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En la Butaca

Crónica TerrorMolins 2018 (Día 2 y 3) – Nicholas Cage, Jack Taylor y Lovecraft

Ha llovido ya un poco desde que terminó el TerrorMolins pero, como se suele decir, más vale tarde que nunca. Hoy me paso por este maravilloso blog para hablaros de mi experiencia en la gala de clausura y la maratón de 12 horas del festival. Ah, y de las películas proyectadas, por supuesto. Antes de empezar, quería volver a agradecer el increíble trato que recibí por parte de todos los miembros del festival. Esta edición de TerrorMolins ha sido una experiencia maravillosa y no puedo esperar a repetir el año que viene.

Un ambiente único en TerrorMolins

Como ya dije en la primera crónica del festival, TerrorMolins tiene un color especial. Lo noté durante la gala inaugural, y lo volvía notar durante la de clausura y, sobre todo, durante la magnífica maratón de 12 horas. En la gala de clausura, además de ver la esperadísima Mandy (de la cual hablaremos a continuación), tuvimos el placer de disfrutar de la presencia del actor Jack Taylor y la posterior de un corto documental sobre su trayectoría profesional. Además, también pudimos ver sobre el escenario a Angel Sala, director del festival de Sitges, quien vino a presentar la película de Panos Cosmatos que pondría punto final al festival.

Bueno, más bien un punto y seguido, ya que el TerrorMolins no termina hasta que lo hace la maratón de 12 horas de cine de terror. Este ha sido el primer año que he asistido y estoy seguro de que no será el último. El festival preparó una selección de 6 películas (de las cuales sólo pude aguantar 3, a ver qué tal el año que viene…) acompañadas de diferentes performances que no dejaron a nadie indiferente. Gente suspendida en el aire con ganchos adheridos a la piel, una escena slasher al más puro estilo Matanza de Texas en vivo y una invasión zombie son sólo algunos ejemplos de las locuras que tuvieron lugar en la Peni. Si adoras el cine de terror en cualquiera de sus vertientes, no puedes perderte esta experiencia.

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Mandy de Panos Cosmatos

Siempre es de agradecer cruzarse con películas que no tienen miedo a romper con todo. Mandy es un filme muy personal, hasta el punto de que, por momentos, parece que te encuentras dentro de la mente de Cosmatos. El director nos introduce en una cinta exótica, asfixiante y enigmática, que explora a través de la esencia slasher algunos de nuestros peores miedos. Su puesta en escena exageradamente colorida otorga a la película una personalidad más que destacable, que se intensifica aún más con la naturaleza excéntrica de sus personajes y situaciones. Cabe destacar la gran labor que el compositor Johann Johannsson llevó a cabo en Mandy, dejando claro el inmenso talento que demostró poseer durante toda su trayectoria.

Una posible interpretación del filme de Cosmatos es la de otorgarle la etiqueta de mito contemporáneo, como si el director greco-italiano intentara adaptar historia clásicas como la de Orfeo y Euridice a la lógica actual, generando así un debate sobre el sentido de la venganza. Quizás encontremos aquí uno de los errores más destacables del título: Su bipolaridad en lo que al tono de la película se refiere. Las dos mitades de Mandy son totalmente diferentes entre ellas, haciendo que, mientras la primera acoge un tono más íntimo y humano, la segunda se convierte en una sucesión de violencia y sangre incontrolable. El argumento lo justifica y sin duda se comprenden las intenciones de Cosmatos, pero es inevitable que al espectador pueda parecerle confuso.

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Summer of 84 de Anouk y Yoann-Karl Whissell y François Simard

Los creadores de Turbo Kid presentan una odisea ochentera, siguiendo así el ejemplo de muchas otras películas con un grupo de jóvenes como protagonistas que están inundando la ficción cinematográfica en los últimos años (It (2017), Super 8, Stranger Things…). La cinta es divertida y amena, y durante sus dos primeros actos consigue absorver al espectador en una trama detectivesca de la cual se espera mucho más de lo que acaba siendo. El final deja con mal sabor de boca, quizás porque no puedes evitar sentir que va a lo fácil y que no busca defender ningún tipo de subtexto o moraleja. Aún así, podemos otorgar ciertos méritos a la película, como el conseguir desmitificar la juventud canónica que estas cintas nostálgicas intentan inculcarnos, representando a adoslescentes como lo que son: Adolescentes, con todos esos deseos sucios e impuros que eso conlleva.

Quizás lo más destacable del filme sea el espíritu familiar que le rodea, haciéndola perfecta para una jornada de peli y manta en casa. Un entretenimiento más que disfrutable.

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Ghostland de Pascal Laugier

Sin lugar a dudas la mejor película de la maratón de 12 horas y una de las mejores sorpresas que me he llevado este 2018. Ghostland es inteligente, laberíntica y ambiciosa. Con un guión magistral, Laugier te lleva por donde quiere, transportándote a un universo donde la realidad y la locura conviven. Quizás lo único que no me acabó de convencer fue la puesta en escena, demasiado recargada y barroca en ocasiones pero, al fin y al cabo, fiel al espíritu onírico de la película.

Perderse Ghostland es perderse una de las mejores películas de terror del año y una muestra de que el género aún está a tiempo de romper sus esquemas y construir nuevas formas de aterrorizar al espectador. El filme utiliza una extraña pero efectiva fusión del subgénero de espíritus y el slasher para generar escenas que van desde el jump scare facilón hasta la complejidad del terror psicológico. Ghostland es una propuesta sólida que nos obliga a querer seguir más de cerca la futura trayectória de Pascal Laugier.

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Devil’s Doorway de Aislinn Clarke

Devil’s Doorway era una de las películas que más ganas tenía de ver en TerrorMolins, básicamente porque su propuesta me parecía muy seductora. El filme de la directora Aislinn Clarke (la cual asistió a la proyección) mezcla la contemporaneidad que el subgénero found footage significa con el ambiente gótico y envejecido de un convento. La fusión de estos dos mundos antónimos genera un universo visual más que estimulante que, sobre todo durante el inicio de la cinta, te mantiene fascinado. Además, Clarke consigue utilizar la fórmula del metraje encontrado para crear momentos de pausa y reflexión, que es donde acaba recayendo la magia de la película.

No obstante, aunque deba destacar lo visual, lo narrativo se queda bastante atrás. El argumento del filme no es más que una suma de clichés del género que hacen que su recta final sea prácticamente insufrible a la par que predecible. Cualquier tipo de reflexión interesante sobre la creencia incondicional y el cristianismo que el filme pretenda introducir está condenada a ser olvidada por culpa de una trama que te acaba dejando indiferente.

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Las 10 mejores películas disponibles en streaming según los fans

Las plataformas de streaming cuentan con catálogos inmensos y siempre se están renovando, y aquí en Sexta Butaca le traemos las  películas disponibles en streaming mejor valoradas por los fans este mes. Para ir directo al grano y ver las mejores películas disponibles en este momento, hemos hecho un top 10 de estas producciones de acuerdo con la calificación de los fans en IMDb. ¡Compruébalo por usted mismo!

TE PUEDE INTERESAR: Donde ver las películas que quieras sin morir en el intento

Películas disponibles en streaming mejor valoradas

El Padrino (1972)

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Ganadora del Oscar a la mejor película, El Padrino es una película clásica. En su historia, Don Vito Corleone es el líder de una «familia» de mafiosos, que ve su negocio tomar un camino indeseado cuando su hijo menor asume sus responsabilidades.

  • Director: Francis Ford Coppola
  • Reparto principal:  Al Pacino, Marlon Brando y Diane Keaton
  • Nota: 9,1
  • Plataforma: Amazon Prime Video

El Patrino: Parte II (1974)

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Segunda película de la trilogía, El Padrino – Parte II, como su predecesora, está basada en un libro de Mario Puzo. En él, conocemos la historia de Don Corleone hasta su ascenso como mafioso y seguimos las dificultades de su hijo Michael para dirigir el negocio de su padre.

  • Director: Francis Ford Coppola
  • Reparto Principal: Al Pacino, Robert De Niro, Robert Duvall y Diane Keaton
  • Nota: 9,0
  • Plataforma: Amazon Prime Video

La Lista de Schlinder (1993)

Dirigida por Steven Spielberg, La Lista de Schlinder se desarrolla durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el industrial Oskar Schindler, un aliado del Partido Nazi, usa su fortuna para ayudar a judíos en campos de concentración y guetos. Estas películas disponibles en streaming sobre la Segunda Guerra Mundial nos dejan una gran enseñanza para no cometer los mismos errores del pasado.

  • Director: Steven Spielberg
  • Reparto principal: Liam Neeson y Ralph Fiennes
  • Nota: 8,9
  • Plataforma: Netflix

El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (2003)

La última cinta de la franquicia, El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey figura en el Top 30 de las películas más taquilleras de la historia del cine. En la trama, mientras una gran batalla está a punto de estallar, Sam y Frodo están a punto de volverse locos, a pesar de que queda muy poco para completar su misión.

  • Director: Peter Jackson
  • Reparto principal: Elijah Wood, Ian McKellen, Viggo Mortensen y Sean Astin
  • Nota: 8,9
  • Plataforma: Movistar +

El Señor de los Anillos – La Comunidad del Anillo (2001)

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Primera película de la trilogía, La Comunidad del Anillo está inspirada en el libro del mismo nombre de J.R.R. Tolkien. La historia sigue a Frodo, un hobbit que, ayudado por la Comunidad del Anillo, se enfrenta a la larga y difícil misión de destruir un poderoso anillo que puede caer en las manos equivocadas.

  • Director: Peter Jackson
  • Reparto principal: Elijah Wood, Ian McKellen, Orlando Bloom,  Viggo Mortensen y Sean Astin
  • Nota: 8,8
  • Plataforma: Movistar +

Forrest Gump (1994)

Protagonizada por Tom Hanks, Forrest Gump también es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos por los amantes del septimo arte. La producción sigue a un chico de pensamiento lento pero muy cariñoso que se aventura por lugares y momentos históricos de Estados Unidos.

  • Director: Robert Zemeckis
  • Reparto principal: Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise y Mykelti Williamson
  • Nota: 8,8
  • Plataforma: Apple TV

Origen (2010)

Un éxito de taquilla, Origen trata sobre un ladrón que roba información del subconsciente de las personas durante los sueños. El problema es que para volver a ver a sus hijos, ahora necesita hacer lo contrario: plantar una idea en la mente del hijo de un magnate. En mi opinión personal es una de las mejores películas disponibles en streaming que puedes ver, es una granada mental como todas las cintas de Christopher Nolan.

  • Director: Christopher Nolan
  • Reparto principal: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Ellen Page y Marion Cotillard
  • Nota: 8,7
  • Plataforma: Netflix, Amazon Prime Video, HBO, Filmin

El Señor de los Anillos: Las Dos Torres (2002)

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Secuela de La Comunidad del Anillo, en Las Dos Torres algunas de sus filmaciones fueron realizadas en Nueva Zelanda. En esta función, mientras la Comunidad del Anillo permanece separada, acompañamos a Frodo y Sam en Mount Doom y los otros supervivientes que intentan salvar a los hobbits secuestrados.

  • Director: Peter Jackson
  • Reparto principal: Elijah Wood, Ian McKellen, Liv Tyler,  Viggo Mortensen, Sean Astin y Cate Blanchett
  • Nota: 8,7
  • Plataforma: Movistar +

Matrix (1999)

La primera película de una trilogía, Matrix es un hito entre las producciones de ciencia ficción. En la trama, Neo está plagado de extraños sueños, hasta que descubre que está siendo utilizado por una inteligencia artificial. La gran pregunta es que, quizás, él es el único que puede destruirla.

  • Director: Lana Wachowski y Lilly Wachowski
  • Reparto principal: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Laurence Fishburne y Hugo Weaving
  • Nota: 8,6
  • Plataforma: HBO

Seven: Los Siete Pecados Capitales (1995)

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Dirigida por David Fincher (Zodiaco), Seven tuvo nominaciones al Oscar y BAFTA. En la historia, dos policías de personalidades bastante diferentes se ven obligados a unir fuerzas para dar caza a un asesino en serie que mata a sus víctimas inspirado por los pecados capitales.

  • Director: David Fincher
  • Reparto principal: Morgan Freeman, Brad Pitt, Kevin Spacey y Gwyneth Paltrow
  • Nota: 8,6
  • Plataforma: Netflix, HBO y Movistar +

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Análisis de Con La Muerte en los Talones, más que una película de espías

Con La Muerte en los Talones

Hoy les traemos el análisis de Con La Muerte en los Talones, después de haber traído Psicosis y Vértigo del director Alfred Hitchcock. Con La Muerte en los Talones (North by Northwest) es una película de 1959, dirigida por el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, con Cary Grant (en su cuarta colaboración con el director, después de Sospecha, Encadenados y Atrapa a un ladrón) y con Eva Marie Saint, actriz pedida por el director.

Los apasionados del director Alfred Hitchcock, no pueden perderse esta joya del cine, Hitchcock da lugar a una dirección sublime, lindando con la perfección, a través de la cual el concepto de intercambio de identidad, de imposibilidad de el protagonista de demostrar que no es George Kaplan, del amor bueno y malo hacia la misma mujer, una mujer que juega para ambos lados, ya que es una doble agente.

Con La Muerte en los Talones es una película que pasa de lo normal a lo extraordinario

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant en la famosa escena en la que intenta escapar del ataque aéreo en los campos de trigo

El suspenso está magistralmente llevado de la mano de Hitchcock, a quien logra dar diferentes facetas, primero con la persecución en los campos de trigo en una secuencia que dura unos 10 minutos, de los cuales la mayoría son solo visuales, es decir, sin diálogo, y la secuencia final con el intento de fuga de los dos protagonistas en el Monte Rushmore es de una delicia visual importante.

Es una película que sigue un camino empinado, como el que emprende el personaje de Cary Grant en la primera de numerosas secuencias de suspenso, comprometiéndose de inmediato con una maniobra al volante para esquivar a la muerte. Hitchcock tarda sólo dos minutos, la partitura de prensa de Bernard Herrmann y los créditos iniciales con vectores animados por Saul Bass, para preparar todo un mundo narrativo donde un simple chasquido de dedos permite pasar de lo normal a lo extraordinario.

Hitchcock confía al encanto y la ironía de Cary Grant la tarea de relajar el suspenso y atenuar la hipérbole de la trama. El actor británico media la improbabilidad de su situación trabajando con atractivo y sarcasmo, malicia y burla,  dedicando sus momentos de relajación al humor brillante y al juego de seducción.

Una película que oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant como George Kaplan se mete en muchas situaciones de peligro y en las que necesitará de ayuda

En una tensión constante entre la desorientación y la determinación, el cinismo y el romanticismo, asistimos a su evolución de un publicista cínico e inmaduro a un héroe atrevido y enamorado. Después de todo, dentro de esta intriga, lo que más le interesa a Hitchcock no es el aspecto de espionaje «internacional» de la trama, sino la singularidad del camino que lleva a Roger Thornhill a convertirse en George Kaplan.

Thornhill debe convertirse en Kaplan y ponerse en sus zapatos para poder deshacer el enredo, dominar la complejidad de la situación en la que se encontraba a pesar de sí mismo y conquistar a la mujer que ama. Este juego oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad, ve su momento central en la famosa secuencia del ataque aéreo contra Thornhill quien creen que es George Kaplan.

Una obra maestra construida sobre la tensión, la puesta en escena es la suma perfecta de todo lo que hace grande a Hitchcock, la técnica compositiva, el ritmo del montaje, la ironía de las miradas de Grant, la sensación de indeterminación ligada a un peligro que puede llegar a cualquier parte. Incluso en medio de los campos de Illinois o un ataque desde el cielo, estos elementos hacen que Con La Muerte en los Talones sea más que una película de espías.

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Análisis de Que Bello Es Vivir, la cinta más conocida de Frank Capra

Que Bello Es Vivir

Aunque hoy es considerada su película más conocida y representativa, en su estreno «Que Bello Es Vivir» fue recibida muy tímidamente por un público que la juzgó medianamente bien pero sin llegar al entusiasmo que genera hoy día, por una crítica que confundió la extensión (o distensión ) de un imaginario donde un cuento de navidad se convierte en poesía.

Y no fue eso lo peor, en aquella época el FBI emitió un comunicado oficial quejándose de una supuesta propaganda comunista, para ellos perceptible a través de temas populistas y, en concreto, en el retrato poco halagador de los banqueros de la ciudad.

Que Bello Es Vivir ha envejecido muy bien

Que Bello Es Vivir

En la década de los 60 se agotaron los derechos y no se renovaron, la película corría el riesgo de caer en el olvido pero, al pasar a ser de dominio público, en la década de los 70 terminó casi por casualidad para ser retransmitida de forma gratuita y regular por las televisoras estadounidenses, que la adoptaron como la película navideña por excelencia. Por tanto, fue redescubierta y a partir de aquí comenzó su leyenda que año tras año solo crece.

La base de la película es «The Greatest Gift», un cuento de Philip Van DorenStern, escrito (1939) e inicialmente publicado (1943) sólo de forma privada como una tarjeta de Navidad para regalar a amigos y familiares. Una vez que se registró la propiedad de los derechos, fue comprada por RKO, con la intención de hacer una película con Cary Grant, pero el guión no convenció así que fue reescrito y se vendieron los derechos de la historia a Liberty Films.

Esta era la nueva productora fundada por Frank Capra (junto con George Stevens, William Wyler y Samuel J. Briskin). En la fase de guión hubo muchos cambios en comparación con el texto original y aún más claras las inserciones fundamentales desde cero, desde la introducción de un personaje fundamental como Henry F. Potter hasta la última parte del mundo alternativo que reemplaza el choque con un alter ego que prefería el dinero a los sentimientos.

A fin de cuentas, nació un texto que poco tenía que ver con la historia y el espíritu del cuento original, nació una historia más ligada a la visión de Frank Capra.

Un choque entre los sueños y la realidad

Que Bello Es Vivir

La película está completamente ambientada en la provincia imaginaria de Bedford Falls, un lugar que merece elevarse a la ubicación arquetípica de todo el cine de Capri. Una ciudadana norteamericana que lleva en sí un artificio fílmico inseparable de la realidad de la época donde todo es tocado por los rumores de la guerra.

La hipotética distancia entre una visión realista de la vida y el imaginativo humano, una cinta donde la realidad y los sueños chocan de frente en la vida de George Bailey. El sueña con viajar por el mundo y conocer muchos lugares, no desea quedarse de por vida en un escritorio como le pasó a su padre, pero lamentablemente así ocurre.

En esta cinta existen tres elementos que son sello del cine de Capra, optimismo, honestidad y sentimiento. En una inspección más cercana la escalada hacia la reconciliación con uno mismo y con el mundo pasa por un viaje no solo salpicado de obstáculos a superar, sino marcado por heridas que a veces no se curan y es nuestro deber sanarlas.

«Que Bello Es Vivir» es una asombrosa parábola de  Charles Dickens que alcanza su punto máximo en los últimos 40 minutos. La historia es conocida, debido al descuido del tío Billy, después de haber perdido el dinero necesario para mantener personalmente el negocio familiar, George está al borde de la desesperación lo suficiente como para contemplar el suicidio.

En ese momento, enviado por Dios, el ángel de segunda clase Clarence acude a su rescate y, si logra disuadir al protagonista de este acto extremo, se ganará sus alas. Para hacer esto, lo confronta con una realidad alternativa, un mundo en el que George Bailey nunca nació.

La reconciliación de George Bailey consigo mismo y con la vida

Que Bello Es Vivir

Esta parte de la cinta no se limita a cumplimientos alegóricos, a partir del arrebato familiar, George Bailey se prodiga en un abismo de espacio y tiempo donde el distrito no es simplemente un campo de pobreza desconsolada sino un territorio dominado por el dios del dinero, el alcohol y el sexo. En un clímax donde se ve la opresión y donde la Navidad ya no es una fecha en la que celebrar.

Queda la amargura de toda la vida; y Potter queda impune, un personaje claramente inspirado en un Ebenezer Scrooge (sin redención esta vez), el mundo alternativo también es un viaje al final de la noche en un espacio-tiempo que cuestiona o quizás destruye el sueño americano con el que antes se fantaseaba. Un viaje, cuyo punto de llegada nos pone ante una caída de la parafernalia. En ese momento George Bailey se queda con su propia alma unida a la de sus seres queridos.

La unión terrenal más elevada que, cuando suena la campana y el ángel ha desplegado sus alas, sólo puede llevarnos a la emoción más honesta y liberadora que el cine nos ha brindado jamás. «Que Bello Es Vivir» nos enseña que todos tenemos una misión de vida y que somos importantes para alguien, nos enseña a apreciar más a nuestra familia, nuestros amigos y a nosotros mismos.

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