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Especial Glee: Las 10 despedidas de personajes que salvaron la serie

Como ya hemos dicho, la serie original de Fox cumple este año diez años desde su estreno; a lo largo de estos meses estaremos publicando posts para celebrar su aniversario con este Especial Glee.

Cuando los fanáticos se conectan correctamente a un personaje, es algo hermoso. Por ejemplo, la forma en que los fanáticos se conectan con un personaje como Kurt no es por accidente, todo se realizó mediante la escritura y las actuaciones de Chris Colfer. Si se hubiera puesto a alguien más en el rol, o si los episodios se hubieran escrito de manera diferente, la respuesta de los fanáticos definitivamente habría cambiado. Afortunadamente, personajes como este pudieron florecer a lo largo de los años hasta el punto en que se convirtieron en sinónimo del espectáculo, lo que hace que sea muy difícil imaginar lo que  Glee sería como sin Kurt.

Por otro lado, algunos personajes nunca desarrollan esa conexión con el público. La audiencia no elige conectarse con el personaje o, a veces, simplemente no es posible. Esto significa que si ese personaje dejara el programa, nadie lo notaría. De hecho, su partida puede mejorar el espectáculo. Si bien esta es una posición difícil para el actor y el equipo de redacción, deben tomar decisiones difíciles en beneficio del espectáculo. Aquí hay 10 despedidas de personajes que salvaron la serie.

Especial Glee: Las 10 despedidas de personajes que salvaron la serie

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  1. SUGAR MOTTA.

Presentar nuevos personajes a un espectáculo siempre es un asunto peligroso. Para cuando apareció Sugar en la tercera temporada, los fanáticos ya tenían una conexión con los miembros de New Directions. Ya era probable que los fanáticos no aceptaran a un nuevo personaje muy bien, pero no ayudó que Sugar frotara a todos de manera equivocada. Desde el momento en que apareció en la pantalla, los fans estaban irritados y molestos. De hecho, incluso fue nombrada como uno de los personajes más molestos de la televisión en 2012.

Mientras que personajes como Rachel y Artie estuvieron en el programa de principio a fin, la carrera de Sugar solo duró veintiséis episodios. Sin embargo, cuando dejó su papel como miembro recurrente del reparto, los fanáticos se sintieron más aliviados que heridos. Incluso su aparición durante el episodio final de Glee fue suficiente para hacer rodar los ojos.

  1. TERRI SCHUESTER

Algunos personajes solo existen para enfurecer a la audiencia, y nadie hizo un mejor trabajo en eso que Terri Schuester. Desde el momento en que le gritó a Will por primera vez, se convirtió en la persona más odiada del programa. La disposición de Terri para hacer lo que sea necesario para obtener lo que quiere, así como su falta de empatía, la convirtió en una gran villana, pero no la atrajo a ninguno de los fanáticos.

Mientras que cada programa necesita un buen villano, el truco de Terri había seguido su curso cuando ella dejó el programa. Su relación con Will fue irreparable, y los fanáticos estaban emocionados de verlo comenzar una relación con Emma.

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  1. DANI

Las temporadas finales de Glee se basaron en gran medida en las estrellas invitadas. Si bien las temporadas anteriores tenían estrellas que deambulaban por los pasillos de McKinley, las nuevas temporadas lo llevaron demasiado lejos. Se introdujeron nuevos personajes con demasiada frecuencia que los fans no desarrollaron una conexión adecuada con ellos. En lugar de establecer estas estrellas invitadas con historias de fondo adecuadas, se las empujó a toda prisa para capitalizar las oportunidades de canciones.

Cuando Dani, o Demi Lovato, fue presentada como la novia de Santana en la temporada cinco, los fanáticos estaban confundidos. Dani nunca había sido vista en la pantalla antes, sin embargo, se suponía que debían creer que se habían enamorado la una de la otra. En realidad, parecía que Lovato se presentó al programa porque ella era una fanática y quería hacer algunas apariciones. Esta debe ser la razón por la que los fans no la echaron de menos después de su rápida salida después de cuatro episodios.

  1. MARLEY ROSE

La introducción de nuevos personajes en New Directions se realizó para tratar de llenar el vacío dejado por los muchos estudiantes graduados. Después de que muchos miembros del elenco principal dejaran McKinley, se necesitaron nuevas caras para llenar el club. Sin embargo, en lugar de que cada personaje sea su propia personalidad, algunos se hicieron para imitar a los miembros mayores. De hecho, uno incluso fue apodada «La Nueva Rachel».

Marley Rose ciertamente tenía muchas buenas cualidades, su voz era hermosa y era un personaje interesante, sin embargo, los fanáticos no se conectaron con ella tanto como lo hicieron con Rachel. Tampoco la ayudó porque estaba siendo posicionada de esta manera.

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  1. MATT RUTHERFORD

Matt Rutherford siempre será el miembro de New Directions que todos olvidarán. Fue el único miembro original de la primera temporada que no llegó a la segunda temporada y apenas habló en la pantalla. De hecho, fue uno de los nuevos miembros del grupo que nunca tuvo su propio solo durante un episodio. Matt era un artista de fondo para el grupo, pero los fans no lo echaban de menos si no aparecía.

La única explicación dada por la ausencia de Matt para el resto de la serie es que se transfirió de escuela. Además, esta fue la única explicación que requirieron los fanáticos, ya que apenas notaron que faltaba. El espectáculo continuó sin él e hizo espacio para más personajes interesantes después de que se fue.

  1. RORY FLANAGAN

No todos los ganadores del Proyecto Glee son creados iguales. Si bien Ryder Lynn era un personaje popular, el ganador de la primera temporada del programa no tuvo tanta suerte. Rory Flanagan era un estudiante de intercambio que se inscribió en McKinley y terminó por unirse al coro del espectáculo.

Se estableció desde el principio que Rory tenía un tiempo limitado en el programa y volvería pronto a Irlanda. Esta fue una excusa para que los fanáticos no se conectaran con él, y no ganó mucha popularidad. De hecho, cuando anunció que volvería a Irlanda después de su primera temporada, ni siquiera los personajes del programa lo iban a extrañar.

  1. JOE HART

Algunos personajes ni siquiera tienen la oportunidad de obtener seguidores. Hubo una serie de nuevos personajes introducidos durante las temporadas medias de la serie y no fueron tratados tan bien como los regulares. En lugar de recibir arcos de historias convincentes, fueron relegados a un segundo plano. Y cuando el programa decidió que ya no los necesitaban, estaban fuera sin ninguna explicación.

En lo que respecta a Joe Hart, apareció sin una gran historia a seguir. Su falta de apariencias incluso se convirtió en una broma durante la serie. No hace falta decir que cuando dejó de aparecer, hizo más bien que mal.

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  1. SANDY RYERSON

Pocos fanáticos de Glee se olvidan de algunos de los orígenes sórdidos del espectáculo. Teniendo en cuenta que son contrarios al mensaje que el programa trató de enviar, es probable que se olviden. De todos los personajes de la primera temporada, los fanáticos están muy agradecidos de que Sandy Ryerson haya sido eliminada.

Sandy era un personaje inapropiado en el programa y no tenía un lugar. Las bromas sobre el contacto inapropiado habían perdido su brillo y también su necesidad de ser miembro del elenco. Aparte de proporcionar una forma para que Will se apoderara de Nuevas Direcciones, tenía poco propósito.

  1. KEN TANAKA

Mirando hacia atrás en la primera temporada de Glee, se hicieron muchos cambios para mejorar a lo largo de la serie. La primera temporada tuvo un gran énfasis en las relaciones entre los adultos en el programa, particularmente los miembros del personal de McKinley. Los fanáticos estaban mucho más interesados ​​en los New Directions y no les importaban las historias de profesores, incluido el entrenador de fútbol Ken Tanaka.

Si bien la historia entre Will y Emma fue convincente, se dedicó demasiado tiempo a su triángulo amoroso con Ken. Afortunadamente, una vez que Will y Emma terminaron juntos, Ken fue retirado del programa con bastante rapidez. No le quedaba nada, y era mejor que no se quedara.

  1. «STARCHILD»

Resultado de imagen para starchild gleeA veces, incluso los cantantes más talentosos pueden tener dificultades para conectarse con los fans. No hay duda de que Adam Lambert tiene un talento increíble, pero su aparición como «Starchild» dejó mucho a la imaginación.

Afortunadamente, cada una de las actuaciones de Starchild se completó con el sonido exclusivo de Lambert, sin embargo, a su personaje le faltaba algo de profundidad. Todo lo que se sabe acerca de él es que le gusta actuar y hacer espectáculos elaborados para expresarse. Sin más que eso, fue difícil para los fanáticos conectarse con él con algo más que su voz de canto. Si le hubieran dado más tiempo y una oportunidad de historia más seria, Lambert podría haber sido un gran activo. Desafortunadamente, su tiempo fue demasiado rápido, pero nadie realmente se quejó.

 

 

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Análisis de Con La Muerte en los Talones, más que una película de espías

Con La Muerte en los Talones

Hoy les traemos el análisis de Con La Muerte en los Talones, después de haber traído Psicosis y Vértigo del director Alfred Hitchcock. Con La Muerte en los Talones (North by Northwest) es una película de 1959, dirigida por el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, con Cary Grant (en su cuarta colaboración con el director, después de Sospecha, Encadenados y Atrapa a un ladrón) y con Eva Marie Saint, actriz pedida por el director.

Los apasionados del director Alfred Hitchcock, no pueden perderse esta joya del cine, Hitchcock da lugar a una dirección sublime, lindando con la perfección, a través de la cual el concepto de intercambio de identidad, de imposibilidad de el protagonista de demostrar que no es George Kaplan, del amor bueno y malo hacia la misma mujer, una mujer que juega para ambos lados, ya que es una doble agente.

Con La Muerte en los Talones es una película que pasa de lo normal a lo extraordinario

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant en la famosa escena en la que intenta escapar del ataque aéreo en los campos de trigo

El suspenso está magistralmente llevado de la mano de Hitchcock, a quien logra dar diferentes facetas, primero con la persecución en los campos de trigo en una secuencia que dura unos 10 minutos, de los cuales la mayoría son solo visuales, es decir, sin diálogo, y la secuencia final con el intento de fuga de los dos protagonistas en el Monte Rushmore es de una delicia visual importante.

Es una película que sigue un camino empinado, como el que emprende el personaje de Cary Grant en la primera de numerosas secuencias de suspenso, comprometiéndose de inmediato con una maniobra al volante para esquivar a la muerte. Hitchcock tarda sólo dos minutos, la partitura de prensa de Bernard Herrmann y los créditos iniciales con vectores animados por Saul Bass, para preparar todo un mundo narrativo donde un simple chasquido de dedos permite pasar de lo normal a lo extraordinario.

Hitchcock confía al encanto y la ironía de Cary Grant la tarea de relajar el suspenso y atenuar la hipérbole de la trama. El actor británico media la improbabilidad de su situación trabajando con atractivo y sarcasmo, malicia y burla,  dedicando sus momentos de relajación al humor brillante y al juego de seducción.

Una película que oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant como George Kaplan se mete en muchas situaciones de peligro y en las que necesitará de ayuda

En una tensión constante entre la desorientación y la determinación, el cinismo y el romanticismo, asistimos a su evolución de un publicista cínico e inmaduro a un héroe atrevido y enamorado. Después de todo, dentro de esta intriga, lo que más le interesa a Hitchcock no es el aspecto de espionaje «internacional» de la trama, sino la singularidad del camino que lleva a Roger Thornhill a convertirse en George Kaplan.

Thornhill debe convertirse en Kaplan y ponerse en sus zapatos para poder deshacer el enredo, dominar la complejidad de la situación en la que se encontraba a pesar de sí mismo y conquistar a la mujer que ama. Este juego oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad, ve su momento central en la famosa secuencia del ataque aéreo contra Thornhill quien creen que es George Kaplan.

Una obra maestra construida sobre la tensión, la puesta en escena es la suma perfecta de todo lo que hace grande a Hitchcock, la técnica compositiva, el ritmo del montaje, la ironía de las miradas de Grant, la sensación de indeterminación ligada a un peligro que puede llegar a cualquier parte. Incluso en medio de los campos de Illinois o un ataque desde el cielo, estos elementos hacen que Con La Muerte en los Talones sea más que una película de espías.

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Los mejores personajes femeninos de James Bond

los mejores personajes femeninos de James Bond

A la saga 007 la han acusado de misógina muchas veces, de querer hacer de las mujeres objetos para beneficio de Bond y puede que parte de eso sea cierto pero los mejores personajes femeninos de James Bond nos confirman que dentro de la saga también han existido papeles importantes para mujeres. A la espera de No Time to Die, donde el personaje de Ana de Armas se apunta como uno inolvidable, traemos una lista como antesala.

Una carrera como superespía no es la línea de trabajo más segura. Incluso si eres tan bueno en el juego como lo es James Bond, todavía hay momentos en que el socio adecuado marca la diferencia en el mundo. Pero a lo largo de la historia de la franquicia Bond, ha habido mujeres muy importantes sin las cuales el trabajo nunca se habría hecho.

Los mejores personajes femeninos de James Bond

Algunas comenzaron como villanas, otras eran aliadas y, en un caso especial, las diferentes medidas de ayuda y daño mantuvieron las cosas interesantes de la manera más asombrosa. Estos son los mejores personajes femeninos de James Bond…

Pussy Galore, Goldfinger

 

Cuando salió por primera vez en Goldfinger la vimos como pilota privada/co-conspiradora del malvado complot de Auric Goldfinger; luego Pussy Galore de Honor Blackman acabó ayudando a 007 a frustrar la «Operación Grand Slam«, sellando así su turno para el lado bueno. Ver a esta legendaria mujer Bond en acción, tanto en nombre de la guerra como de la paz, es un firme recordatorio de que no siempre es fácil para James salirse con la suya, especialmente cuando la mujer que está tratando de atrapar está armada y tiene muchos recursos.

Anya «Agente XXX» Amasova, la espía que me amó

 

La comandante Anya Amasova (Barbara Bach) de la KGB es, esencialmente, la versión rusa de James Bond. Vengando la muerte de un amante que 007 mató en acción, la mujer conocida como Agente XXX se nos presenta en una misión para seducir y conquistar en nombre del enemigo. Al presentar el concepto de uso frecuente de otro operativo que trabaja contra Bond, solo para unir fuerzas con él cuando las cosas se ponen difíciles, la Mayor Amasova sería crucial para frustrar la trama del malvado magnate naviero Karl Stromberg (Curd Jürgens).

Pam Bouvier, Licencia para matar

 

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A través del engaño y las operaciones de encubrimiento profundo, la agente de la CIA Pam Bouvier (Carey Lowell) estaba en los planes malvados del traficante de drogas Franz Sánchez (Robert Davi) antes incluso de incurrir en la ira de la peligrosa y mortal versión de James Bond de Timothy Dalton. Con License To Kill ver a Bond en una misión de pura venganza después de que un ataque personal y particularmente cruel deja a la esposa de Felix Leiter (David Hedison) muerta. Si no fuera por la ayuda de la agente Bouvier a navegar por el paisaje, así como por algunos de los trucos que tenía bajo la manga funcionando a la perfección, Bond nunca habría obtenido la venganza por la que abandonó el MI6 (nuevamente).

Wai Lin, El mañana nunca muere

 

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Michelle Yeoh interpretó a una de las mujeres Bond más memorables que jamás haya aparecido en la gran pantalla: la coronel Wai Lin de la Fuerza de Seguridad Externa del Pueblo Chino. Una figura crucial en El mañana nunca muere de 1997; Wai Lin estaba investigando la trama malvada del villano de Bond, Elliot Carver(Jonathan Pryce), un megalómano que planeaba comenzar la Tercera Guerra Mundial para obtener calificaciones y beneficio personal. En un par de encuentros los dos unirían fuerzas para acabar con el magnate de los medios.

Elektra King, El mundo nunca es suficiente

 

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Quizás una de las villanas más astutas de Bond, Sophie Marceau dio un giro increíble en The World is Not Enough de 1999 como la malvada Elektra King. Con su padre muerto en los pre-créditos de la película, se veía a Elektra afligida, temiendo la amenaza del terrorista Renard (Robert Carlyle), quien se percibía que la acechaba. Pero lo que realmente sucedió fue que Elektra, radicalizada por Renard durante un secuestro anterior, regresó a casa con Sir Robert King, su padre, y planeó su muerte; junto con un gran plan para acaparar el mercado petrolero europeo.

Miranda Frost/Giacinta «Jinx» Johnson, Muere otro día

 

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Si bien Die Another Day no fue exactamente una película progresiva en lo que respecta a la acción de James Bond, logró darnos una de las parejas más fuertes de mujeres Bond en ambos lados de la moneda. Con la triple agente Miranda Frost (Rosamund Pike), el Bond de Pierce Brosnan sintió otro pinchazo similar al de Elektra King, en el sentido de que fue llevado por su ego y seducido a un rincón por alguien en quien se suponía que no debía confiar. Mientras tanto, Giacinta «Jinx» Johnson de Halle Berry estaba trabajando en su propio ángulo contra Gustav Graves (Toby Stephens), obsesionado con los diamantes, mientras se divertía un poco a expensas de Bond.

Camille Montes, Quantum Of Solace

 

Hay un fuerte argumento que Camille Montes (Olga Kurylenko) de Quantum of Solace es posiblemente la mujer más fuerte en las películas de Daniel Craig hasta la fecha. Una agente de inteligencia boliviana que busca vengar a su familia asesinada. Pero una vez que se puso al día con los planes de venganza de James, Camille se convirtió en una socia fuerte durante toda la misión para acabar con el sindicato del crimen que una vez se conoció como Quantum.

Eve Moneypenny, Skyfall/Spectre/No Time To Die

 

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El ingenio siempre ha sido una cualidad clave de las encarnaciones pasadas de Moneypenny vistas en la saga de James Bond. Pero la nueva encarnación de Naomie Harris, es la más animada que hemos visto en la historia de la serie.

Dr. Madeline Swann, Spectre/No Time To Die

 

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La doctora Madeline Swann (Lea Seydoux) nunca quiso ser parte de la misma extorsión y violencia que su padre, el agente de SPECTRE, el Sr. White (Jesper Christensen), se ganaba la vida participando. Pero como vimos en Spectre, la mujer que finalmente ganó el corazón de James Bond no solo fue rápida con su ingenio, también fue hábil con una pistola; un subproducto de crecer con un padre involucrado en una actividad criminal. Capaz de mantenerse en sintonía con la misión de James Bond de capturar al antiguo empleador de su padre, es posible que veamos algunas de esas habilidades de supervivencia en exhibición en No Time To Die, ya que el Dr. Swann regresará.

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M, Goldeneye

Por supuesto, no hay forma de que puedas hacer una lista de los mejores personajes femeninos de James Bond y dejar fuera a las más poderosas de todas. Uniéndose a la franquicia en Goldeneye de 1995 , y manteniendo su posición hasta Spectre de 2015 , la versión de M de Dame Judi Dench no tuvo reparos en poner a su agente estrella en las situaciones más peligrosas posibles. Aunque todavía era una figura maternal para Bond, no tenía miedo de vestirlo para sus travesuras en el campo, e incluso hizo que le dispararan para evitar que se filtrara una lista de sus agentes.

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Análisis de Que Bello Es Vivir, la cinta más conocida de Frank Capra

Que Bello Es Vivir

Aunque hoy es considerada su película más conocida y representativa, en su estreno «Que Bello Es Vivir» fue recibida muy tímidamente por un público que la juzgó medianamente bien pero sin llegar al entusiasmo que genera hoy día, por una crítica que confundió la extensión (o distensión ) de un imaginario donde un cuento de navidad se convierte en poesía.

Y no fue eso lo peor, en aquella época el FBI emitió un comunicado oficial quejándose de una supuesta propaganda comunista, para ellos perceptible a través de temas populistas y, en concreto, en el retrato poco halagador de los banqueros de la ciudad.

Que Bello Es Vivir ha envejecido muy bien

Que Bello Es Vivir

En la década de los 60 se agotaron los derechos y no se renovaron, la película corría el riesgo de caer en el olvido pero, al pasar a ser de dominio público, en la década de los 70 terminó casi por casualidad para ser retransmitida de forma gratuita y regular por las televisoras estadounidenses, que la adoptaron como la película navideña por excelencia. Por tanto, fue redescubierta y a partir de aquí comenzó su leyenda que año tras año solo crece.

La base de la película es «The Greatest Gift», un cuento de Philip Van DorenStern, escrito (1939) e inicialmente publicado (1943) sólo de forma privada como una tarjeta de Navidad para regalar a amigos y familiares. Una vez que se registró la propiedad de los derechos, fue comprada por RKO, con la intención de hacer una película con Cary Grant, pero el guión no convenció así que fue reescrito y se vendieron los derechos de la historia a Liberty Films.

Esta era la nueva productora fundada por Frank Capra (junto con George Stevens, William Wyler y Samuel J. Briskin). En la fase de guión hubo muchos cambios en comparación con el texto original y aún más claras las inserciones fundamentales desde cero, desde la introducción de un personaje fundamental como Henry F. Potter hasta la última parte del mundo alternativo que reemplaza el choque con un alter ego que prefería el dinero a los sentimientos.

A fin de cuentas, nació un texto que poco tenía que ver con la historia y el espíritu del cuento original, nació una historia más ligada a la visión de Frank Capra.

Un choque entre los sueños y la realidad

Que Bello Es Vivir

La película está completamente ambientada en la provincia imaginaria de Bedford Falls, un lugar que merece elevarse a la ubicación arquetípica de todo el cine de Capri. Una ciudadana norteamericana que lleva en sí un artificio fílmico inseparable de la realidad de la época donde todo es tocado por los rumores de la guerra.

La hipotética distancia entre una visión realista de la vida y el imaginativo humano, una cinta donde la realidad y los sueños chocan de frente en la vida de George Bailey. El sueña con viajar por el mundo y conocer muchos lugares, no desea quedarse de por vida en un escritorio como le pasó a su padre, pero lamentablemente así ocurre.

En esta cinta existen tres elementos que son sello del cine de Capra, optimismo, honestidad y sentimiento. En una inspección más cercana la escalada hacia la reconciliación con uno mismo y con el mundo pasa por un viaje no solo salpicado de obstáculos a superar, sino marcado por heridas que a veces no se curan y es nuestro deber sanarlas.

«Que Bello Es Vivir» es una asombrosa parábola de  Charles Dickens que alcanza su punto máximo en los últimos 40 minutos. La historia es conocida, debido al descuido del tío Billy, después de haber perdido el dinero necesario para mantener personalmente el negocio familiar, George está al borde de la desesperación lo suficiente como para contemplar el suicidio.

En ese momento, enviado por Dios, el ángel de segunda clase Clarence acude a su rescate y, si logra disuadir al protagonista de este acto extremo, se ganará sus alas. Para hacer esto, lo confronta con una realidad alternativa, un mundo en el que George Bailey nunca nació.

La reconciliación de George Bailey consigo mismo y con la vida

Que Bello Es Vivir

Esta parte de la cinta no se limita a cumplimientos alegóricos, a partir del arrebato familiar, George Bailey se prodiga en un abismo de espacio y tiempo donde el distrito no es simplemente un campo de pobreza desconsolada sino un territorio dominado por el dios del dinero, el alcohol y el sexo. En un clímax donde se ve la opresión y donde la Navidad ya no es una fecha en la que celebrar.

Queda la amargura de toda la vida; y Potter queda impune, un personaje claramente inspirado en un Ebenezer Scrooge (sin redención esta vez), el mundo alternativo también es un viaje al final de la noche en un espacio-tiempo que cuestiona o quizás destruye el sueño americano con el que antes se fantaseaba. Un viaje, cuyo punto de llegada nos pone ante una caída de la parafernalia. En ese momento George Bailey se queda con su propia alma unida a la de sus seres queridos.

La unión terrenal más elevada que, cuando suena la campana y el ángel ha desplegado sus alas, sólo puede llevarnos a la emoción más honesta y liberadora que el cine nos ha brindado jamás. «Que Bello Es Vivir» nos enseña que todos tenemos una misión de vida y que somos importantes para alguien, nos enseña a apreciar más a nuestra familia, nuestros amigos y a nosotros mismos.

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