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Crítica: The tale. Aprendiendo a vivir con un tortuoso pasado

Es triste que hoy día tengamos que ver películas como esta sobre todo si son basadas en hechos reales. Pero como no se puede tapar el sol con un dedo. Hay que aplaudir a los cineastas que aprovechando su posición abren debates sobre temas tan escabrosos que de otro modo jamás generarán conversación. En el caso de The Tale la directora, Jennifer Fox, hasta el momento conocida por sus trabajos como documentalista, firma su primer trabajo de ficción, en el que aprovecha de contar su verdad.

Fox estuvo un largo tiempo intentando sacar adelante este proyecto que por la historia en sí le cerró muchas puertas. Pero una vez que se estrenó en el Festival de Sundance, no ha dejado de recibir ovaciones. HBO adquirió los derechos (y ya se puede ver, desde el mes de mayo, en HBO España) y actualmente suena como una de las producciones favoritas para conquistar la venidera ceremonia de los premios Emmy.

La percepción de la verdad

The Tale inicia con una escena de Jennifer (Laura Dern) documentando una calle rural. Basta un par de secuencias para dejarnos claro que ella tiene una buena vida. Tiene un buen trabajo, una pareja que la quiere y una madre que se preocupa por ella. En efecto, la mamá de Jennifer (una maravillosa Ellen Burstyn) entra en pánico cuando consigue un cuento que su hija escribió cuando tenía trece años donde narra -lo que ella pensó fue- una historia de amor con un hombre de cuarenta años.

Jennifer le resta importancia porque su memoria ha normalizado los hechos. Ella no se recuerda tan joven ni lo piensa a él tan mayor. La directora, quien obviamente también escribe, crea una variable de libre interpretación. Es indiscutible que ella, Jennifer, ha modificado y parcialmente borrado la historia pero por qué. ¿Después de todo ha sido una experiencia traumática que su cerebro ha decidido eliminarla o simplemente fue tan inocente que nunca se percató de las intenciones de aquel hombre? Mientras Jennifer intenta descubrir qué sucedió realmente, permite que el espectador vaya sacando propias conjeturas.

En busca de recuerdos

Aunque su pareja no cree que sea buena idea, sabiendo que puede ser traumático para ella, Jennifer se dispone a averiguar que sucedió realmente. Una vez que comienza a recapitular el cuento que ella misma escribió, Jennifer sigue sin comprender las anomalías de la historia. Con una línea de flashbacks vemos a una Jennifer adolescente asistiendo a una casa de campo para tomar clases de equitación impartidas por la Sra. G (Elizabeth Debicki) (“la mujer más bella que había conocido”) y el entrenador Bill (Jason Ritter). Jennifer los recuerda perfectamente, incluyendo una imagen de si misma. Pero una vez que se reúne con otras mujeres que treinta años atrás asistieron con ella a las clases, se da cuenta que sus propios recuerdos la han traicionado.

La Sra. G y Bill siguen fieles a sus recuerdos pero ella es mucho más pequeña (físicamente) que la imagen que conservaba. Con esto Fox hace alusión a esa etapa adolescente que todos alguna vez atravesamos donde, por el simple hecho de estar creciendo, ya nos creemos adultos. Vemos un reflejo más grande de lo que somos realmente. Y en parte es normal que Jennifer se recuerde cómo una mujer joven cuando comenzaba a dormir fuera de casa en verano, cuando comenzaba a hacer amigos, cuando comenzaba a sentirse amada.

Un pasado tortuoso

Una vez que Jennifer consigue los recuerdos reales, todo se vuelve más claro y con ello los flashbacks más recurrentes. La narración no es más que la lectura de aquel cuento que va haciendo Jennifer para sí misma. Pero no es la única vez que las dos versiones del personaje colisionan. Jennifer, en un guiño a su propio trabajo, recurre a escenas que parecen fragmentos de documentales. Su voz (bueno, en este caso la de Laura Dern) interviene en diferentes partes del relato. Ella se cuestiona y cuestiona a otros personajes tras sus acciones. Tal vez estas escenas sean referencias de las preguntas que alguna vez deseó hacer o de las que nunca recibió respuesta.

Esas escenas son el enlace perfecto entre las dos líneas temporales que maneja el guión. Consiguiendo una transición limpia entre el presente y el pasado, estableciendo los diferentes conflictos. Por una parte Jennifer se rehúsa a eriquetarse como víctima (y en ningún momento lo hace) aun sabiendo que, en efecto, alguien abusó de ella.

El rostro del dolor

Mientras vamos siendo testigos de como dos adultos se aprovecharon de la situación emocional de una niña (proveniente de un hogar disfuncional). Formando una relación que, a pesar de justificar todo con amor, era, desde luego patológica.

Y es allí donde Fox lleva al límite la similitud de la película con un documental y procura ser lo más realista posible. Jennifer tiene recuerdos de cómo sucedieron las cosas pero esas memorias ahora parecen mentiras. Ella sabe que las cosas fueron peor y son los hechos lo que lo evidencian. Vemos a una Jennifer indefensa tener relaciones con Bill, que una vez más promete algo que hasta ahora Jennifer no conocía: amor.

La película tras dos primeras partes descorazonadas tiene un final brillante (de hecho dos) que enciende alarmas. Primero, Jennifer, ya sabiendo que algo no estaba bien, cuenta su historia para ver como su profesora, aplaudiendo con las orejas por “el buen trabajo” decide mirar a otro lado pretendiendo que un cuento sobre una relación tóxica ha nacido de la imaginación de una niña. Segundo, Jennifer, decide enfrentar a su abusador treinta años después; porque nunca es tarde para hacer frente a la verdad y hacer justicia.

Una directora inspirada

Jennifer Fox ha conseguido un trabajo de dirección sublime. Beneficiándose de recursos dignos del género documental para incrustar realismo a su relato. Así mismo, sabiendo que en una historia de este calibre, no hay tintes medios. Ha optado por escenas difíciles de digerir (con utilización de dobles de cuerpo, obviamente) que pueden espantar a más de uno.

El minúsculo presupuesto con el que contó la directora se nota, ya que es una producción libre de pretensiones; sin embargo, contó con una estrella como Laura Dern que está incontestable como la misma Jennifer. Pero es lo pequeña Isabelle Nélisse, en la versión joven del personaje, la gran revelación.

The Tale es una película necesaria que nos recuerda porque el cine es tan maravilloso. Por un lado, nos puede hacer volar con las historias más fantásticas y por otro nos llaman a Tierra con historias desgarradoras. Necesitan ser contadas para concienciar a una sociedad, a veces, excesivamente indolente.

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Crítica de Love, Death & Robots – La serie animada para adultos de Netflix

Love

Love, Death & Robots es un pryecto que está dirigido por Tim Miller (Deadpool, y en el pasado también varios videojuegos como Mass Effect 2, The Old Republic y Hellgate: London) y David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodiaco, Mindhunter) con la participación de estudios de animación procedentes de de todo el mundo

Pero, ¿qué es y por qué debería hacerse un favor y dedicarle parte de su tiempo? Para empezar,  Love, Death & Robots  es una serie antológica que consta de 18 episodios con una duración promedio de 10-15 minutos. Como se mencionó, cada episodio se realiza con un estilo diferente de animación y, debido a su naturaleza antológica de series, cada uno de ellos no tiene ninguna relación con los demás y se caracteriza por una trama concluyente .

Soldados de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas de cyborg, arañas alienígenas y demonios infernales sedientos de sangre: los encontrarás en las dieciocho historias animadas de NSFW.

Love, Death & Robots – Una serie animada para adultos

Love

Al ser una serie para adultos, los temas más dispares se enfrentan, y ni los dos directores ni los estudios de animación se han preocupado demasiado por reproducir la violencia en la pantalla , la muerte , el sexo , la sensualidad y otros temas que también podrían alterar la sensibilidad. de algunos espectadores.

Entonces, ¿por qué deberías dedicar parte de tu tiempo a ello? Por varias razones. Muchos episodios terminan en sí mismos, casi como si fueran un intento de llevar una historia y un tipo de animación en la pantalla para ver la reacción del público . Realmente querrás profundizar, saber más sobre los protagonistas, sus historias y los antecedentes de la configuración elegida, de querer más.

Como el episodio 4 llamado “Trajes”, en el que los campesinos defienden su tierra como criaturas en la línea de los arácnidos de Starship Troopers a bordo de mechs armados con dientes. El cómplice del estilo de la animación y la intensidad de las escenas de acción realmente desearía ver toda una serie dedicada a ellas.

Y nos damos cuenta de que tal vez el genio de la serie sea precisamente su deseo de proponer un producto empaquetado de acuerdo con lógicas que tengan poco que ver con lo que el público necesita actualmente, un público que normalmente anhela series de televisión compuestas de más y más temporadas, sagas cinematográficas divididas en trilogías, videojuegos que, literalmente, se desarrollan durante décadas.

Estilos diferentes en cada episodio

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En mi opinión, con el capítulo 14 “Piezas Únicas”  llegamos a la cima con respecto a la profundidad del mensaje transmitido. Si el estilo de animación del episodio puede no ser atractivo para todos, el final y el propósito del cuento seguramente lograrán que se emocione. Incluso “La ventaja de Sonnie” me impactó de la misma manera, con su ferocidad y la brutalidad de las escenas y con su mensaje final igualmente drástico.

Otros se enfocan más en el sarcasmo, otros tienen un estilo steampunk o extremadamente de ciencia ficción que tiende al cyberpunk , otros aún no transmiten muchas ideas simples para historias que merecen unos pocos minutos en pantalla para expresarlas en todo su potencial.

Podríamos pasar horas discutiendo cada técnica de animación utilizada para la realización de los episodios, sobre el impacto visual de  “La Testigo” que parece una fusión entre captura de movimiento y y CGI con un medio estilo Entre el anime y el videojuego, o tal vez incluso por la falta de originalidad de algunos episodios, que no hacen más que explotar temas, historias y revistas ya vistos, solo para mostrar el peculiar estilo artístico de ese determinado estudio de producción.

Pero la duración total de la serie Love, Death & Robots es tan pequeña que no le tomará mucho tiempo terminarla  y algunos episodios son tan profundos o divertidos de ver y admirar, incluso por unos pocos minutos, que las faltas de otros se desvanecen para dejar espacio para una experiencia audiovisual que, sinceramente espero, no sea un caso aislado en el futuro cercano del catálogo de Netflix.

Así que sí, hazte un favor y corre a verlo. No solo porque no dura mucho tiempo, no solo por la presencia de una escena desnuda que, para ser honesta, es casi marginal (en el sentido de que es casi natural dados los diversos contextos en los que están inmersas las historias), sino por poder ser testigo que también podríamos definir un experimento (en su mayoría exitoso) que, debido a cómo fue concebido y realizado, ha puesto en pantalla algo que va más allá de nuestra ” zona de confort”.


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Critica de Capitana Marvel, Una grata sorpresa y una granada mental

Capitana Marvel

Capitana Marvel ha aterrizado en la Tierra. Es desde el 25 de abril del año pasado, es decir, desde el estreno de Avengers: Infinity War, que el público espera saber cómo encajará el nuevo personaje en el UCM y responder a todas las preguntas provocadas por el lanzamiento de la señal del localizador de Nick Fury. Antes de que se convirtiera en polvo por el chasquido de Thanos.

La película, recordemos, está ambientada en 1995, 15 años antes de la fase 1, y por lo tanto, es la  precuela definitiva de todas las aventuras firmadas por Marvel que hemos visto hasta ahora. Esta es la razón por la que su visión resulta tan importante para los entusiastas del Universo Marvel, lo que permite, por ejemplo, por qué Fury decidió darle vida a la “Iniciativa Vengadores” y, obviamente, arrojar varias pistas útiles para comprender a posteriori cómo se resolverá la batalla épica con el Titán loco y cómo regresar a la vida a todos los héroes y el resto de seres vivos que desaparecieron.

Vers es llevada a encontrar quien es en realidad

Capitana Marvel

Capitana Marvel sigue dos pistas paralelas que sirven para ampliar nuestra mirada y comprender más profundamente a la nueva heroína que enfrentamos y al mundo en el que estamos inmersos. Por un lado, está la dimensión alienígena, el descubrimiento ya en las primeras etapas de sus poderes, el descubrimiento de una guerra entre dos pueblos, los Skrull y el Kree, ambos portadores de algunas de las sorpresas más interesantes, ya que todo no es lo que parece y aqui hay muchas sorpresas.

Por otro lado, el pasado terrestre, totalmente nebuloso para ella y en su mayoría presente en forma de sueños recurrentes, que la llevará a un viaje para redescubrir sus emociones humanas, el origen de su poder, y recordar quienes fueron las personas que ella tiene presente en estos sueños.

Vers (su nombre Kree) que conocemos al principio es, de hecho, una soldado a quien se le enseña a dominar sus emociones. ” No permitas que las emociones dominen tu cuerpo”  es el consejo que le da su mentor Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, y le muestra cómo cada vez se ve nublado su juicio por reacciones instintivas, su habilidad en batalla según él pierde efectividad

El viaje que hará en nuestro planeta, donde caerá por casualidad después de una misión fallida, la llevará en la dirección opuesta: al descubrimiento de la verdadera Carol Danvers y las personas que dejó atrás, una revelación que tendrá efectos extraordinarios en su tranquilidad al despejarse todas las dudas que tiene sobre si misma.

Capitana Marvel como bandera del feminismo en el cine superheroíco

Capitana Marvel

¿Es una película feminista? Sí, pero en el mejor sentido de la palabra y en absoluto feminazi (como temían algunos y como afirmaban varios trolls que circulaban por las redes sociales las última semanas). Marvel, al contar la historia de su primera heroína por primera vez y con cierto retraso en comparación con la competencia, encuentra el equilibrio correcto entre la legitimación femenina y un viaje de autodescubrimiento.

Por supuesto, Carol experimentó discriminación sexista e intimidación en su piel durante su vida y su carrera militar, pero nunca se dejó definir por ellos, ella no tiene que demostrarle nada a nadie. Si Pantera Negra fue la línea divisoria del tema racial, Capitana Marvel representa para la Casa de las Ideas casi un manifiesto sobre la femineidad, ya que no solo por primera vez para una mujer es la protagonista de la película, sino que alude a los valores y el valor del autodescubrimiento y la fuerza de la amistad.

Esa intensa amistad que tiene la protagonista con Maria Rambeau (Lashana Lynch), una relación  muy estrecha que se ve interrumpida por varios años, que por afinidad de intercambio (ambos eran dos pilotos de la Fuerza Aérea), podía recordar eso entre Maverick y Goose de la famosa película Top Gun.

El tono cambiante de la película

Capitana Marvel

Además de los mensajes políticos emitidos en Pantera Negra, la película numero 21 del UCM hasta ahora también tiene el mérito de ampliar definitivamente los límites del universo en el que se mueven sus héroes. Comienza como  una historia espacial en efecto y revela gradualmente las conexiones entre la Tierra (para los Kree es C-53) y el resto de la galaxia, explicándolas a mi parecer mejor que en los Guardianes de la Galaxia.

Brie Larson tiene la cara, el físico y la convicción correcta para el personaje, y lo mejor es que en ningun momento se ve opacada por figuras como Samuel L. Jackson y un asombroso Ben Mendelsohn , sin descuidar a la estrella invitada Goose, el gato que tiene un par de buenos momentos en la película y en la resolución del conflicto.

Los ejes de la historia son el pasado de Carol en la tierra y el por qué esta con los Kree, con cambios continuos de escenarios y situaciones, y efectos especiales. Si las escenas “cósmicas” son realmente fascinantes hasta el límite de lo psicodélico, se debe dar una mención especial al rejuvenecimiento digital de Samuel L. Jackson y Clark Gregg (quien siendo sinceros canta un poquito el CGI), un efecto que ya se usó anteriormente pero nunca durante tanto tiempo. Lo que abre nuevos horizontes para la cinematografía del futuro.

Luego la película tiene un tono distinto ya no es una guerra espacial sino que es una especie de buddy movie ya que en este tramo de la película se forja una amistad entre Carol y Fury, sin olvidarnos de Goose que sin dudas se robó el corazón de muchos, incluyendo el de este servidor. Viendo una escena en especifico ya al final de la cinta piensas “Thanos está en problemas, y me alegro” esperemos que Carol le de su merecido al Gran Titán.


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Critica de La Casa de Jack, la tragedia de la adicción

La Casa de Jack

En La Casa de Jack ( Matt Dillon ), este es un asesino en serie. En algún lugar, en un lugar oscuro, en un sendero que te lleve a no sabes dónde, le dicen a Virgil ( Bruno Ganz ) los cinco “incidentes” que lo llevaron allí. Esperando completar la última parte del viaje, y enfrentar su destino.

Siete años después de haber sido prohibido en Cannes por bromear con fuego, llamarse a sí mismo nazi (había estado en la Internacional en Cannes en 1998) y haber definido a Israel como “un dolor en el trasero”, Von Trier estuvo de vuelta en mayo pasado con una película en la que, sustancialmente, está constituida, poniéndose en el papel de un asesino en serie (Matt Dillon)  un misógino, nihilista y obsesivo compulsivo . Un artista con una visión completamente amoral del arte.
Un arquitecto incapaz de construir una casa, excepto a través de los cadáveres de sus víctimas.

Una película sobre la tragedia de la adicción

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Von Trier dibuja tabúes uno por uno y los descompone sistemáticamente como bolos: los niños, las mujeres y los animales son el objetivo . Los cadáveres son mutilados y luego deformados. Pero la violencia nunca es cautivadora, nunca es pop: en cambio, hay una especie de desesperación histérica, una fealdad repulsiva y un humor siempre debilitado por la tragedia de la adicción.

Realmente hay una libertad extrema en todo esto,  la construcción de una zona libre dentro del clima político de la época . Es como si en todos los sermones, auspicios, pantallas y leyendas, Von Trier se opusiera a su propio narcisismo, su propia vanidad y su propio (¿mal?) sabor, que encuentra su culmen en el ultimo acto de la película. Un talento capaz de todo, de acrobacias intelectuales y bromas baratas, de saltos escenográficos extremos y de material de repertorio, de horrores difíciles y de belleza incongruente.

Pero no es que necesariamente hay que elegir, no es que las dos cosas estén excluidas, el punto es que una sin la otra es solo una forma diferente de contarlo. El cine de Von Trier sigue siendo el que lleva los “pecados” de todos , el que crea una perspectiva intelectual, porque es el único que sigue planteando la cuestión estética por excelencia, así de legal es “extraer” el proceso artístico desde el educativo, y uno mismo desde la sociedad, trabajando en los límites de lo visual.

La Casa de Jack es una oda del director a su propia carrera

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Si von Trier nunca hace otra película, La Casa de Jack sería un resumen acertado de su carrera. En medio de las digresiones de Talky, el cineasta toma una muestra del clímax de su propia “Melancholia“, mientras que Jack llama “Anticristo” y es atacado por Verge por albergar “un sueño patético de algo grandioso“. Es fácil ver cómo el cineasta podría involucrarse en una autocrítica con ideas similares a altas horas de la noche. “¡En este infierno de mundo, nadie quiere ayudar!“, Exclama Jack, mientras la cámara se acerca a un mundo vacío.

Jack se condena a sí mismo al intentar rectificar su ansiedad con el asesinato. Si “Melancholia” celebró el proceso de hacer las paces con la fragilidad emocional, “Jack” sigue la trayectoria opuesta: lo que se siente al quedar atrapado por tus propias fallas hasta un punto que hace imposible la salvación. Concluye con la sugerencia de que incluso si von Trier está atrapado en un infierno privado de su propia creación (o Jack, pero a quién estamos engañando), él todavía está esperando por su vida.


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