En las películas malas y decepcionantes, la niebla de un guión, una interpretación y una dirección terribles puede engullir todo lo que vemos. Sin embargo, la brillante y audaz luz de una tremenda y edificante partitura puede mitigar la vorágine que nos rodea. Por ello, defenderemos las peores películas con las mejores bandas sonoras.

Las peores películas con las mejores bandas sonoras

Veamos cuáles son las peores películas con las mejores bandas sonoras:

Alien: Resurrección (1997) – John Frizzell

A pesar de contar con un guión de Joss Whedon, Alien: Resurrección tiene pocos momentos rescatables, ya que sufrió a manos de las disputas e interferencias de los estudios. No obstante, John Frizzell consigue infundir algunos temas fascinantes de erotismo, amenaza y romance en una narrativa desajustada y poco clara. Mediante el uso de barras de frotamiento y un gong, la singular partitura infunde un núcleo profundo y oscuro que la convierte en uno de los pocos elementos de la película que evita reciclar los grandes éxitos de la franquicia.

Van Helsing (2004) – Alan Silvestri

Aunque sólo sea por eso, Van Helsing tiene su gracia. La banda sonora de Alan Silvestri, llena de ritmo, cimenta la naturaleza de acción y aventura de la película. Es una magnífica partitura atronadora y a la vieja usanza, con una orquesta y un coro que suben la apuesta y el dramatismo en todo momento. “Transylvania» es el ejemplo perfecto; la sutileza y la suavidad se despistan para emocionar al público en paralelo a la abrumadora estulticia de la pantalla.

Piratas en el Caribe: En el fin del mundo (2007) – Hans Zimmer

Con sus casi tres horas de duración, At World’s End es una película difícil de ver incluso para el fan más acérrimo de Jack Sparrow. Por suerte, Hans Zimmer está a mano para, literalmente, ayudarnos a superar todo. La banda sonora es pura potencia, con Zimmer ofreciendo constantemente poderosos números orquestales que parecen himnos y que cortan la hinchada fealdad de la película.

Desplegando el icónico motivo de Piratas con todo su efecto, hay mucho más que saborear, con una profundidad temática impresionante y una confianza de capa y espada evidente en todo momento. Ojalá se hubiera aplicado este nivel de esfuerzo a la propia película…

El último maestro del aire (2010) – James Newton Howard

La adaptación de M. Night Shyamalan de la excelente serie animada de Nickleodeon Avatar: The Last Airbdender es amplia y apropiadamente ridiculizada. Sin embargo, hay un diamante en bruto en la hermosa banda sonora de James Newton Howard. La noble y elegíaca banda sonora está cargada de inquietante delicadeza, así como de emocionantes, casi pomposos, himnos militaristas.

El tema definitivo, «Flow Like Water«, aporta a la película una identidad de la que carece por su gran uso de la sección de cuerda. Tras haber colaborado con Shyamalan desde El sexto sentido, Howard ha aportado constantemente partituras fenomenales a su obra, como se ha visto en After Earth y Lady in the Water.

Tron: Legacy (2010) – Daft Punk

Tron: Legacy es una inofensiva secuela del clásico original con el replicante de terror CGI de Jeff Bridges como única víctima. Sin embargo, para ser sinceros, la calidad de la película se multiplicaría por diez si se eliminara todo el audio del guión y nos quedáramos con los impresionantes efectos visuales y las potentes canciones dance de Daft Punk. Aunque no supera su catálogo, el sonido atmosférico y futurista eleva todo el proyecto, desde la adrenalina de «Derezzed» y «Fall» hasta la reflexión etérea de «Solar Sailor«.

Hanna (2011) – The Chemical Brothers

El debut de la banda sonora de The Chemical Brothers ofreció atronadores ritmos maníacos mezclados con notas sorprendentemente delicadas. La banda sonora, de gran riqueza atmosférica, aportó el toque necesario a la segunda mitad de la película; «Container Park» es capaz de mantenerse en pie por sí sola como un número bombeante que llama la atención.

Además, la fantástica percusión y el piano le dan un aire de confianza. Este impresionante equilibrio electrónico inyectó a la película la adrenalina que tanto necesitaba y proporcionó un excelente aliciente para los futuros trabajos de los hermanos.

Ángeles y demonios (2009) – Hans Zimmer

Al igual que en Piratas, la película en sí es turbia y bastante aburrida, pero Zimmer y su orquesta infunden a la «acción» el dramatismo y el carácter que tanto necesita. Los rimbombantes violines y los arreglos corales se adentran en territorios más oscuros que el Código Da Vinci. Hay varios temas destacados, como la lenta y tierna «Election by Adoration«, que proporciona un respiro necesario, o las potentes secciones de órgano de «503«, que consiguen emocionar al público.

Descubre 5 de los mejores usos de la disonancia de la banda sonora en el cine.

Una familia disfuncional de superhéroes, reunida por la muerte de su padrastro, son los únicos que pueden salvar el futuro de la Tierra, solo si pueden recomponerse. The Umbrella Academy es la reciente incorporación a la familia Netflix. Basada en los cómics originales de Gerard Way, The Umbrella Academy es un espectáculo atrevido y lleno de amapolas que equilibra elocuentemente el humor con el drama. Juntos, las ideas distópicas sobre el viaje en el tiempo y los universos múltiples permiten a los espectadores «esperar lo inesperado».

A pesar de la historia apocalíptica de The Umbrella Academy y los temas oscuros del trauma y la adicción a las drogas, es una comedia positivamente vibrante que le da un giro al género de superhéroes. Una de las formas en que Umbrella Academy despliega su imaginación en pantalla es mediante el uso de la disonancia de la banda sonora. Esto permite que una escena se reproduzca, generalmente una secuencia de acción, a música completamente opuesta en tono.

5 mejores usos de la disonancia de la banda sonora en el cine

Pero The Umbrella Academy no es el primero en usar la disonancia de la banda sonora. Algunos de los momentos más emblemáticos del cine son recordados por su yuxtaposición de acción y música. Aquí están cinco de los mejores ejemplos para echar un vistazo.

GOOD MORNING, VIETNAM – “WHAT A WONDERFUL WORLD”

Como lo sugiere el título, la comedia dramática de Barry Levinson se desarrolla en el país de Vietnam, en 1965. La naturaleza de este escenario hace que «What a Wonderful World» de Louis Armstrong sea la última canción que esperas escuchar.

El presentador de radio Adrian Cronauer (Robin Williams) crea ondas en las emisoras vietnamitas con sus ingeniosos chistes e imitaciones. En uno de esos casos, vemos a Cronauer tocar «What a Wonderful World», mientras imágenes de bombas, disturbios y la muerte de civiles inundan la pantalla. Levinson crea una amarga ironía, que contrasta los horrores de la guerra contra el idealista sueño americano de ese «mundo maravilloso» que están destruyendo.

MONTY PYTHON’S LIFE OF BRIAN – “ALWAYS LOOK ON THE BRIGHT SIDE OF LIFE”

La disonancia de la banda sonora es una herramienta útil para transmitir alegorías sociales sobre la violencia, pero también puede usarse con fines puramente cómicos. Aunque técnicamente la música en esta escena es diegética, y podría decirse que no es parte de la «banda sonora», la idea general es bastante parecida. Después de que un grupo de criminales son sometidos a crucifixión durante la era romana, cuelgan esperando su muerte, cantando «Mira siempre el lado positivo de la vida».

La canción en realidad fue escrita por el miembro de Monty Python, Eric Idle, para los fines de esta escena. Desde entonces, se ha convertido en una canción popular en Gran Bretaña, no solo por su ritmo alegre sino también por sus connotaciones cómicas asociadas a este famoso boceto.

AMERICAN PSYCHO – “HIP TO BE SQUARE”

Quizás en la actuación más famosa de Christian Bale, todo sobre American Psycho es contradictorio. Patrick Bateman vive una doble vida: un yuppie vano de Nueva York de día y un asesino en serie psicopático de noche.

Mientras su compañero de trabajo Paul Allen se sienta inconscientemente disfrutando de su bebida, Bateman se pasea por su apartamento con un hacha y un impermeable. Bateman, que recurre a un monólogo sobre el éxito comercial de Huey Lewis y The News, procede a tocar «Hip to be Square» a la vez que destruye a Allen. Esto no es solo un pequeño apuñalamiento; Bateman balancea repetidamente su hacha, la sangre salpica los pisos blancos, mientras baila con la música. El puro júbilo que Bateman deriva de asesinar brutalmente a las personas se enfatiza a través de la música, saltando por la habitación cubierta de sangre antes de disfrutar de un cigarrillo después de la muerte.

A CLOCKWORK ORANGE – “I’M SINGIN’ IN THE RAIN”

Nuevamente, aunque la música está siendo cantada por los personajes en lugar de tocarla, el uso de Kubrick de la disonancia de la banda sonora es posiblemente uno de los más conocidos en la historia cinematográfica, como lo es la película en sí, que recibió una controversial recepción e incluso prohibió su entrada en algunos paises.

La frívola forma en que Kubrick maneja los temas oscuros de la película fue condenada por fomentar el comportamiento criminal. Pero es precisamente esta aversión a la moral lo que le otorgó a A Clockwork Orange su fama, y ​​no hay mejor ejemplo que el uso de Kubrick de la disonancia de la banda sonora.

La escena de violación explícita de A Clockwork Orange no solo fue rechazada por su crudeza; sino por la forma en que Kubrick trivializa la violencia con la alegre melodía de «Cantando bajo la lluvia». Una canción que generalmente se escuchaba en un musical familiar, Kubrick le da un giro siniestro al hacer que los miembros de una pandilla la canten mientras irrumpen en la casa de una pareja, destruyen los muebles y los golpean. Normalmente no es algo para cantar.

RESERVOIR DOGS – “STUCK IN THE MIDDLE WITH YOU”

Quentin Tarantino es el rey cinematográfico del derramamiento de sangre. Pero lo que separa a esta escena de sus otras películas no es la música dramática o la tortura grizzly que esperas; sino la disonancia de la banda sonora que estableció a Tarantino como un cineasta poco convencional y atrevido. Después de que un policía es secuestrado por un miembro de la pandilla, el Sr. Blonde después de su robo, lo atan a una silla y lo golpean brutalmente. Un día normal en el mundo de tarantino. Pero en lugar de dramatizar la gravedad de su tortura; Tarantino lo hace con humor jugando «Stuck in the Middle with You» de Stealers Wheel.

El Sr. Blonde procede a bailar alrededor del oficial ensangrentado, bromeando con un cuchillo pequeño. La canción pop de los 70 que se escucha desde el estéreo solo asusta más al oficial; ya que el Sr. Blonde encuentra placer en su tormento. Finalmente, el Sr. Blonde le corta la oreja al oficial; Tarantino se desplaza para que solo podamos escuchar los chillidos agonizantes ahogados por el alegre ritmo.

Continuamos con el cine a través de Christopher Nolan en esta segunda semana del mes de Enero, y esta vez traemos a Interstellar. Si bien la semana pasada analizamos las claves del cine de Nolan a través de un lenguaje universal y para toda clase de espectadores, ésta semana vamos a tocar otro tema de lo más interesante. Y es que, si por algo destacan las obras de Nolan, es por el uso que hace de las bandas sonoras.

Gracias a la sinergia que se establece entre director y compositor, se obtienen grandes bandas sonoras en todos y cada uno de los films dirigidos por el británico. No es de extrañar pues, que Interstellar sea considerada por muchos la película con mejor banda sonora del siglo XXI. Y sobre eso vamos a hablar en el día de hoy. Sobre cómo Interstellar es brillante gracias a su apabullante despliegue sonoro.

“El amor es lo único que somos capaces de PERCIBIR que trasciende las dimensiones del tiempo y del espacio.”

La unión hace la fuerza

No es la primera vez que Hans Zimmer colaboraba con Nolan para traernos una banda sonora que nos eriza la piel. Sus trabajos en la trilogía de El Caballero Oscuro o la anteriormente analizada Origen, demostraron su verdadera valía dentro de la industria. La destreza de Zimmer para absorbernos en sus bandas sonoras como si de un agujero de gusano se tratase, viene de lejos. Como el gran Javier Blánquez afirmó una vez; “A nadie que consuma cine y preste atención a la música que suena en pantalla tendría que extrañarle que Hans Zimmer se haya convertido en un compositor de bandas sonoras tan dominante: lleva siendo notable desde, por lo menos, “Black Rain”, e imprescindible desde “La Delgada Línea Roja”.

Si. Hans Zimmer ha llegado a donde esta a base de un arduo trabajo. En esto estamos todos de acuerdo. Y una vez más, se había logrado superar.

Interstellar Soundtrack

Corría el año 2012. Nuestro protagonista Nolan le mandó la siguiente carta a Zimmer; «Te voy a dar un sobre con una carta en él. Una página. Te va a contar una fábula en el centro de una historia. Trabajas durante un día, y luego me tocas lo que has escrito”

Zimmer, tal y como le había encargado Nolan, trabajó durante esa noche y escribió una pieza con piano y órgano. El tema en cuestión trataba sobre lo que significaba ser padre. Y es que Interstellar, no trata solamente de viajes espaciales, sino también de las relaciones paterno filiales y lo que estas significan.  En el fondo, la sountrack de Interstellar no contiene grandes secretos. A base de piano, órgano, y en raras ocasiones instrumentos de cuerda, se logra un aura astral.

Zimmer empleo un conjunto de 34 cuerdas, 24 instrumentos de viento madera y 4 pianos, además de un coro mezclado de 60 voces. Algo sencillo pero a la vez majestuoso. Como resultado nos topamos con que cada una de las canciones que forman parte del Sountrack de Interstellar transmiten algo diferente. Una cinta que se a convertido para mi y para muchos en una de sus obras favoritas gracias en parte a su apartado sonoro. La banda sonora acompaña a la perfección en cada momento de metraje como mencionábamos anteriormente. A base de juntar muchos elementos, logra formar un todo casi perfecto. A continuación, podemos disfrutar de un vídeo en el cual se muestra como se llevó a cabo la grabación y creación del soundtrack de Interstellar:

¿Cómo influyó Interstellar en el cine?

Una vez más, Hans Zimmer había logrado estar a la altura de las expectativas. Había logrado trasmitir mucho más de lo que pudiese parecer a simple vista. La banda sonora de Interstellar tiene poco o casi nada que ver con el estilo al cual nos tenían acostumbrados. Una banda sonora que tiene al mismo tiempo un aire a banda sonora clásica del cine, pero a su vez una obra que innova. Una obra que, en mi opinión, trasciende con respecto a las demás.

En definitiva, nos encontramos ante una obra perfecta gracias a la increíble capacidad que tiene para transmitirnos sentimientos y emociones a través de cada uno de sus temas. En ocasiones hasta dejarnos sin palabras, atónitos ante lo que estábamos escuchando. Una revolución en toda regla. Una de las mejores experiencias musicales que he tenido la oportunidad de vivir.

Pero después de todo lo analizado anteriormente, ahora surgen varias preguntas en relación ¿Que sería de Interstellar sin su banda sonora? ¿Se convertiría en una obra inferior? ¿Perdería transcendencia? Para tratar este tema, veamos la percepción que transmitió a la industria el gran cineasta Andréi Tarkovsky.

Tarkovsky reivindicó el hecho de que «la película perfecta es aquella que se cuenta prescindiendo de la música, ya que en muchas ocasiones es la música la que trae la emoción, no la construcción cinematográfica» Según el cineasta, el uso excesivo de este recurso lo único que hace es revelar la carencia de la imagen. Así que, en gran parte, se podría decir que Interstellar no es nada sin su banda sonora. ¿Pero hasta que punto esto es malo?

La industria del cine ha evolucionado y con ella, el público. En un arte que esta el constante desarrollo y expansión, es lógico pensar que hay ciertas cosas las cuales, bien sean por la abundancia de medios o por las exigencias del espectador, van surgiendo. Uno de estos es el uso de las bandas sonoras dentro de los films. En pleno auge del año 2018, nadie pone en duda la importancia que a cobrado este recurso tanto en la industria del cine como en el ámbito general de la vida. Y es que la música acompaña nuestro día a día. No es de extrañar pues, que una película que se precie tenga una banda sonora que este a la altura. Y las obras de Nolan cumple con este requisito.

Así pues, os invito a escuchar y a meditar en esta obra. La tenéis enteramente disponible en Spotify de manera gratuita. Y espero que, al igual que yo, disfrutéis como nunca antes ante tal maravilla sonora. Y gracias a esto, podáis ver el cine de Nolan de una manera distinta.