómo el cineasta podría involucrarse en una autocrítica con ideas similares a altas horas de la noche. “¡En este infierno de mundo, nadie quiere ayudar!“, Exclama Jack, mientras la cámara se acerca a un mundo vacío.

Jack se condena a sí mismo al intentar rectificar su ansiedad con el asesinato. Si “Melancholia” celebró el proceso de hacer las paces con la fragilidad emocional, “Jack” sigue la trayectoria opuesta: lo que se siente al quedar atrapado por tus propias fallas hasta un punto que hace imposible la salvación. Concluye con la sugerencia de que incluso si von Trier está atrapado en un infierno privado de su propia creación (o Jack, pero a quién estamos engañando), él todavía está esperando por su vida.


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