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Crítica The Disaster Artist (Sin spoilers) – Oh, hi Mark!

El otro día estaba yo tranquilamente en Twitter cuando me encontré un tweet sobre The Disaster Artist, la nueva película de James Franco que narra cómo fue el rodaje de The Room, considerada uno de los peores filmes de la historia. No recuerdo quién escribió ese tweet, pero sí recuerdo que le había gustado la película. Pero lo que me sorprendió no fue el tweet en sí, sino las respuestas a este. De la nada se creo un hilo interminable con gente debatiendo sobre la calidad de The Disaster Artist, aportando cada uno un punto de vista totalmente distinto. Mientras unos decían que era una película que se podría considerar como una de las mejores de este siglo, otros decían que era una basura insoportable. De hecho, gracias a este hilo me enteré de que en Sitges mucha gente abucheó la película de James Franco.

Esta división de opiniones me fascinó por el simple motivo de que ese mismo día yo había publicado un tweet diciendo que la película me tenía totalmente dividido y que no sabía muy bien si me había encantado o me había parecido una cinta más del montón. Por eso, después de explicaros a qué nos enfrentamos, toca dar un paso al frente y empezar a hablaros de The Disaster Artist e, inevitablemente, de The Room. Bienvenidos a este viaje por El Ciudadano Kane de las malas películas.

The Disaster Artist no es The Room

The Disaster Artist es una película dirigida por James Franco y protagonizada por él mismo y su hermano Dave Franco que narra la historia de Tommy Wiseau y Greg Sestero, dos amigos que sueñan con triunfar en Hollywood. Tommy, al ver que su extravagante carácter le cierra muchas puertas en el mundo del cine, decide escribir, dirigir, producir y protagonizar su propia película, The RoomObviamente, la nula experiencia del protagonista y su egocentrismo extremo llevarán a su filme por un inevitable camino hacia el fracaso (o no). Todo va bien, hasta que alguien te explica que esta es una historia verídica, que Tommy Wiseau existe y que The Room es a día de hoy un filme de culto.

Crítica The Disaster Artist

Lo más destacable de la película es, sin duda, las actuaciones de los protagonistas. James Franco está increible y consigue imitar de maravilla a Wiseau, plasmando a la perfección el extraño carácter del personaje. No tengo miedo a afirmar que el Globo de Oro a mejor actor lo tiene más que merecido, pero tengo la sensación de que Dave Franco está terriblemente infravalorado por la crítica y los premios. Creo que el hermano del director hace el mejor papel de su carrera. Consigue plasmar esa inocente ilusión que todos los soñadores poseen y, a su vez, la frustración de ver como los sueños no siempre se cumplen tan fácilmente. No me es sencillo explicar el por qué, pero la interpretación de Dave Franco me llegó al corazón, quizás porque consigue representar a todos aquellos soñadores que, aún tener objetivos aparentemente imposibles, están dispuestos a hacer lo que sea por conseguirlos.

A parte de las intepretaciones, el resto de apartados no están para nada mal, pero tampoco son perfectos. La fotografía está bien trabajada dentro de las posibilidades que la trama permite, el guión crea momentos graciosos y entrañables y la banda sonora consigue, con canciones como Never Gonna Give You Up The Rythm Of The Night, crear un ambiente buen rollero que atrapa al espectador. La trama, por otro lado, merece ser tratada por separado a continuación.

¿Homenaje o burla?

Una de las dudas que tenía antes de entrar a la sala a ver The Disaster Artist era cómo iba a enfocar James Franco la película. En una entrevista en una televisión americana, el director afirmaba que había tenido que hablar con Tommy Wiseau para que le diera el visto bueno y poder empezar a grabar su filme. Bajo esta premisa, ya daba por hecho que mucha burla hacia el desastroso artista no podría haber. Aún así, tampoco creía posible que en una película sobre uno de los peores filmes de la historia no hubiera ningún comentario despectivo hacia ella.

Crítica The Disaster Artist

Tras ver la película, no pude llegar a ninguna conclusión. Aún no tengo claro si The Disaster Artist pretende alabar la figura de Wiseau o hacer todo lo contrario. Bajo mi punto de vista, creo que la trama posee una pequeña crisis de identidad en muchos aspectos. Hay momentos en los que Wiseau es una persona despreciable y otros en los que es un héroe, y hay cierta magia en esta dualidad, pero creo que al ser un biopic, no queda clara la intención del director ni cómo quiere representar al protagonista. Algo muy parecido pasa con el género de la película, ya que hay momentos en los que busca la carcajada (como en la brutal escena de la azotea con el mítico I did not hit her) y otros en los que, sin previo aviso, se vuelve trascendental y profunda.

Hay que reconocer que puede ser difícil pillar el ritmo a The Disaster Artist, pero si lo consigues te garantizo que la experiencia es brutal, y más si has visto The Room antes. Aunque no os preocupéis si no la habéis visto, como fue mi caso, ya que con tener una simple idea de por qué esa película es conocida, ya podéis lanzaros sin temor al filme de James Franco.

Crítica The Disaster Artist

Una oda al (mal) cine

Cuando la gente habla de The Disaster Artist, un concepto que se repite sin parar es el de oda al cine, y estoy de acuerdo con su uso, pero con alguna que otra aclaración. Tengo que reconocer que al salir de la sala no encontraba ese homenaje al cine en ninguna parte, simplemente veía la historia de una tarado que, por pura suerte, consigue crear una película que será recordada. Pero luego me di cuenta de que cometí un error, ya que no tenía que buscar la oda en el personaje de Wiseau, sino en el resto de elementos del filme.

Como ya comentaba antes, Greg Sestero es la personificación de todos aquellos que quieren llegar a ser alguien en la industria del cine, un recordatorio de que si quieres algo, tienes que ir a por ello. La actriz que hace de la madre de Lisa en la película también es una representación de esa dedicación incondicional al séptimo arte, una mujer capaz de recorrer kilómetros y kilómetros para trabajar en una película dirigida por un engreido explotador. Incluso la reacción del público al ver The Room puede ser entendida como una oda a la subjetividad del cine, a ese componente mágico que tiene el poder entender una obra de la forma que cada uno quiere. En parte, este último punto me tocó especialmente la fibra sensible, ya que me hizo recordar lo mágico que es que yo pueda estar aquí, expresando mi subjetiva opinión sobre una obra. Y quién sabe, quizás algún día pueda defender una película como The Room y, gracias a eso, alguien la llegue a entender de una forma totalmente distinta.

Crítica The Disaster Artist

 

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Justin Chaos

    14/01/2018 at 2:35 pm

    You’re tearing me apart !!!

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Crítica Suspiria (2018) – Cuando el infierno se viste de cielo #Sitges2018

Primer día del festival de Sitges. Ya tenía ganas de volver a respirar ese ambiente único que desprenden las calles de la pequeña pero pintoresca localidad catalana durante el certamen. Y si el inicio del festival ya no fuera de por sí motivo de alegría, es Suspiria (2018), el remake de Luca Guadagnino, la encargada de dar el pistoletazo de salida. Llevo siguiendo la pista de este título desde que se hizo oficial su existencia, principalmente porque quería ver cómo el director de Call me by your name, una obra caracterizada por su realismo y naturalismo, reimaginaba la película de Dario Argento, cuya singularidad es el artificio y la exageración. La curiosidad por ver cómo dos mundos totalmente opuestos colapsaban me comía por dentro, y más aún cuando la película estaba consiguiendo dividir a la crítica por completo.

Ahora, después de verla, puedo garantizar que de este choque de universos ha surgido algo que difícilmente te dejará indiferente.

¿Esto es un remake?

No, esto no es un remake. Lo único que tienen en común las dos versiones de Suspiria es su premisa más básica, que ambas suceden en una academia de baile y que un aquelarre de brujas está haciendo de las suyas por ahí. Y nada más. Veía necesario empezar aclarando este punto porque creo que crear una comparación entre ambas es prácticamente inútil. Guadagnino toma prestada la base de Argento para reinventar el relato, añadiéndole unas intenciones totalmente distintas a las de la cinta original. Pero quitando eso, ni siquiera parece que la primera influencie a la segunda.

Suspiria (2018): Guadagino ha creado una pesadilla

La nueva Suspiria no tiene ningún miedo de arriesgar. Toda la película está plagada de pequeños intentos de Guadagnino por crear una nueva forma de concebir el terror, mucho más compleja y sofisticada que a la que estamos acostumbrados a ver en las salas comerciales. Suspiria es un soplo de aire fresco para un género que ha hecho muchos esfuerzos en vano por evolucionar a algo más sofisticado que el sobresalto fácil. El director italiano fusiona su estilo pausado y estricto de componer las imágenes con otros estilos preexistentes del género como el body horror o el onirismo lynchiano, creando una forma de terror increiblemente efectiva. Suspiria no asusta, perturba. Te genera un malestar casi permanente que un servidor no sentía desde El Resplandor de Stanley Kubrick. Y es que ambas consiguen coger el cielo y convertirlo en el infierno.

Narrativamente, la versión de Guadagnino es muy superior a la de Argento. Mientras la Suspiria original nos presenta una trama más bien básica que simplemente se adorna con una puesta en escena muy original y efectiva; la nueva cinta busca crear un relato mucho más complejo y asfixiante, lo cuál consigue, pero no del todo. La trama sabe cómo avanzar, creando giros inesperados y situaciones deliciosamente perversas (de verdad, muy perversas), pero Guadagnino no sabe cómo medir los tiempos. El director parece querer adaptar a Suspiria ese ritmo pausado y contemplativo que tan bien le funcionó en Call me by your name, pero en esta ocasión no ha sonado la campana.

Una atmósfera asfixiante

La excesiva lentitud de los acontecimientos provoca que esa asfixia que algunas escenas te generan desaparezca progresivamente y se convierta, incluso, en aburrimiento. Creo que un ritmo más rápido hubiera hecho que la película fuera mucho más efectiva. Y puestos a hablar de lo malo, tenemos que hablar del final, el cual, a causa de este afán de Guadagnino por innovar, desentona demasiado del resto de la cinta.

Mención especial a la banda sonora de la película. Después de toda la polémica que desataron las canciones que Thom Yorke compuso para Guadagnino, tengo que salir a defenderle. La música parece acompañar a la perfección el tono misterioso y onírico que presenta la cinta. En una película donde lo melódico tiene tanta importancia; el componente de Radiohead ha sabido estar más que a la altura. Puestos a hacer menciones, hay que alabar todas y cada una de las actuaciones, en especial la de la siempre maravillosa Tilda Swinton y la de Dakota Johnson que, aún no ser santa de mi devoción, resulta más que convincente (y sí, es una bailarina sensacional). Ah, y que nadie le pierda la pista a Mia Goth, la cual hace un papelón y va camino de convertirse en una figura fundamental del género.

Como véis, muy poco malo que decir de Suspiria (2018). Es cierto que tiene sus errores y que los curiosos experimentos de Guadagnino no siempre salen bien; pero creo que siempre es digno de admirar ver como un director intenta innovar con un género tan complejo como es el terror; más siendo su primer contacto con este. Espero grandes cosas de ti, Guadagnino. No me decepciones. Y siendo directo, sí. Esta es la película de terror del año.

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Crítica: 7 días en Entebbe, el debate entre lo que está bien y lo que es correcto

El director brasileño José Padilha no es ajeno al género de acción; es conocido por la serie Elite Squad y la nueva versión de RoboCop. Esta vez, Padilha dirige 7 días en Entebbe, producida por Working Title Films, y escrita por Gregory Burke (’71); basada en los eventos de la vida real que tuvieron lugar en julio de 1976, cuando un grupo de revolucionarios secuestró un vuelo de Air France. Con 250 pasajeros en ruta desde Tel Aviv a París. Los secuestradores dejaron el avión en Entebbe, Uganda, donde mantuvieron cautivos a los rehenes durante una semana. La película muestra la “Operación Entebbe” de la vida real; una misión antiterrorista de rescate de rehenes lanzada por el Primer Ministro Yitzhak Rabin, y llevada a cabo por la Fuerza de Defensa israelí. La película está disponible en diversas plataformas y nosotros hablamos de ella.

7 días en Entebbe, otra vez

El secuestro de Entebbe se ha contado varias veces; en las películas Raid on Entebbe y Operation Thunderbolt, por ejemplo. El último rey de Escocia, también contiene el suceso como una trama secundaria. Padilha toma un enfoque diferente; 7 Days in Entebbe nos ofrece una narrativa “desde dentro” enfocada específicamente en dos revolucionarios alemanes. Uno, un poco tímido, Wilfried (Daniel Bruhl) y la otra, una nerviosa, pero intrépido, Brigitte (Rosamund Pike). Wilfried y Brigitte son solo dos miembros del grupo secuestrador formado por pro palestinos. Los dos alemanes parecen estar fuera de lugar en un grupo que tiene ideas contrastantes de lo que es un “revolucionario”.

El atractivo de los personajes (y las interpretaciones)

Sin embargo, Bruhl y Pike aprovechan al máximo sus personajes. Hay momentos en los que te sientes mal por ellos; incluso más que los propios rehenes. El arrepentimiento y el pánico que los supera a medida que se acercan los siete días hacen que quieras creer que lo que están haciendo es bueno, de esa forma abre un debate entre el público: es correcto o está bien lo que han hecho. Bruhl, en particular, hace un gran trabajo al transmitir creíblemente la angustia que este hombre siente al tener que equilibrar sus convicciones y su humanitarismo, agregando profundidad de carácter que de alguna manera falta en el guión de Gregory Burke.

Recibimos flashbacks del pasado del dúo en un intento por subrayar su motivación y proporcionar contexto, pero estos saltos en el tiempo retrasan la historia a un ritmo lento. En otra parte, hay un argumento secundario que involucra a un soldado israelí (Ben Schnetzer) y la interpretación interpretativa de su novia (Zina Zinchenko) que nunca se explica.

Agregando a la mezcla de personajes complejos están el Primer Ministro, Rabin (Lior Ashkenazi), y su ministro de defensa, Shimon (Eddie Marsan). Rabin quiere negociar con los terroristas, algo que los israelíes insisten en que nunca se debe hacer; mientras que Shimon quiere hacerse cargo de un plan de rescate audaz. Luego está el presidente ugandés Idi Amin (Nonso Anozie), que felizmente recibe a los terroristas y les suministra tropas y armas. Idi Amin fue un dictador brutal de su tiempo, sin embargo, esta película retrata un lado algo nervioso y débil de él.

Lo mejor para el final

Como cualquiera que esté familiarizado con los eventos de la vida real lo sabrá; explotará con el infame ataque de las fuerzas especiales israelíes en el aeropuerto. Es aquí donde el director José Padilha muestra sus habilidades principales como cineasta; brindando la misma sensación de asombro y asombro que mostró por primera vez en ambas películas de Elite Squad (y en menor medida en el remake de Robocop). Secuencia importantísima. La redada no dura mucho, pero proporciona un signo de exclamación apasionante a una película que intenta admirablemente contar un evento histórico importante y complejo en el contexto de un thriller accesible.

Aunque hay demasiadas cosas que hacer para que lo maneje; la película involucra y es lo suficientemente provocativa por derecho propio para atraer la atención.

7 días en Entebbe es una película bien hecha, aunque está lejos de ser cautivadora. Es un duro recordatorio de que la paz entre Israel y Palestina sigue siendo una cosa de décadas que lamentablemente no parece tener ánimos de acabar.

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Critica: Venom, Una película valida para dar inicio a un Universo Cinematográfico

Venom

No es lo que esperábamos, para bien o para mal. Durante días hemos estado recibiendo información diferente sobre lo que íbamos a encontrar en Venom, la película protagonizada por Tom Hardy y dirigida por Ruben Fleischer. Algunos dijeron que sería la peor película del año (alimentados por las palabras de Tom Hardy). No es la peor película del año, ni la mejor.

Es una mezcla de ideas brillantes y otras no tanto, se nota una implicación de parte de los involucrados y amor por los cómics, pero con necesidades de ser un éxito en taquilla, por eso su clasificación es PG-13 para todos los públicos.

Debido a que la película no tiene la categoría R, la audiencia será más numerosa (es una realidad, llevan ya más de 200 millones de dólares en taquilla), pero también veremos menos sangre en la pantalla. Y el personaje de Venom necesitaba esa sangre para hacer la película que los fanáticos han estado exigiendo durante años.

Venom, un origen diferente al de los comics

Venom

La historia es bastante genérica. Es una película sobre el origen del personaje, un antihéroe violento con una obsesión por proteger a los inocentes. Y muy vinculado a Spiderman en los cómics, porque el simbionte estaba vinculado a Peter Parker antes que Eddie Brock, el personaje interpretado por Tom Hardy.

La película esquiva esa bala, dando un origen más cercano a la serie de animación de los años noventa, y permite que el personaje sea libre para crear su propio destino sin vivir en espera de lo que haga o no haga Spiderman. Es una de las mejores cosas de la película.

Pero Venom también tiene errores que dañan el resultado final. Algunos están cometiendo errores que parecen incomprensibles, como Michelle Williams. Aunque no lo parezca, la actriz es la que sale peor parada del reparto. Williams ha sido nominada cinco veces para el Oscar, por lo que no parece lógico, pero es cierto.

Riz Ahmed, un villano siniestro

Venom

Riz Ahmed compone un villano tópico, pero con un punto siniestro. El enemigo principal de Venom en la trama, Carlton Drake interpretado por Riz Ahmed, carece de profundidad, su motivación no es creíble, y peor aún, luego que se transforma en Riot tampoco profundizan en cómo se integra el objetivo del simbionte de invadir la tierra y acabar con la humanidad con la visión de Drake de evolucionar en una raza superior de humano para explorar el espacio.

La estrella, por supuesto, es Tom Hardy. Su personaje perdedor y su combinación con Venom son el alma de la película. Respeta completamente la esencia del cómic, pero también agrega un punto de humor negro muy divertido. Solo para ver cómo Venom y Eddie discuten, como una extraña pareja, vale la pena ver la película. Y, por cierto, Venom no aparece solo cinco minutos en pantalla. Es el centro de la historia y podemos disfrutarla durante muchos minutos.

Impresiones finales

Venom no es perfecta, pero es muy entretenida. Si, sus efectos visuales son magníficos, pero también lo es su humor negro. Si sus escenas de acción abusan del CGI, su tono de serie B no nos preocupa en absoluto. La película despega tan pronto como el simbionte hace acto de presencia, y su ritmo continúa creciendo hasta el final, quizás no sea un gran final, pero muy agradable.

También hay dos escenas post-crédito, la primera esencial (y nos hace preguntarnos si podrán hacer esa película en el futuro) y la segunda… bueno, es mejor dejar que la audiencia lo descubra. Estoy seguro de que, a pesar de lo que muchos dicen, Venom se convertirá en una película de culto, y no puedo dejar de pensar en la posible continuación, con todas las posibilidades que ofrece la historia que han presentado ahora.

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