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Crítica de Madre! (Mother!) – Sin Spoilers – Bienvenidos a mi dulce locura

¿Sabéis esa sensación de salir del cine con el estómago encogido? ¿Ese hormigueo en la tripa y esa cabeza que todavía sigue sentado en la butaca? Pues siendo sinceros, hora después de ver Madre! de Darren Aronofsky y de Paramount Pictures, sigo con las mismas sensaciones. Eso es una clara señal de que Madre! Es una película que en ninguno de los casos te dejará indiferente. Una experiencia que te hará apretar hasta el último de tus músculos. Un poema al terror emocional que funciona in crescendo, adornado con metáforas que seguirán girando en tu cabeza horas y horas después.

Bienvenidos a mi dulce locura.  Bienvenidos a la Mother Crítica!

Pasad, mi casa es vuestra casa

Madre! deja muy de lado las típicas estructuras del séptimo arte. Juega contigo para sacarte de tu lugar de confort y generarte unas sensaciones dispares. En ocasiones lo consigue con brillantez y en otras, sobre todo de cara al final, te acaba sacando fuera de juego. Como experiencia, avisados quedáis, mejor ir con la mente abierta, MUY ABIERTA, y con el mínimo de argumento previo. Aronofsky os bombardeará con demasiada información y cuando os deis cuenta la película habrá acabado.

Por ese mismo motivo, solo os pondremos en el contexto más superficial y llamativo de la película. Solo os dejaremos conocer la fachada. Madre! te hará formar parte del “feliz e idílico” matrimonio entre los personajes de Lawrence y Bardem, un escritor y una ocupada ama de casa. Y hasta ahí puedo leer. A partir de ese punto, como si de un miembro de la familia se tratara, entras en su casa y te conviertes en partícipe de una locura progresiva y un agobio extremo. Cada toque en la puerta, cada vez que suene el timbre, se te acelerarán las pulsaciones. 

critica Madre! sin spoilers

No es terror, es una dulce obsesión

Avisados quedáis: Madre! no es una película de terror, no vas a sentir sobresaltos a golpe de sonido. Miedo no es la sensación que describiría a esta película. Sin embargo, todo su reparto y como la historia se desarrolla te hará navegar entre los ladrillos de una fuerte claustrofobia, agobio y una dulce obsesión, toda enraizada por la magnífica Lawrence. No os preocupéis porque el mal cuerpo os lo vais a llevar a casa, eso os lo aseguro.

Es impresionante como en un séptimo arte cada vez más sangriento y explícito, no es necesario más que nuestra mente y nuestras sensaciones más profundas, primarias y humanas, para hacernos sentir mal y dejarnos con ese amargo, pero su vez placentero sabor de boca Post-Madre!.

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El reparto: La estructura que soporta el hogar

Sin duda la joya de la corona de la película está en cada uno de los gestos de Jennifer Lawrence. Realmente es quien mueve al espectador, quien te hace sentir y hace que toda la película sean un cúmulo de reacciones “lógicas”. Una esposa enamorada hasta el sótano, el punto de fuga que encuentra entre sus cuatro paredes, una sonrisa cordial (o no del todo) a unos huéspedes poco agradecidos… Un registro que todavía no había explorado y que puede encaminarle a algo grande. Desde nuestra ventana, ya estamos sacando pancartas para que gane al menos una nominación al Oscar.

La dulzura con la que Aronofsky retrata a la protagonista y el verdadero mensaje que oculta a sus espaldas es simplemente hipnótico. Quiero hacer un ejercicio contigo lector: Quiero que te fijes en la belleza de los planos que siguen la espalda de Lawrence y como giran al rededor de ella para mostrarnos todo lo que pasa en escena. Un movimiento que va repitiendo y que la hace todavía más inmersiva.

critica Madre! sin spoilers

El resto del elenco es simplemente espectacular. Desde ese escritor bloqueado que busca llenar su vida interpretado por Javier Bardem, hasta una descarada Michelle Pfeiffer, que se mueve con una soltura incluso grotesca por el escenario, generando un duelo interpretativo de titanes con la protagonista. Sin olvidarnos de Ed Harris y Domhnall Gleeson quienes nos tienen muy bien acostumbrados.

La Banda Sonora del aterrador silencio

Desde que vi los cimientos del proyecto y relacioné a Jóhann Jóhannsson y Clint Mansell como compositores de Madre! me temblaban las piernas. Dos de mis compositores favoritos se unían para hacer algo que de seguro sería diferente. ¡Vaya si ha sido diferente! Durante todo la película buscaba esas notas musicales, que no acaban apareciendo. Sí mis queridos lectores, la película no ha incorporado una Banda Sonora amplia. Una decisión arriesgada que deja lucir la inteligencia de los dos compositores a base de sonidos cotidianos llevados hasta la estridencia y ligeros repiqueteos que te mantienen en tensión.

El sonido de las personas que van llenando poco a poco tu hogar, era mucho más importante que cualquier acorde. Eso no quita que todavía eche de menos esas cuerdas y sonidos electrónicos que han caracterizado a los dos compositores. Un pequeño punto negativo, que ha sabido convertir en un elemento más de la película.

critica Madre! sin spoilers

Un desenlace que te dejará sin respiración (Y sin cordura)

La película avanza con cierto criterio y mucha cabeza hasta la tercera parte del film. Después de un necesario respiro y gratificación posterior a la intensidad, acabará llegando como un granizo desgarrador demasiadas ideas, metáforas, sensaciones, tensiones, mensajes, críticas… Demasiado para nuestra mente y motivo por el que muchos no puedan con esta película.

Ahí es donde Aronofsky firma su réplica en forma visual contra muchas de las cosas que están sucediendo en la actualidad. Queremos que el espectador llegue a ese punto sin información previa. Que él mismo pueda sacar sus conclusiones. Por ello, analizaremos en un artículo anexo ese desenlace final con más Spoilers que músculos tenía tensos en el final. La dureza de las imágenes y como transmite el mensaje va a echar para atrás a más de uno e insistimos, nos podrán odiar (aunque solo un poco), por contagiar este entusiasmo personal por Madre!. Personalmente, el cierre de la película me deja tan satisfecho como pensativo… ¿Y acaso no es esa la definición de buen cine? 

Madre! Será vuestra dulce locura

Para finalizar este análisis queremos pediros que os dirijáis a nosotros en cuanto os levantéis de vuestra butaca. Dejadnos un comentario, o aunque sea un dulce GIF en Twitter. Necesitamos saber qué os ha transmitido ese final. Al igual que un plato elaborado, no todos podrán o querrán entrar en el juego de matices de Aronofsky. Para nosotros, ha hecho una jugada que sin ser maestra, enseña mucho del buen cine que nos gusta.De hecho, solo por Jennifer Lawrence deberíais estar pegados a esa butaca. Avisados volvéis a quedar, esta dulce locura no os dejará indiferentes. Id con la mente preparada y disfrutaréis de una más que inmersiva crítica al amor, a las personas, .

Como siempre un placer dejaros entrar en nuestra casa y escribir para vosotros. 

No olvidéis disfrutar el resto de nuestras, mucho más relajadas críticas.

Nos leemos pronto. 

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8 Comentarios

8 Comments

  1. Beita Casero

    28/09/2017 at 3:21 pm

    Tengo muchas ganas de ver esta película, pero me da un poco de miedo que pueda ser excesivamente explícita ya que las escenas muy sangrientas o como podrían decirse “gores” me resultan muy difíciles de ver, por eso quería preguntaros antes de verla si salen muchas escenas de este tipo o por el contrario deja más a la imaginación, algo que personalmente prefiero.
    Muchas gracias y un saludo!

    • Han Solo

      29/09/2017 at 8:43 am

      Buenos días Beita! Miles de gracias por dejarnos este mensaje! La película es mucho más emocional y sensitiva hasta tres cuartos de la película. No se recrea, al igual que otras películas de terror y suspense, en derramar sangre y vísceras por doquier. Sin embargo, aunque no es explícita en términos generales, en la parte final de la película salen ciertas escenas, que aunque no se recrean, te pueden revolver el estómago por la fuerza del mensaje y por lo que está sucediendo.

      Emocionalmente es durísima, sobre todo ese final insistimos, por eso si eres muy sensible, incluso sin mostrar nada en exceso te revolverá. De igual manera, creo que coincidimos mucho en el gusto, nosotros huimos absolutamente del Gore y las vísceras, seguimos creyendo que es algo innecesario que en muchas ocasiones enturbia la película.

      Por eso, siempre avisaremos en nuestras críticas en caso de existir demasiada violencia explícita o más sangre de la necesaria.

      Muchas gracias por ponerte en contacto con nosotros y esperamos muchos más mensajes!

    • Laurita Oh Yeah

      08/01/2018 at 11:36 pm

      Si es realmente dura pero no por la sangre si no por otras cosas que a mi me hicieron sentirne muy mal y frustrada y ninguna película ne ha hecho sentir eso nunca, primero debes saber realmente la metáfora de esta película y entonces entenderás el porque de todo. De otra manera no lo vas a entender.
      Cuando vayas a ver la película ten esto en mente, el poeta es dios, la casa es el planeta y la chica es la madre naturaleza. Tu solo ve con esa idea, y mira lo que pasa. Es fantástica

  2. Fidel Mackenzie Visbal

    30/09/2017 at 5:43 pm

    Sin duda alguna la peor película que he visto en mi vida entera, su critica me parece poco objetiva.

  3. Pingback: Crítica El Corredor del Laberinto 3: La Cura Mortal - Dulce despedida - Sexta Butaca

  4. Luz

    23/04/2018 at 3:23 am

    Es la única vez que una película me hace sentir tan mal e incómoda. La curiosidad me obligó a verla hasta el final. La combinación de abuso y comportamientos fuera de lugar, la cantidad de interrogantes, unidos a la personalidad del esposo que, parece tener otras cosas que le importan más que la esposa o el hijo, además de parecer un hospital de enfermos mentales, me afectaron tanto que tuve que ver otra película para distraer mi mente y cambiar mi estado de ánimo. Bueno si te gusta y toleras las enfermedades mentales, ésta es para ti.

  5. Luz

    23/04/2018 at 3:27 am

    Independientemente de todo…. la actriz Jennifer Lawrence hace un magnífico trabajo. me la creí

  6. Pingback: Rachel Weisz - La musa del cine independiente - Sexta Butaca

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Crítica Suspiria (2018) – Cuando el infierno se viste de cielo #Sitges2018

Primer día del festival de Sitges. Ya tenía ganas de volver a respirar ese ambiente único que desprenden las calles de la pequeña pero pintoresca localidad catalana durante el certamen. Y si el inicio del festival ya no fuera de por sí motivo de alegría, es Suspiria (2018), el remake de Luca Guadagnino, la encargada de dar el pistoletazo de salida. Llevo siguiendo la pista de este título desde que se hizo oficial su existencia, principalmente porque quería ver cómo el director de Call me by your name, una obra caracterizada por su realismo y naturalismo, reimaginaba la película de Dario Argento, cuya singularidad es el artificio y la exageración. La curiosidad por ver cómo dos mundos totalmente opuestos colapsaban me comía por dentro, y más aún cuando la película estaba consiguiendo dividir a la crítica por completo.

Ahora, después de verla, puedo garantizar que de este choque de universos ha surgido algo que difícilmente te dejará indiferente.

¿Esto es un remake?

No, esto no es un remake. Lo único que tienen en común las dos versiones de Suspiria es su premisa más básica, que ambas suceden en una academia de baile y que un aquelarre de brujas está haciendo de las suyas por ahí. Y nada más. Veía necesario empezar aclarando este punto porque creo que crear una comparación entre ambas es prácticamente inútil. Guadagnino toma prestada la base de Argento para reinventar el relato, añadiéndole unas intenciones totalmente distintas a las de la cinta original. Pero quitando eso, ni siquiera parece que la primera influencie a la segunda.

Suspiria (2018): Guadagino ha creado una pesadilla

La nueva Suspiria no tiene ningún miedo de arriesgar. Toda la película está plagada de pequeños intentos de Guadagnino por crear una nueva forma de concebir el terror, mucho más compleja y sofisticada que a la que estamos acostumbrados a ver en las salas comerciales. Suspiria es un soplo de aire fresco para un género que ha hecho muchos esfuerzos en vano por evolucionar a algo más sofisticado que el sobresalto fácil. El director italiano fusiona su estilo pausado y estricto de componer las imágenes con otros estilos preexistentes del género como el body horror o el onirismo lynchiano, creando una forma de terror increiblemente efectiva. Suspiria no asusta, perturba. Te genera un malestar casi permanente que un servidor no sentía desde El Resplandor de Stanley Kubrick. Y es que ambas consiguen coger el cielo y convertirlo en el infierno.

Narrativamente, la versión de Guadagnino es muy superior a la de Argento. Mientras la Suspiria original nos presenta una trama más bien básica que simplemente se adorna con una puesta en escena muy original y efectiva; la nueva cinta busca crear un relato mucho más complejo y asfixiante, lo cuál consigue, pero no del todo. La trama sabe cómo avanzar, creando giros inesperados y situaciones deliciosamente perversas (de verdad, muy perversas), pero Guadagnino no sabe cómo medir los tiempos. El director parece querer adaptar a Suspiria ese ritmo pausado y contemplativo que tan bien le funcionó en Call me by your name, pero en esta ocasión no ha sonado la campana.

Una atmósfera asfixiante

La excesiva lentitud de los acontecimientos provoca que esa asfixia que algunas escenas te generan desaparezca progresivamente y se convierta, incluso, en aburrimiento. Creo que un ritmo más rápido hubiera hecho que la película fuera mucho más efectiva. Y puestos a hablar de lo malo, tenemos que hablar del final, el cual, a causa de este afán de Guadagnino por innovar, desentona demasiado del resto de la cinta.

Mención especial a la banda sonora de la película. Después de toda la polémica que desataron las canciones que Thom Yorke compuso para Guadagnino, tengo que salir a defenderle. La música parece acompañar a la perfección el tono misterioso y onírico que presenta la cinta. En una película donde lo melódico tiene tanta importancia; el componente de Radiohead ha sabido estar más que a la altura. Puestos a hacer menciones, hay que alabar todas y cada una de las actuaciones, en especial la de la siempre maravillosa Tilda Swinton y la de Dakota Johnson que, aún no ser santa de mi devoción, resulta más que convincente (y sí, es una bailarina sensacional). Ah, y que nadie le pierda la pista a Mia Goth, la cual hace un papelón y va camino de convertirse en una figura fundamental del género.

Como véis, muy poco malo que decir de Suspiria (2018). Es cierto que tiene sus errores y que los curiosos experimentos de Guadagnino no siempre salen bien; pero creo que siempre es digno de admirar ver como un director intenta innovar con un género tan complejo como es el terror; más siendo su primer contacto con este. Espero grandes cosas de ti, Guadagnino. No me decepciones. Y siendo directo, sí. Esta es la película de terror del año.

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Crítica: 7 días en Entebbe, el debate entre lo que está bien y lo que es correcto

El director brasileño José Padilha no es ajeno al género de acción; es conocido por la serie Elite Squad y la nueva versión de RoboCop. Esta vez, Padilha dirige 7 días en Entebbe, producida por Working Title Films, y escrita por Gregory Burke (’71); basada en los eventos de la vida real que tuvieron lugar en julio de 1976, cuando un grupo de revolucionarios secuestró un vuelo de Air France. Con 250 pasajeros en ruta desde Tel Aviv a París. Los secuestradores dejaron el avión en Entebbe, Uganda, donde mantuvieron cautivos a los rehenes durante una semana. La película muestra la “Operación Entebbe” de la vida real; una misión antiterrorista de rescate de rehenes lanzada por el Primer Ministro Yitzhak Rabin, y llevada a cabo por la Fuerza de Defensa israelí. La película está disponible en diversas plataformas y nosotros hablamos de ella.

7 días en Entebbe, otra vez

El secuestro de Entebbe se ha contado varias veces; en las películas Raid on Entebbe y Operation Thunderbolt, por ejemplo. El último rey de Escocia, también contiene el suceso como una trama secundaria. Padilha toma un enfoque diferente; 7 Days in Entebbe nos ofrece una narrativa “desde dentro” enfocada específicamente en dos revolucionarios alemanes. Uno, un poco tímido, Wilfried (Daniel Bruhl) y la otra, una nerviosa, pero intrépido, Brigitte (Rosamund Pike). Wilfried y Brigitte son solo dos miembros del grupo secuestrador formado por pro palestinos. Los dos alemanes parecen estar fuera de lugar en un grupo que tiene ideas contrastantes de lo que es un “revolucionario”.

El atractivo de los personajes (y las interpretaciones)

Sin embargo, Bruhl y Pike aprovechan al máximo sus personajes. Hay momentos en los que te sientes mal por ellos; incluso más que los propios rehenes. El arrepentimiento y el pánico que los supera a medida que se acercan los siete días hacen que quieras creer que lo que están haciendo es bueno, de esa forma abre un debate entre el público: es correcto o está bien lo que han hecho. Bruhl, en particular, hace un gran trabajo al transmitir creíblemente la angustia que este hombre siente al tener que equilibrar sus convicciones y su humanitarismo, agregando profundidad de carácter que de alguna manera falta en el guión de Gregory Burke.

Recibimos flashbacks del pasado del dúo en un intento por subrayar su motivación y proporcionar contexto, pero estos saltos en el tiempo retrasan la historia a un ritmo lento. En otra parte, hay un argumento secundario que involucra a un soldado israelí (Ben Schnetzer) y la interpretación interpretativa de su novia (Zina Zinchenko) que nunca se explica.

Agregando a la mezcla de personajes complejos están el Primer Ministro, Rabin (Lior Ashkenazi), y su ministro de defensa, Shimon (Eddie Marsan). Rabin quiere negociar con los terroristas, algo que los israelíes insisten en que nunca se debe hacer; mientras que Shimon quiere hacerse cargo de un plan de rescate audaz. Luego está el presidente ugandés Idi Amin (Nonso Anozie), que felizmente recibe a los terroristas y les suministra tropas y armas. Idi Amin fue un dictador brutal de su tiempo, sin embargo, esta película retrata un lado algo nervioso y débil de él.

Lo mejor para el final

Como cualquiera que esté familiarizado con los eventos de la vida real lo sabrá; explotará con el infame ataque de las fuerzas especiales israelíes en el aeropuerto. Es aquí donde el director José Padilha muestra sus habilidades principales como cineasta; brindando la misma sensación de asombro y asombro que mostró por primera vez en ambas películas de Elite Squad (y en menor medida en el remake de Robocop). Secuencia importantísima. La redada no dura mucho, pero proporciona un signo de exclamación apasionante a una película que intenta admirablemente contar un evento histórico importante y complejo en el contexto de un thriller accesible.

Aunque hay demasiadas cosas que hacer para que lo maneje; la película involucra y es lo suficientemente provocativa por derecho propio para atraer la atención.

7 días en Entebbe es una película bien hecha, aunque está lejos de ser cautivadora. Es un duro recordatorio de que la paz entre Israel y Palestina sigue siendo una cosa de décadas que lamentablemente no parece tener ánimos de acabar.

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Critica: Venom, Una película valida para dar inicio a un Universo Cinematográfico

Venom

No es lo que esperábamos, para bien o para mal. Durante días hemos estado recibiendo información diferente sobre lo que íbamos a encontrar en Venom, la película protagonizada por Tom Hardy y dirigida por Ruben Fleischer. Algunos dijeron que sería la peor película del año (alimentados por las palabras de Tom Hardy). No es la peor película del año, ni la mejor.

Es una mezcla de ideas brillantes y otras no tanto, se nota una implicación de parte de los involucrados y amor por los cómics, pero con necesidades de ser un éxito en taquilla, por eso su clasificación es PG-13 para todos los públicos.

Debido a que la película no tiene la categoría R, la audiencia será más numerosa (es una realidad, llevan ya más de 200 millones de dólares en taquilla), pero también veremos menos sangre en la pantalla. Y el personaje de Venom necesitaba esa sangre para hacer la película que los fanáticos han estado exigiendo durante años.

Venom, un origen diferente al de los comics

Venom

La historia es bastante genérica. Es una película sobre el origen del personaje, un antihéroe violento con una obsesión por proteger a los inocentes. Y muy vinculado a Spiderman en los cómics, porque el simbionte estaba vinculado a Peter Parker antes que Eddie Brock, el personaje interpretado por Tom Hardy.

La película esquiva esa bala, dando un origen más cercano a la serie de animación de los años noventa, y permite que el personaje sea libre para crear su propio destino sin vivir en espera de lo que haga o no haga Spiderman. Es una de las mejores cosas de la película.

Pero Venom también tiene errores que dañan el resultado final. Algunos están cometiendo errores que parecen incomprensibles, como Michelle Williams. Aunque no lo parezca, la actriz es la que sale peor parada del reparto. Williams ha sido nominada cinco veces para el Oscar, por lo que no parece lógico, pero es cierto.

Riz Ahmed, un villano siniestro

Venom

Riz Ahmed compone un villano tópico, pero con un punto siniestro. El enemigo principal de Venom en la trama, Carlton Drake interpretado por Riz Ahmed, carece de profundidad, su motivación no es creíble, y peor aún, luego que se transforma en Riot tampoco profundizan en cómo se integra el objetivo del simbionte de invadir la tierra y acabar con la humanidad con la visión de Drake de evolucionar en una raza superior de humano para explorar el espacio.

La estrella, por supuesto, es Tom Hardy. Su personaje perdedor y su combinación con Venom son el alma de la película. Respeta completamente la esencia del cómic, pero también agrega un punto de humor negro muy divertido. Solo para ver cómo Venom y Eddie discuten, como una extraña pareja, vale la pena ver la película. Y, por cierto, Venom no aparece solo cinco minutos en pantalla. Es el centro de la historia y podemos disfrutarla durante muchos minutos.

Impresiones finales

Venom no es perfecta, pero es muy entretenida. Si, sus efectos visuales son magníficos, pero también lo es su humor negro. Si sus escenas de acción abusan del CGI, su tono de serie B no nos preocupa en absoluto. La película despega tan pronto como el simbionte hace acto de presencia, y su ritmo continúa creciendo hasta el final, quizás no sea un gran final, pero muy agradable.

También hay dos escenas post-crédito, la primera esencial (y nos hace preguntarnos si podrán hacer esa película en el futuro) y la segunda… bueno, es mejor dejar que la audiencia lo descubra. Estoy seguro de que, a pesar de lo que muchos dicen, Venom se convertirá en una película de culto, y no puedo dejar de pensar en la posible continuación, con todas las posibilidades que ofrece la historia que han presentado ahora.

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