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El arte en el cine según Stanley Kubrick

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick  nació en Nueva York, Estados Unidos un 26 de julio de 1928 y partió de este mundo en St Albans, Reino Unido el 7 de marzo de 1999, fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense. Considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX, destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo.

Stanley Kubrick estaba lejos de ser un director unidimensional. Se destaca por ser un perfeccionista exigente, que utiliza minuciosamente la escenificación, el trabajo con cámara y la coordinación extremadamente estrecha con sus actores y sus colaboradores entre bastidores.

“Este hombre, a pesar de la amplia reputación que tenía por dominar sus medios de expresión, fue malentendido y malinterpretado cada vez que hizo una película. A menudo me he preguntado por qué. De hecho, solo una vez tuvo críticas unánimemente positivas, y fueron para … Paths of Glory . Nunca entendí cómo las personas que están tan unidas al cine nunca se dieron cuenta de que él era el número uno”. -Jack Nicholson

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick – Lo natural y lo artificial

La gran obsesión de Kubrick era: la relación entre lo artificial y lo natural, lo limitado y lo desatado, lo civilizado y la base, el hombre y la máquina. La gente malinterpreta a Kubrick, basándose en pensar en una sola película, o en una escena de una película, creyendo que era antitecnológico o antinatural. De hecho, sus películas, cuando se toman en conjunto, son menos moralistas que periodísticas: informa sobre la naturaleza humana, y no cree que sea maleable.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el film como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, sobre la base de una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la cinta. Otro aspecto curioso de su modo de trabajar era su negativa a mostrar los metrajes de sus películas que descartaba.

Personajes caricaturizados

En sus películas, muchos de los rasgos de los personajes son muy exagerados. Ejemplos: Dr. Strangelove (General Turgidson, presidente Merkin Muffley, el primer ministro ruso invisible, el coronel Kong [Slim Pickens], y especialmente el general Jack Ripper de Sterling Hayden), La Naranja Mecánica (Alex mismo, Dim, Deltoid); El Resplandor (Jack, Lloyd); Lolita (Humbert Humbert, Clare Quilty, Lolita).

El zoom de cámara como una herramienta

El lento alejamiento que comprende el primer disparo de La Naranja Mecanica puede ser una de las tomas de zoom más famosas de la historia del cine. Kubrick también usa el zoom dramático en muchas de sus otras películas. Usualmente es inusualmente rápido o inusualmente lento. y le encantaban los primeros planos de caras humanas, atrapados en estados extremadamente emotivos. Hay muchas instancias de primeros planos de rostros humanos.

El largo recorrido de la cámara

Famosos recorridos incluyen a los que están dentro del hotel en El Resplandor siguiendo a Danny en su bicicleta mientras recorre los pasillos, una larga trayectoria de rastreo moviéndose a través de las trincheras en Paths of Glory , y múltiples trazas de seguimiento en Clockwork Orange , 2001 , y Barry Lyndon .

El uso de los angulos

Kubrick emplea lentes de un gran angular extremo en casi todas sus películas. Puede ver la distorsión en los límites de la imagen en las tomas de seguimiento que utilizan un gran angular, especialmente cuando la cámara gira durante un disparo de seguimiento. También usa la lente gran angular cerca de las caras de los actores en algunas situaciones para proporcionar una sensación de urgencia o patetismo.

Tomas más largas de lo normal

La mayoría de las películas de Kubrick tienen tomas de tres o cuatro minutos, o quizás más. Un ejemplo de una toma inusualmente larga es la escena en Naranja Mecánica en la que Alex se registra en el edificio Ludovico. Vemos todo el check-in, de principio a fin, algo que muchos cineastas simplemente saltearían.

Amplios disparos de cámara

Además de utilizar un objetivo gran angular, Stanley Kubrick a menudo evita los primeros planos y los dos disparos a favor de los tiros de tres tiros o incluso más amplios … haciendo que muchos de los personajes se mezclen más con el escenario. Estaba obsesionado con las imágenes regimentadas (mejor término que “simétrico”), como las marchas militares en “Barry Lyndon”, los marines marchando en La Chaqueta Metalica y los Droogs dando vueltas en formación en La Naranja Mecánica.

Stanley Kubrick

Museo Stanley Kubrick

Su legado

Stanley Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Además, Stanley Kubrick inspiró a directores como Martin Scorsese, Steven Spielberg, James Cameron, Woody Allen, Terry Gilliam, los Hermanos Coen, Ridley Scott, Christopher Nolan y George A. Romero. Incluso, Orson Welles comentó: “Entre los que yo llamaría “la generación joven”, Kubrick me parece un gigante”.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Elda Gonzalez

    03/09/2018 at 7:32 pm

    No sé por qué nuncame me he sentido con ánimo de ver una película de Kubrick, pero ahora siento curiosidad por ver alguna de sus famosas.

    Gracias por ese artículo.

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John Carpenter: Analizando su estilo y su creciente influencia [Parte 1]

Carpenter

Martin Scorsese, Steven Spielberg o George Lucas son algunos de los cineastas estadounidenses más influyentes, aclamados y exitosos de su generación. Pero hay un director de EE. UU., cuya carrera también comenzó en la década de 1970, que posiblemente sea tan influyente como cualquiera de ellos. John Carpenter nunca fue parte de la multitud del “muchacho de la película”, que también incluía a Brian De Palma y Francis Ford Coppola.

Carpenter no necesariamente disfrutó del éxito de un Oscar como Spielberg o, de hecho, del multimillonario imperio de George Lucas. Pero el trabajo único de John Carpenter, particularmente el que se creó durante su extraordinaria carrera en los años 70 y 80, es una fascinación particular para una nueva generación de jóvenes cineastas.

Directores como Adam Wingard, James DeMonaco y David Robert Mitchell se están refiriendo a Carpenter en su trabajo, o citan abiertamente al maestro del horror como una influencia en las entrevistas. Entertainment Weekly  una vez destacó a John Carpenter como el director más influyente de 2014, y su alcance no fue de ninguna manera algo extraño, ya que no se limitaba a ese año en particular.

La película de Jeremy Saulnier,  Habitación Verde  tiene unos tintes claramente del cine de Carpenter, mientras que James DeMonaco pareciera que está canalizando el espíritu de John Carpenter , para ser más exactos de sus películas Asalto a la Comisaría del Distrito 13  y  1997: Escape de Nueva York, una vez más en su secuela de ciencia ficción,  12 Horas Para Sobrevivir: El Año de la Elección.

El uso de las tomas largas

La genialidad de la primera toma de Halloween  de 1978  estableció perfectamente el tono de la película de Slasher que cambia el juego de Carpenter. En lo que recuerda los controvertidos momentos subjetivos de Tres Rostros Para el Miedo  de Michael Powell  (1960), la secuencia nos lleva a un recorrido en primera persona por la casa de Myers; nos convertimos en espectadores cuando una mujer se viste y luego es brutalmente apuñalada.

Para el ojo moderno estas secuencias utilizadas en la pelicula Halloween esto puede no parecer tan impresionante. Pero considere esto:  Halloween  recibió un presupuesto de 325.000 dólares. La secuencia inicial de la familia Myers no se filmó hasta el último día de la enérgica producción de  Halloween; para este punto, Carpenter probablemente habría sido sabio para filmar la escena en un estilo más convencional.

En cambio, hizo que el operador de la cámara Ray Stella se paseara por la casa de Myers con una cámara Panaglide, a través de la cocina, subiendo escaleras, mientras el resto de trabajadores se apresuraba detrás de él, apartando las luces y las piezas del equipo.

Mucho más que un truco, la larga apertura de Halloween es un ejemplo del interés de Carpenter en usar la cámara para establecer la geografía de un entorno. El cineasta Dean Cundey fue clave para esto, y se podría argumentar que gran parte del trabajo de Carpenter simplemente no habría sido lo mismo sin él. El ingenioso uso de la iluminación, el encuadre y las tomas de seguimiento largas le dieron a  Halloween una sofisticación que le faltaba en la mayoría de las películas de terror de esa época.

Trabajos similares

John Carpenter hizo algo similar en su primer largometraje profesional  Asalto a la Comisaría del Distrito 13,  donde el desarrollo deliberado introduce el edificio de la policía en la mente del espectador: es posible que no notemos conscientemente lo que está haciendo Carpenter, pero está estableciendo el diseño en la mente del público un recinto policial remoto, un lugar que pronto se convertirá en un campo de batalla.

En La Cosa,  Carpenter usa una Steadicam y hace tomas largas para establecer la localización en la Antártida. Carpenter nos hace comprender la forma en que los pasillos estrechos conectan con la cocina, la sala de recreo y la vivienda. Podemos ver que la base es lo suficientemente grande como para que la gente, y los perros, puedan, si así lo desean, escabullirse sin ser vistos. Y al igual que en  Halloween , el uso de esas tomas largas y bajas establece el sentimiento de premonición y violencia inminente. 

Uso del encuadre para generar suspenso

La retención constante de sangre y la violencia descarada de Carpenter solo aumentan el suspenso

Carpenter

Halloween no trata de mostrarte fisicamente al asesino todo el tiempo, sino de darte la sensación de que el asesino podría estar en cualquier lugar, esperando a que la victima se descuide para dar la puñalada.

Esto se ejemplifica en una toma magnífica donde Jamie Lee Curtis está aterrorizada en primer plano; Detrás de ella, el rectángulo negro de una puerta abierta. La composición nos dice que falta algo, que una figura pronto llenará ese espacio faltante tras el hombro de Lee Curtis. Sucede, por supuesto, pero de la manera más brillante: Divisamos primero la máscara de Michael Myers, esa máscara pálida e inexpresiva iluminada por una luz espectral.

La forma en que Cundey logró esto fue ingeniosa, simplemente tenía una pequeña luz oculta fuera del plano, y por orden de Carpenter, apagó suavemente la luz hasta que la cara de Myers apareció a la vista. El asesino estaba parado allí todo el tiempo, simplemente no podíamos verlo.

Paranoia y música electrónica

Carpenter

“La paranoia entre los personajes era tan fuerte”, dijo Tarantino sobre La Cosa del cineasta John Carpenter,  “atrapado en ese recinto durante tanto tiempo, que rebotó en todas las paredes hasta que no tuvo a dónde ir sino al público. Eso es lo que estaba tratando de lograr con Los Odiosos Ocho“. 

Pocos directores estadounidenses eran expertos en generar un aire de paranoia como Carpenter. De hecho, lo que los cineastas modernos parecen querer usar esta habilidad de Carpenter para crear suspenso a través de tomas simples y música de repique. Los dos emparejados crean una mezcla que es inequívocamente propio de Carpenter. Carpenter ha mantenido durante mucho tiempo, con modestia, que escribió su propia música para sus primeras películas simplemente porque era más económico. Pero los magros, simples ritmos de sus inolvidables partituras electrónicas son una obra maestra digna de un genio.

La paranoia al estilo Carpenter influenció positivamente la película  12 horas para sobrevivir  y su secuela de 2014,  12 horas para sobrevivir: Anarquia El escritor y director James DeMonaco ciertamente no ha ocultado su afecto por Carpenter; él menciona a  Escape de Nueva York  como una de sus principales influencias  e incluso admitió haber escuchado la melodía de  La Cosa (escrita por Ennio Morricone con un estilo decididamente de Carpenter) una y otra vez mientras escribía su guión.

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Oscar 2019: Predicciones en Mejor Actriz

Sin más preámbulos en momento de dar un repaso a las predicciones en Mejor Actriz.

Siempre estoy un poco en conflicto en esta categoría. Tradicionalmente, este es el premio más glamoroso que se otorga en la noche de los Oscar, ya que la expectación es casi tan alta para ver qué lleva puesto la ganador, así como para saber quién será la que gane. En cierto modo es un poco sexista, porque el vestido importa tanto a los ojos de los espectadores como el calibre real de la actuación.

Para mí, sin embargo, el problema real es la previsibilidad. Hubo un momento en que este fue el premio más esperado fuera de Mejor Película. Realmente, nueve de los últimos diez ganadores en esta categoría se decidieron bastante antes, con el último concurso legítimo entre Meryl Streep por The Iron Lady contra Viola Davis para  The Help. Streep terminó ganando esa, y Davis recibió su recompensa unos años más tarde. Para la última sorpresa verdadera en Mejor actriz, tiene que regresar más de una década a Marion Cotillard ganadora de La Vie en Rose, acabando el presunto duelo entre Cate Blanchett y Ellen Page.

Este año, al menos, parece ser una competencia genuina, con dos candidatas. Todavía creo que nos dirigimos hacia un resultado asumido, pero por primera vez en un tiempo, hay al menos ALGUNA intriga.

Los nominados de este año a la Mejor Actriz son:

Yalitza Aparicio, Roma

Pase lo que pase, ella tiene la distinción de ser la primera mujer indígena nominada para el premio y solo la segunda mexicana en general (la otra es Salma Hayek en Frida ). No tiene una formación como actriz y, de hecho, es maestra. Este es su primer papel en una película de cualquier tipo, y ahora tiene el premio más alto que existe, a pesar del hecho de que lo más cercano a una gran nominación antes de los Oscar fue para el premio Critics ‘Choice.

Dicho esto, ¿es esta una actuación digna? Como el punto focal literal de toda la película, mucho depende de su capacidad para reaccionar ante todo lo que sucede a su alrededor y al mismo tiempo captar la atención que recibe de la cámara. En gran medida, ella tiene éxito, pero creo que eso se debe más a la visión artística de Alfonso Cuarón que a la actuación de Aparicio.


Glenn Close, The Wife

Glenn Close dio sin duda el mejor desempeño de su carrera en The Wife. Si bien tiene los monólogos del “Oscar Clip” que tienen todas las actuaciones importantes, ella dice mucho más con sus ojos que con su diálogo.

Ha sido nominada anteriormente, pero no ha logrado la victoria, por lo que esta película fue básicamente orquestada para ganar el premio que su trabajo ha merecido con los años. Hasta ahora, ha conseguido el Golden Globe y el premio SAG.


Olivia Colman,  La favorita

Como la reina Anne, Colman da una actuación increíble. Sus obsesiones con el estado, sus violentos cambios de humor, su autoabsorción y su desenfrenada sexualidad abrieron el camino para convertir lo que podría haber sido una película de disfraces en una de las mejores farsas en los últimos años.

También está hilarante (por ejemplo, gritándole a un portero que la mire y luego que no la mire) y sorprendentemente simpática (evidenciada por los conejos que representan a sus hijos muertos). La reina Anne, o al menos esta versión de ella, exigió una actuación con un grado casi bipolar de rango dramático y cómico, y Colman lo hizo con creces.


Lady Gaga, A Star is Born

Estrictamente hablando, también es una recién llegada como Aparicio, ya que este es su primer papel importante en una película fuera de las películas de conciertos y camos. Incluso hay algo poético sobre la idea de su victoria, ya que las dos primeras versiones de A Star is Born tienen el ingenio de ganar el Oscar a la Mejor Actriz como el momento más importante en el que la estrella en ascenso supera a la caída de su marido.

Como Ally, Gaga hace un buen trabajo. Es difícil separar a la artista de la artesanía en este caso, ya que hay elementos en el arco de la carrera de Gaga dentro del personaje de Ally, pero también hay momentos que son completamente contrarios a lo que ha hecho en la vida real. No hay nada de malo en eso, solo hace que sea difícil analizar la historia y el personaje con el artista de la vida real. Tal vez eso le resta un poco, no lo sé.


Melissa McCarthy, Can You Ever Forgive Me?

McCarthy ciertamente demuestra su valía como Lee Israel. Además de mirar el papel, fue capaz de retratar a la perfección a esta mujer que que solo quería ganarse la vida haciendo lo que mejor hace, lo único a lo que realmente se adaptaba: escribir.

Y parte de la razón por la que esta es una gran actuación es porque pone una cara humana empática en la lucha de la vida real sin que realmente se convierta en melodrama o autoparodia.

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Los mejores superhéroes fuera de Marvel y DC

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En los ultimos años hemos asistido a uno de los exitos más rotundos en el mundo del cine, y no solo en taquilla sino tambien en la critica, hay una ardua batalla en el cine de superhéroes entre Marvel y DC, en estos momentos Marvel está a la cabeza con su Universo Cinematográfico, por otro lado DC ha tenido el exito de Aquaman y Wonder Woman, y películas con una calidad decente como lo es El Hombre de Acero y Batman v Superman.

Pero no todo es Marvel y DC, a lo largo de la historia del cine y la pantalla chica ha habido superhéroes que no pertenecen a estas compañias cinematográficas y hay muchas personas que a pesar de no estar hartas de Marvel y DC, buscan otras opciones, aqui en este post te dejamos los mejores superéroes fuera de los estudios pertenecientes a Warner (DC) y Disney (Marvel).

¿Cuáles son los mejores superhéroes fuera de Marvel y DC?

El Protegido (2000)

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Philadelphia. Año 1961. Un niño de color acaba de nacer en unos grandes almacenes. Un médico acude a ver como se encuentran tanto la madre como el bebé, y horrorizado le pregunta a la mujer si se le ha caído el niño, ya que tiene tanto los brazos como las piernas fracturadas.

Philadelphia. Año 2000.Un hombre llamado David Dunn está en el expreso que va de Nueva York a Philadelphia camino de su casa después de una entrevista de trabajo en la ciudad de los rascacielos. En el tren entabla conversación con una atractiva mujer, pero ésta cree que quiere ligar y se cambia de asiento. Un momento después se produce un dramático accidente.

Los increíbles (2004)

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Una familia de superhéroes casi retirados, algo entraditos en años y kilos, que tratan de sobrevivir en la dura vida diaria, son obligados a volver a la acción… simplemente para salvar al mundo. Bob Paar solía ser uno de los más grandes superhéroes del mundo (también se le conocía como “Mr. Increíble“), salvaba vidas y luchaba contra villanos a diario.

Han pasado 15 años, y Bob y su mujer (una famosa ex-superheroína por derecho propio) han adoptado una identidad civil y se han retirado a la periferia para llevar una vida normal con sus tres hijos. Bob se dedica a comprobar los plazos de las reclamaciones de seguros y lucha contra el aburrimiento y los michelines.

Está deseando volver a entrar en acción, así que cuando recibe una misteriosa comunicación que le ordena dirigirse a una remota isla para cumplir una misión de alto secreto, no se lo piensa dos veces.

La Máscara (1994)

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Stanley es un ingenuo empleado de banca incapaz de enterarse de cuándo se aprovechan de él, al que su jefe mangonea, al que su casera humilla, y al que solamente su perro parece ser capaz de aguantar. Charlie, un amigo suyo, le invita a ir al cabaret Coco Bongo para intentar estimularle y conseguir que espabile.

Pero antes de que eso ocurra, aparece la bella Tina Carlyle, que entra en el banco para hablar con Stanley y de paso fotografiar la caja fuerte con una mini cámara. Es entonces cuando Stanley encuentra una máscara que le da grandes poderes, pero que también le quita todos sus miedos: ahora es libre de actuar como quiera…

El Zorro (1957)

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Diego de la Vega, el único hijo de Don Alejandro, regresa a casa para luchar contra la injusticia y la corrupción reinantes en Monterrey. Durante el día es el tipico chico rico que solo pasea a caballo y toca la guitarra, pero por las noches es un espadachín enmascarado llamado El Zorro.

Hellboy (2004)

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Nacido de las llamas del infierno durante la Segunda Guerra Mundial, Hell-boy (Ron Perlman) fue enviado a la Tierra por el loco diabólico Grigori Rasputín (Karel Ro-den) para hacer el mal. Destinado a ser un presagio del Apocalipsis, Hellboy fue rescatado por las Fuerzas Aliadas lideradas por el profesor Broom (John Hurt), fundador del clandestino I.I.P.D. (Instituto para la Investigación Paranormal y de Defensa), que lo crió como un hijo y desarrolló sus extraordinarios poderes paranormales. A pesar de sus oscuros orígenes, Hellboy se convierte en un extraño héroe del bien, que lucha contra las fuerzas del mal que amenazan nuestro mundo.

Kick-Ass (2010)

superhéroes

Dave Lizewski es un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de donde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una razón significativa para ello.

Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la terremoto de 11 años Hit Girl y su padre, Big Daddy– y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist. Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D’Amico, sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

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