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Especial Glee: Las 10 despedidas de personajes que salvaron la serie

Como ya hemos dicho, la serie original de Fox cumple este año diez años desde su estreno; a lo largo de estos meses estaremos publicando posts para celebrar su aniversario con este Especial Glee.

Cuando los fanáticos se conectan correctamente a un personaje, es algo hermoso. Por ejemplo, la forma en que los fanáticos se conectan con un personaje como Kurt no es por accidente, todo se realizó mediante la escritura y las actuaciones de Chris Colfer. Si se hubiera puesto a alguien más en el rol, o si los episodios se hubieran escrito de manera diferente, la respuesta de los fanáticos definitivamente habría cambiado. Afortunadamente, personajes como este pudieron florecer a lo largo de los años hasta el punto en que se convirtieron en sinónimo del espectáculo, lo que hace que sea muy difícil imaginar lo que  Glee sería como sin Kurt.

Por otro lado, algunos personajes nunca desarrollan esa conexión con el público. La audiencia no elige conectarse con el personaje o, a veces, simplemente no es posible. Esto significa que si ese personaje dejara el programa, nadie lo notaría. De hecho, su partida puede mejorar el espectáculo. Si bien esta es una posición difícil para el actor y el equipo de redacción, deben tomar decisiones difíciles en beneficio del espectáculo. Aquí hay 10 despedidas de personajes que salvaron la serie.

Especial Glee: Las 10 despedidas de personajes que salvaron la serie

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  1. SUGAR MOTTA.

Presentar nuevos personajes a un espectáculo siempre es un asunto peligroso. Para cuando apareció Sugar en la tercera temporada, los fanáticos ya tenían una conexión con los miembros de New Directions. Ya era probable que los fanáticos no aceptaran a un nuevo personaje muy bien, pero no ayudó que Sugar frotara a todos de manera equivocada. Desde el momento en que apareció en la pantalla, los fans estaban irritados y molestos. De hecho, incluso fue nombrada como uno de los personajes más molestos de la televisión en 2012.

Mientras que personajes como Rachel y Artie estuvieron en el programa de principio a fin, la carrera de Sugar solo duró veintiséis episodios. Sin embargo, cuando dejó su papel como miembro recurrente del reparto, los fanáticos se sintieron más aliviados que heridos. Incluso su aparición durante el episodio final de Glee fue suficiente para hacer rodar los ojos.

  1. TERRI SCHUESTER

Algunos personajes solo existen para enfurecer a la audiencia, y nadie hizo un mejor trabajo en eso que Terri Schuester. Desde el momento en que le gritó a Will por primera vez, se convirtió en la persona más odiada del programa. La disposición de Terri para hacer lo que sea necesario para obtener lo que quiere, así como su falta de empatía, la convirtió en una gran villana, pero no la atrajo a ninguno de los fanáticos.

Mientras que cada programa necesita un buen villano, el truco de Terri había seguido su curso cuando ella dejó el programa. Su relación con Will fue irreparable, y los fanáticos estaban emocionados de verlo comenzar una relación con Emma.

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  1. DANI

Las temporadas finales de Glee se basaron en gran medida en las estrellas invitadas. Si bien las temporadas anteriores tenían estrellas que deambulaban por los pasillos de McKinley, las nuevas temporadas lo llevaron demasiado lejos. Se introdujeron nuevos personajes con demasiada frecuencia que los fans no desarrollaron una conexión adecuada con ellos. En lugar de establecer estas estrellas invitadas con historias de fondo adecuadas, se las empujó a toda prisa para capitalizar las oportunidades de canciones.

Cuando Dani, o Demi Lovato, fue presentada como la novia de Santana en la temporada cinco, los fanáticos estaban confundidos. Dani nunca había sido vista en la pantalla antes, sin embargo, se suponía que debían creer que se habían enamorado la una de la otra. En realidad, parecía que Lovato se presentó al programa porque ella era una fanática y quería hacer algunas apariciones. Esta debe ser la razón por la que los fans no la echaron de menos después de su rápida salida después de cuatro episodios.

  1. MARLEY ROSE

La introducción de nuevos personajes en New Directions se realizó para tratar de llenar el vacío dejado por los muchos estudiantes graduados. Después de que muchos miembros del elenco principal dejaran McKinley, se necesitaron nuevas caras para llenar el club. Sin embargo, en lugar de que cada personaje sea su propia personalidad, algunos se hicieron para imitar a los miembros mayores. De hecho, uno incluso fue apodada “La Nueva Rachel”.

Marley Rose ciertamente tenía muchas buenas cualidades, su voz era hermosa y era un personaje interesante, sin embargo, los fanáticos no se conectaron con ella tanto como lo hicieron con Rachel. Tampoco la ayudó porque estaba siendo posicionada de esta manera.

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  1. MATT RUTHERFORD

Matt Rutherford siempre será el miembro de New Directions que todos olvidarán. Fue el único miembro original de la primera temporada que no llegó a la segunda temporada y apenas habló en la pantalla. De hecho, fue uno de los nuevos miembros del grupo que nunca tuvo su propio solo durante un episodio. Matt era un artista de fondo para el grupo, pero los fans no lo echaban de menos si no aparecía.

La única explicación dada por la ausencia de Matt para el resto de la serie es que se transfirió de escuela. Además, esta fue la única explicación que requirieron los fanáticos, ya que apenas notaron que faltaba. El espectáculo continuó sin él e hizo espacio para más personajes interesantes después de que se fue.

  1. RORY FLANAGAN

No todos los ganadores del Proyecto Glee son creados iguales. Si bien Ryder Lynn era un personaje popular, el ganador de la primera temporada del programa no tuvo tanta suerte. Rory Flanagan era un estudiante de intercambio que se inscribió en McKinley y terminó por unirse al coro del espectáculo.

Se estableció desde el principio que Rory tenía un tiempo limitado en el programa y volvería pronto a Irlanda. Esta fue una excusa para que los fanáticos no se conectaran con él, y no ganó mucha popularidad. De hecho, cuando anunció que volvería a Irlanda después de su primera temporada, ni siquiera los personajes del programa lo iban a extrañar.

  1. JOE HART

Algunos personajes ni siquiera tienen la oportunidad de obtener seguidores. Hubo una serie de nuevos personajes introducidos durante las temporadas medias de la serie y no fueron tratados tan bien como los regulares. En lugar de recibir arcos de historias convincentes, fueron relegados a un segundo plano. Y cuando el programa decidió que ya no los necesitaban, estaban fuera sin ninguna explicación.

En lo que respecta a Joe Hart, apareció sin una gran historia a seguir. Su falta de apariencias incluso se convirtió en una broma durante la serie. No hace falta decir que cuando dejó de aparecer, hizo más bien que mal.

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  1. SANDY RYERSON

Pocos fanáticos de Glee se olvidan de algunos de los orígenes sórdidos del espectáculo. Teniendo en cuenta que son contrarios al mensaje que el programa trató de enviar, es probable que se olviden. De todos los personajes de la primera temporada, los fanáticos están muy agradecidos de que Sandy Ryerson haya sido eliminada.

Sandy era un personaje inapropiado en el programa y no tenía un lugar. Las bromas sobre el contacto inapropiado habían perdido su brillo y también su necesidad de ser miembro del elenco. Aparte de proporcionar una forma para que Will se apoderara de Nuevas Direcciones, tenía poco propósito.

  1. KEN TANAKA

Mirando hacia atrás en la primera temporada de Glee, se hicieron muchos cambios para mejorar a lo largo de la serie. La primera temporada tuvo un gran énfasis en las relaciones entre los adultos en el programa, particularmente los miembros del personal de McKinley. Los fanáticos estaban mucho más interesados ​​en los New Directions y no les importaban las historias de profesores, incluido el entrenador de fútbol Ken Tanaka.

Si bien la historia entre Will y Emma fue convincente, se dedicó demasiado tiempo a su triángulo amoroso con Ken. Afortunadamente, una vez que Will y Emma terminaron juntos, Ken fue retirado del programa con bastante rapidez. No le quedaba nada, y era mejor que no se quedara.

  1. “STARCHILD”

Resultado de imagen para starchild gleeA veces, incluso los cantantes más talentosos pueden tener dificultades para conectarse con los fans. No hay duda de que Adam Lambert tiene un talento increíble, pero su aparición como “Starchild” dejó mucho a la imaginación.

Afortunadamente, cada una de las actuaciones de Starchild se completó con el sonido exclusivo de Lambert, sin embargo, a su personaje le faltaba algo de profundidad. Todo lo que se sabe acerca de él es que le gusta actuar y hacer espectáculos elaborados para expresarse. Sin más que eso, fue difícil para los fanáticos conectarse con él con algo más que su voz de canto. Si le hubieran dado más tiempo y una oportunidad de historia más seria, Lambert podría haber sido un gran activo. Desafortunadamente, su tiempo fue demasiado rápido, pero nadie realmente se quejó.

 

 

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John Carpenter: Analizando su estilo y su creciente influencia [Parte 1]

Carpenter

Martin Scorsese, Steven Spielberg o George Lucas son algunos de los cineastas estadounidenses más influyentes, aclamados y exitosos de su generación. Pero hay un director de EE. UU., cuya carrera también comenzó en la década de 1970, que posiblemente sea tan influyente como cualquiera de ellos. John Carpenter nunca fue parte de la multitud del “muchacho de la película”, que también incluía a Brian De Palma y Francis Ford Coppola.

Carpenter no necesariamente disfrutó del éxito de un Oscar como Spielberg o, de hecho, del multimillonario imperio de George Lucas. Pero el trabajo único de John Carpenter, particularmente el que se creó durante su extraordinaria carrera en los años 70 y 80, es una fascinación particular para una nueva generación de jóvenes cineastas.

Directores como Adam Wingard, James DeMonaco y David Robert Mitchell se están refiriendo a Carpenter en su trabajo, o citan abiertamente al maestro del horror como una influencia en las entrevistas. Entertainment Weekly  una vez destacó a John Carpenter como el director más influyente de 2014, y su alcance no fue de ninguna manera algo extraño, ya que no se limitaba a ese año en particular.

La película de Jeremy Saulnier,  Habitación Verde  tiene unos tintes claramente del cine de Carpenter, mientras que James DeMonaco pareciera que está canalizando el espíritu de John Carpenter , para ser más exactos de sus películas Asalto a la Comisaría del Distrito 13  y  1997: Escape de Nueva York, una vez más en su secuela de ciencia ficción,  12 Horas Para Sobrevivir: El Año de la Elección.

El uso de las tomas largas

La genialidad de la primera toma de Halloween  de 1978  estableció perfectamente el tono de la película de Slasher que cambia el juego de Carpenter. En lo que recuerda los controvertidos momentos subjetivos de Tres Rostros Para el Miedo  de Michael Powell  (1960), la secuencia nos lleva a un recorrido en primera persona por la casa de Myers; nos convertimos en espectadores cuando una mujer se viste y luego es brutalmente apuñalada.

Para el ojo moderno estas secuencias utilizadas en la pelicula Halloween esto puede no parecer tan impresionante. Pero considere esto:  Halloween  recibió un presupuesto de 325.000 dólares. La secuencia inicial de la familia Myers no se filmó hasta el último día de la enérgica producción de  Halloween; para este punto, Carpenter probablemente habría sido sabio para filmar la escena en un estilo más convencional.

En cambio, hizo que el operador de la cámara Ray Stella se paseara por la casa de Myers con una cámara Panaglide, a través de la cocina, subiendo escaleras, mientras el resto de trabajadores se apresuraba detrás de él, apartando las luces y las piezas del equipo.

Mucho más que un truco, la larga apertura de Halloween es un ejemplo del interés de Carpenter en usar la cámara para establecer la geografía de un entorno. El cineasta Dean Cundey fue clave para esto, y se podría argumentar que gran parte del trabajo de Carpenter simplemente no habría sido lo mismo sin él. El ingenioso uso de la iluminación, el encuadre y las tomas de seguimiento largas le dieron a  Halloween una sofisticación que le faltaba en la mayoría de las películas de terror de esa época.

Trabajos similares

John Carpenter hizo algo similar en su primer largometraje profesional  Asalto a la Comisaría del Distrito 13,  donde el desarrollo deliberado introduce el edificio de la policía en la mente del espectador: es posible que no notemos conscientemente lo que está haciendo Carpenter, pero está estableciendo el diseño en la mente del público un recinto policial remoto, un lugar que pronto se convertirá en un campo de batalla.

En La Cosa,  Carpenter usa una Steadicam y hace tomas largas para establecer la localización en la Antártida. Carpenter nos hace comprender la forma en que los pasillos estrechos conectan con la cocina, la sala de recreo y la vivienda. Podemos ver que la base es lo suficientemente grande como para que la gente, y los perros, puedan, si así lo desean, escabullirse sin ser vistos. Y al igual que en  Halloween , el uso de esas tomas largas y bajas establece el sentimiento de premonición y violencia inminente. 

Uso del encuadre para generar suspenso

La retención constante de sangre y la violencia descarada de Carpenter solo aumentan el suspenso

Carpenter

Halloween no trata de mostrarte fisicamente al asesino todo el tiempo, sino de darte la sensación de que el asesino podría estar en cualquier lugar, esperando a que la victima se descuide para dar la puñalada.

Esto se ejemplifica en una toma magnífica donde Jamie Lee Curtis está aterrorizada en primer plano; Detrás de ella, el rectángulo negro de una puerta abierta. La composición nos dice que falta algo, que una figura pronto llenará ese espacio faltante tras el hombro de Lee Curtis. Sucede, por supuesto, pero de la manera más brillante: Divisamos primero la máscara de Michael Myers, esa máscara pálida e inexpresiva iluminada por una luz espectral.

La forma en que Cundey logró esto fue ingeniosa, simplemente tenía una pequeña luz oculta fuera del plano, y por orden de Carpenter, apagó suavemente la luz hasta que la cara de Myers apareció a la vista. El asesino estaba parado allí todo el tiempo, simplemente no podíamos verlo.

Paranoia y música electrónica

Carpenter

“La paranoia entre los personajes era tan fuerte”, dijo Tarantino sobre La Cosa del cineasta John Carpenter,  “atrapado en ese recinto durante tanto tiempo, que rebotó en todas las paredes hasta que no tuvo a dónde ir sino al público. Eso es lo que estaba tratando de lograr con Los Odiosos Ocho“. 

Pocos directores estadounidenses eran expertos en generar un aire de paranoia como Carpenter. De hecho, lo que los cineastas modernos parecen querer usar esta habilidad de Carpenter para crear suspenso a través de tomas simples y música de repique. Los dos emparejados crean una mezcla que es inequívocamente propio de Carpenter. Carpenter ha mantenido durante mucho tiempo, con modestia, que escribió su propia música para sus primeras películas simplemente porque era más económico. Pero los magros, simples ritmos de sus inolvidables partituras electrónicas son una obra maestra digna de un genio.

La paranoia al estilo Carpenter influenció positivamente la película  12 horas para sobrevivir  y su secuela de 2014,  12 horas para sobrevivir: Anarquia El escritor y director James DeMonaco ciertamente no ha ocultado su afecto por Carpenter; él menciona a  Escape de Nueva York  como una de sus principales influencias  e incluso admitió haber escuchado la melodía de  La Cosa (escrita por Ennio Morricone con un estilo decididamente de Carpenter) una y otra vez mientras escribía su guión.

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Oscar 2019: Predicciones en Mejor Actriz

Sin más preámbulos en momento de dar un repaso a las predicciones en Mejor Actriz.

Siempre estoy un poco en conflicto en esta categoría. Tradicionalmente, este es el premio más glamoroso que se otorga en la noche de los Oscar, ya que la expectación es casi tan alta para ver qué lleva puesto la ganador, así como para saber quién será la que gane. En cierto modo es un poco sexista, porque el vestido importa tanto a los ojos de los espectadores como el calibre real de la actuación.

Para mí, sin embargo, el problema real es la previsibilidad. Hubo un momento en que este fue el premio más esperado fuera de Mejor Película. Realmente, nueve de los últimos diez ganadores en esta categoría se decidieron bastante antes, con el último concurso legítimo entre Meryl Streep por The Iron Lady contra Viola Davis para  The Help. Streep terminó ganando esa, y Davis recibió su recompensa unos años más tarde. Para la última sorpresa verdadera en Mejor actriz, tiene que regresar más de una década a Marion Cotillard ganadora de La Vie en Rose, acabando el presunto duelo entre Cate Blanchett y Ellen Page.

Este año, al menos, parece ser una competencia genuina, con dos candidatas. Todavía creo que nos dirigimos hacia un resultado asumido, pero por primera vez en un tiempo, hay al menos ALGUNA intriga.

Los nominados de este año a la Mejor Actriz son:

Yalitza Aparicio, Roma

Pase lo que pase, ella tiene la distinción de ser la primera mujer indígena nominada para el premio y solo la segunda mexicana en general (la otra es Salma Hayek en Frida ). No tiene una formación como actriz y, de hecho, es maestra. Este es su primer papel en una película de cualquier tipo, y ahora tiene el premio más alto que existe, a pesar del hecho de que lo más cercano a una gran nominación antes de los Oscar fue para el premio Critics ‘Choice.

Dicho esto, ¿es esta una actuación digna? Como el punto focal literal de toda la película, mucho depende de su capacidad para reaccionar ante todo lo que sucede a su alrededor y al mismo tiempo captar la atención que recibe de la cámara. En gran medida, ella tiene éxito, pero creo que eso se debe más a la visión artística de Alfonso Cuarón que a la actuación de Aparicio.


Glenn Close, The Wife

Glenn Close dio sin duda el mejor desempeño de su carrera en The Wife. Si bien tiene los monólogos del “Oscar Clip” que tienen todas las actuaciones importantes, ella dice mucho más con sus ojos que con su diálogo.

Ha sido nominada anteriormente, pero no ha logrado la victoria, por lo que esta película fue básicamente orquestada para ganar el premio que su trabajo ha merecido con los años. Hasta ahora, ha conseguido el Golden Globe y el premio SAG.


Olivia Colman,  La favorita

Como la reina Anne, Colman da una actuación increíble. Sus obsesiones con el estado, sus violentos cambios de humor, su autoabsorción y su desenfrenada sexualidad abrieron el camino para convertir lo que podría haber sido una película de disfraces en una de las mejores farsas en los últimos años.

También está hilarante (por ejemplo, gritándole a un portero que la mire y luego que no la mire) y sorprendentemente simpática (evidenciada por los conejos que representan a sus hijos muertos). La reina Anne, o al menos esta versión de ella, exigió una actuación con un grado casi bipolar de rango dramático y cómico, y Colman lo hizo con creces.


Lady Gaga, A Star is Born

Estrictamente hablando, también es una recién llegada como Aparicio, ya que este es su primer papel importante en una película fuera de las películas de conciertos y camos. Incluso hay algo poético sobre la idea de su victoria, ya que las dos primeras versiones de A Star is Born tienen el ingenio de ganar el Oscar a la Mejor Actriz como el momento más importante en el que la estrella en ascenso supera a la caída de su marido.

Como Ally, Gaga hace un buen trabajo. Es difícil separar a la artista de la artesanía en este caso, ya que hay elementos en el arco de la carrera de Gaga dentro del personaje de Ally, pero también hay momentos que son completamente contrarios a lo que ha hecho en la vida real. No hay nada de malo en eso, solo hace que sea difícil analizar la historia y el personaje con el artista de la vida real. Tal vez eso le resta un poco, no lo sé.


Melissa McCarthy, Can You Ever Forgive Me?

McCarthy ciertamente demuestra su valía como Lee Israel. Además de mirar el papel, fue capaz de retratar a la perfección a esta mujer que que solo quería ganarse la vida haciendo lo que mejor hace, lo único a lo que realmente se adaptaba: escribir.

Y parte de la razón por la que esta es una gran actuación es porque pone una cara humana empática en la lucha de la vida real sin que realmente se convierta en melodrama o autoparodia.

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Los mejores superhéroes fuera de Marvel y DC

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En los ultimos años hemos asistido a uno de los exitos más rotundos en el mundo del cine, y no solo en taquilla sino tambien en la critica, hay una ardua batalla en el cine de superhéroes entre Marvel y DC, en estos momentos Marvel está a la cabeza con su Universo Cinematográfico, por otro lado DC ha tenido el exito de Aquaman y Wonder Woman, y películas con una calidad decente como lo es El Hombre de Acero y Batman v Superman.

Pero no todo es Marvel y DC, a lo largo de la historia del cine y la pantalla chica ha habido superhéroes que no pertenecen a estas compañias cinematográficas y hay muchas personas que a pesar de no estar hartas de Marvel y DC, buscan otras opciones, aqui en este post te dejamos los mejores superéroes fuera de los estudios pertenecientes a Warner (DC) y Disney (Marvel).

¿Cuáles son los mejores superhéroes fuera de Marvel y DC?

El Protegido (2000)

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Philadelphia. Año 1961. Un niño de color acaba de nacer en unos grandes almacenes. Un médico acude a ver como se encuentran tanto la madre como el bebé, y horrorizado le pregunta a la mujer si se le ha caído el niño, ya que tiene tanto los brazos como las piernas fracturadas.

Philadelphia. Año 2000.Un hombre llamado David Dunn está en el expreso que va de Nueva York a Philadelphia camino de su casa después de una entrevista de trabajo en la ciudad de los rascacielos. En el tren entabla conversación con una atractiva mujer, pero ésta cree que quiere ligar y se cambia de asiento. Un momento después se produce un dramático accidente.

Los increíbles (2004)

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Una familia de superhéroes casi retirados, algo entraditos en años y kilos, que tratan de sobrevivir en la dura vida diaria, son obligados a volver a la acción… simplemente para salvar al mundo. Bob Paar solía ser uno de los más grandes superhéroes del mundo (también se le conocía como “Mr. Increíble“), salvaba vidas y luchaba contra villanos a diario.

Han pasado 15 años, y Bob y su mujer (una famosa ex-superheroína por derecho propio) han adoptado una identidad civil y se han retirado a la periferia para llevar una vida normal con sus tres hijos. Bob se dedica a comprobar los plazos de las reclamaciones de seguros y lucha contra el aburrimiento y los michelines.

Está deseando volver a entrar en acción, así que cuando recibe una misteriosa comunicación que le ordena dirigirse a una remota isla para cumplir una misión de alto secreto, no se lo piensa dos veces.

La Máscara (1994)

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Stanley es un ingenuo empleado de banca incapaz de enterarse de cuándo se aprovechan de él, al que su jefe mangonea, al que su casera humilla, y al que solamente su perro parece ser capaz de aguantar. Charlie, un amigo suyo, le invita a ir al cabaret Coco Bongo para intentar estimularle y conseguir que espabile.

Pero antes de que eso ocurra, aparece la bella Tina Carlyle, que entra en el banco para hablar con Stanley y de paso fotografiar la caja fuerte con una mini cámara. Es entonces cuando Stanley encuentra una máscara que le da grandes poderes, pero que también le quita todos sus miedos: ahora es libre de actuar como quiera…

El Zorro (1957)

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Diego de la Vega, el único hijo de Don Alejandro, regresa a casa para luchar contra la injusticia y la corrupción reinantes en Monterrey. Durante el día es el tipico chico rico que solo pasea a caballo y toca la guitarra, pero por las noches es un espadachín enmascarado llamado El Zorro.

Hellboy (2004)

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Nacido de las llamas del infierno durante la Segunda Guerra Mundial, Hell-boy (Ron Perlman) fue enviado a la Tierra por el loco diabólico Grigori Rasputín (Karel Ro-den) para hacer el mal. Destinado a ser un presagio del Apocalipsis, Hellboy fue rescatado por las Fuerzas Aliadas lideradas por el profesor Broom (John Hurt), fundador del clandestino I.I.P.D. (Instituto para la Investigación Paranormal y de Defensa), que lo crió como un hijo y desarrolló sus extraordinarios poderes paranormales. A pesar de sus oscuros orígenes, Hellboy se convierte en un extraño héroe del bien, que lucha contra las fuerzas del mal que amenazan nuestro mundo.

Kick-Ass (2010)

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Dave Lizewski es un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de donde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una razón significativa para ello.

Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la terremoto de 11 años Hit Girl y su padre, Big Daddy– y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist. Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D’Amico, sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

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