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Las 20 mejores películas de suspenso disponibles en Netflix

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El cine es algo maravilloso no solo porque te cuentan miles de historias con las que te puedes sentir identificado, sino porque tiene un amplio rango de géneros, que van desde el drama a la comedia, hasta las mejores películas de suspenso.

Pero en este artículo tocaremos esas películas que nos ponen en tensión, que nos dejan ese suspenso si nuestro protagonista saldrá o no del problema o del peligro en el que está. Después de una búsqueda intensa pondré una lista de las que para mí son las 20 mejores películas de suspenso o trhillers que hay en su catálogo, porque al fin y al cabo cada quien tiene sus gustos, el cine es muy subjetivo.

Espero que les guste esta selección de películas de suspenso disponibles en el catálogo de Netflix.

El extraño (1946)

Se dijo que Orson Welles había tenido poco tiempo para este thriller sobre la búsqueda de un criminal de guerra nazi en una pequeña ciudad de Estados Unidos, pero ayudó a ponerlo nuevamente en el mapa de Hollywood después de una serie de tropiezos de taquilla.

Hay algunos de sus toques de dirección característicos a la vista, así como algunos de los excesos de actores que tipificaron las actuaciones que dieron cuando estaba trabajando para financiar sus proyectos más personales.

Las estrellas Edward G Robinson y Loretta Young son impresionantes, pero el ojo siempre se posa en la imponente figura de Orson Welles. La elegante fotografía sombría de Russell Metty es tan excelente, que te podría hacer dudar si la película también se lanzó en una versión con color.

Frenesí (1972)

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“Frenesí” es una excelente película aunque extraña y distinta de todas las que había realizado, uno de los aspectos más importantes es la visión que el realizador transmite en ella de la administración de justicia y de todos aquellos que la sirven.

Incluso se atreve con la reacción de la propia sociedad en general ante los indicios de que uno de sus miembros sea un asesino en serie, un ejemplo de lo antes dicho es el comentario de dos clientes de un pub, que se quedan tan anchos al comentar la publicidad y los beneficios económicos que puede reportar el caso “del asesino de la corbata”.

Malas calles (1973)

La fábula de Scorsese sobre el pecado y la muerte en Nueva York fue el comienzo de su gloriosa asociación con un joven y electrizante Robert De Niro, el primero de una trilogía con Taxi Driver y Toro Salvaje (tal vez una tetralogía si se salta New York, New York y contamos El Rey de la Comedia), el logro de toda una vida para cualquier otro director y actor.

Harvey Keitel interpreta a Charlie, un católico preocupado en demasía por la condenación eterna, pero empleado por su tío, un capo de la mafia, como ejecutor novato. Charlie está exasperado por tener que cuidar a su primo autodestructivo, Johnny Boy (De Niro), que le debe dinero a todos, incluido un matón resentido que está perdiendo la paciencia.

El terrible destino de Johnny asume un aspecto ambiguo de sacrificio y redención al revelar la triste verdad sobre su vida. La energía voraz de la película sigue siendo asombrosa. Las escenas callejeras son fabulosas y el uso de la música propuesto por Scorsese es emocionante.

El Resplandor (1980)

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La película no trata sobre fantasmas sino sobre locura y las energías que desata en una situación aislada preparada para magnificarlos. Jack es un alcohólico y un padre abusivo que, según los informes, no ha tomado una bebida durante cinco meses, pero es todo menos un «alcohólico en recuperación».

Cuando se imagina que bebe con el camarero imaginario, está tan borracho como si realmente estuviera bebiendo, y la bebida imaginaria desencadena todos sus demonios alcohólicos, incluida una visión erótica que se convierte en una pesadilla, quizás un elemento que deberían tener todas las películas de suspenso.

Kubrick ofrece esta incertidumbre en una película donde los actores mismos vibran con inquietud. Hay una toma que Kubrick repitió 160 veces. ¿Era eso «perfeccionismo» o era un juego mental diseñado para convencer a los actores de que estaban atrapados en el hotel con otro loco? En este caso su director.

En la Linea de Fuego (1993)

Aunque la película se mueve a un ritmo vertiginoso no hay movimientos falsos. Tampoco el público se pierde en la trama y giros de la misma. «En La Linea de Fuego» es uno de los pocos melodramas de suspenso de Hollywood que no parecen ignorar las realidades del mundo exterior, al contrario, los utiliza.

No es realmente vital para la narrativa, pero ayuda que la película tenga lugar durante las últimas semanas de una campaña presidencial para la reelección. Debido a que está siguiendo las encuestas, sus manejadores lo ponen en peligro que en cualquier otro momento sería impensable.

La campaña en «En La Línea de Fuego» no trata sobre cuestiones e ideas, sino sobre el deseo absoluto de ganar. El personaje de Eastwood está al mando de la película pero nunca se interpone. Y está tan obsesionado como el de John Malkovich, pero también es consciente de sí mismo, genial y divertido.

Esta es la actuación más rica de un actor que, entre otras cosas, seguía mejorando cada vez más.

Pulp Fiction (1994)

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Es una gozada de principio a fin. Es el equivalente cinematográfico de ese raro tipo de libros donde te encuentras comprobando para ver cuántas páginas quedan y esperando que haya más, no menos. El tono es cómicamente oscuro frente a la violencia que se desarrolla en la cinta, aunque solo los espectadores más aprensivos se desanimarán.

Con Tarantino obtenemos violencia como parte de una visión traviesa de la vida en la que cualquier cosa puede suceder, y lo hace. La película se cuenta en tres historias interconectadas. El único actor en todas ellas es John Travolta como Vincent Vega, un mafioso de Los Ángeles que acaba de regresar de la ciudad de Amsterdam.

Las Dos Caras de la Verdad (1996)

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Esta película supuso una gran sorpresa para muchos, en el sentido de que no generó demasiadas expectativas; pero cuando los créditos anunciaron el fin de la misma, la sonrisa que apareció en el rostro de la gran mayoría demostró que habían presenciado una obra maestra del cine.

Porque eso es lo que se puede decir de «Las dos caras de la verdad», se trata de una película magistral que tiene una trama muy interesante y en la cual, se produce un magnífico enfrentamiento entre los personajes encarnados por Richard Gere y Edward Norton.

Se trata de entretenimiento en estado puro y por encima de todo, el guión desborda originalidad, por lo que yo no esperaría mucho más tiempo para verla, ya que se trata de un valor seguro, se la mire por donde se la mire.

El Dragón Rojo (2002)

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Aunque es algo extraño hacer una precuela de «El silencio de los corderos» una de las mejores películas de suspenso justo después de estrenar la secuela y encima siendo un remake de otra película, el experimento les ha salido fantástico, y eso que la propuesta era más que arriesgada. La historia nos cuenta los orígenes de Hannibal Lecter, encarnado como siempre con su maestría y sutileza habitual por Anthony Hopkins.

La contraparte es el valiente policía que consiguió detenerle y encerrarle, Will Graham, intepretado por el único Edward Norton, que aquí nos vuelve a regalar otra de sus soberbias interpretaciones. La historia que se cuenta está llena de suspense y tiene un ritmo muy dinámico, es como una montaña rusa, todo ello aderezado por un guión muy bueno y también por las interpretaciones de otros dos grandes: Ralph Fiennes, que consigue dar miedo del de verdad, y Emily Watson, que borda su papel de invidente.

Mystic River (2003)

El mejor film de Clint Eastwood para muchos (Para mí es Un Mundo Perfecto). Y ya es decir porque nos ha dejado maravillas, es un gran director que te deja hecho polvo por las historias que cuenta, por los finales de sus películas (imprevisibles).

En los últimos tiempos, además, dirige de una forma muy clásica, cómo lo hacían los antiguos directores. La dirección de Clint es perfecta, no deja cabos sueltos, te lleva por un camino y hace pensar al espectador una cosa pero sin trampas aunque luego sea lo contrario.

Me hizo recordar a «Cadena perpetua» de Frank Darabont y eso tal vez por la magnífica actuación de Tim Robbins cuyo trabajo en ésta película le hizo ganar el Oscar. Si tuviera que elegir la mejor película del 2003 yo eligiría a «Mystic River» porque con un prespuesto bajo logra llegar al espectador.

Collateral (2004)

“Collateral” se distingue por un guión ejemplar que tiene momentos memorables como son todas las discusiones Foxx vs Cruise en el taxi. Vemos dos personajes diametralmente opuestos en todos los sentidos, de Foxx todo aquello que desconocemos lo intuimos, de Cruise sólo sabemos su objetivo.

Jamie Foxx representa la ambición por mejorar su vida, Tom Cruise es un máquina que sacia su deseo con las vidas ajenas, de las cuales ni se plantea quiénes son. La película, por otra parte, es un ejemplo de realización técnica en todos los aspectos, montaje, fotografía, y sobre todo la excelente dirección del viejo Mann.

Un director que demuestra que está como siempre, como un maestro, un genio, con una narración impecable, metraje ajustado y un ritmo espectacular, demuestra que las películas de suspenso son lo suyo.

Hijos de los Hombres (2006)

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Javier Ocaña de El País señaló como un defecto de la película el hecho de que «el continente termina siendo mucho más importante que el contenido». Estoy de acuerdo en la cita, no por deméritos de la historia, que a mí me parece bastante interesante y con algún momento apasionante, pero sí creo que el punto fuerte de la película no es lo que cuenta sino cómo lo cuenta.

Sin embargo no coincido en que esto sea un defecto, o que la película derrape por eso. Lo cierto es que muchas de mis películas favoritas lo son más bien por su forma, que por contar una gran historia, que también (Spotlight, Zodiaco, Cadena Perpetua).

Me parece como una especie de superproducción capaz de llegar al gran público, pero con un director artista detrás haciendo cine de calidad, honesto, no un producto (únicamente) comercial.

Infiltrados (2006)

Cuando la vi por primera vez me lo pasé como niño en dulcería, no quería que terminara. El espectador goza de un guión increible, buenas actuaciones y una conseguida mezcla de cine negro con aire de Pulp Fiction, pero totalmente a lo Martin Scorsese.

Cuando realiza películas de mafia y cine negro, siempre le salen perfectas en su conjunto. Y de hecho tengo que reconocer que ha sido una gozada ver este filme, sobre todo porque presenciamos uno de los finales más sorprendentes y emocionantes que nos pudo ofrecer el director de cine estadounidense.

Para cualquier cinéfilo y aficionado al mundo del cine es una película que se antoja imprescindible. 

No es país para viejos (2007)

Los puristas podrán sentirse satisfechos. Los hermanos Coen realizaron una obra magna en toda regla que no solo respeta los cánones de cine clásico tanto en montaje y planificación (Un diseño de sonido de Oscar), sino que apoyado en un guión sólido como el acero, innovaron como nadie había innovado antes en los Estados Unidos de América.

El sentimiento de novedad que dejó «Seven» de David Fincher, que a su vez abrió la veda estética y narrativa a filmes dispares y heterogéneos… es similar a la huella que los Coen sellan en cada espectador con este filme.

Una impronta de novedad extrema tanto en su guión, el cual escamotea partes importantísimas de historia y no nos muestra, dejando a nuestro raciocinio la magia de reconstruirlo en el interior de nuestra mente.

Zodiaco (2007)

Otra de las obras maestras de David Fincher, asi a bote pronto diría que es la película que más me gusta del director, y es mucho decir ya que Seven o Perdida son películas descomunales también. En esta cinta el director nos hace parte de la misma, sientes en todo momento que tú eres el personaje de Jake Gyllenhaal buscando las pistas para dar con la identidad del Asesino del Zodiaco.

Recuerdo que la primera vez estuve en tensión en varias escenas, porque si algo tiene esta cinta es inteligencia, no necesitas terror para asustar o tener en suspenso a los espectadores. Fincher aquí crea una atmosfera de tensión tan densa que podrías cortarla con un cuchillo.

Tiene excelentes actuaciones de todo el reparto, todos están geniales en su papel pero sin duda el que sobresale es Jake Gyllenhaal quien para mi es uno de los mejores actores del último lustro, es una película que le recomiendo a cualquier amante del cine.

Un ciudadano ejemplar (2009)

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Esta película hizo que me sorprendiera, quedé atónito a lo que veía, una mezcla entre películas como Seven, El fuego de la venganza, El silencio de los Corderos e incluso Saw, estamos ante un filme que te lleva hasta el final de una serie de acciones descomunales y devastadoras.

Quizá sea fácil de convencer, sí. Pero yo soy de esos que opinan que por qué no un hombre puede hacer lo que hace el personaje interpretado por Gerard Butler. Durante 10 años prepararlo todo para finalmente hacer estallar el plan maestro.

¿A nadie le convence que un genio en ingeniería, un estratega, un espía, pueda hacer todo lo que presenciamos? Tan solo, tan solo intenta ponerte durante un instante en la piel de un hombre que pierde a su familia, que se la arrebatan con crueldad, que lo presencias, que te destrozan la vida y ya todo te da igual.

Esta película es la respuesta a lo que haría la mayoría de los seres humanos, vengarse, ojo, no digo que sea lo correcto.

Oldboy (2013)

Siempre he escuchado muy buenas críticas de la película original coreana, sin embargo, mi rechazo a ver ese tipo de films siempre me echó para atrás a la hora de verla. No sucedió lo mismo con este remake americano, que, según parece, calca pieza por pieza a la coreana.

Pues bien, la crítica ha destruido unánimemente esta película. Y yo todavía estoy pensando alguna razón. Simplemente, me parece absurdo decir que este film es malo, tiene sus fallos, como toda película, pero es alucinante, sorprendente, te deja sin respiración desde el minuto uno hasta ese final absolutamente inesperado, cruel, desagradable, pero que no se podía mejorar.

Perdida (2014)

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La reputación de Fincher es incuestionable. Es un cineasta pleno y contundente que no comete errores. Sabe escoger sus proyectos (igual que Christopher Nolan), sabe retarse y superarse a sí mismo. La Red Social, House of cards o Zodiaco son el ejemplo más evidente.

Sin embargo, una vez que nos ha probado que sabe manejar los géneros cinematográficos como pocos lo hacen, regresa con un filme que está dentro de su género predilecto, el thriller. Estilización, violencia, humor negro, sexo y una atmósfera asfixiante, vamos lo que deben tener las películas de suspenso.

Perdida es todo eso, todo lo que define al cine de David Fincher. Encuadres perfectos, diálogos mordaces, giros de tuerca, ritmo imparable, un ambiente sórdido y desesperanzador. Es lo mejor de él mismo, exprime todo su talento para rodar una película exageradamente buena.

Retorcida, agresiva, visualmente impecable y profundamente nostálgica. Dos personajes increíblemente oscuros, y humanos. Un Ben Affleck que le muestra al mundo que sabe actuar, que es capaz de actuar tan bien como sabe dirigir. Una Rosamund Pike impecable, desconcertante y salvajemente bella.

Circulo (2015)

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Un interesante descubrimiento que le debo a Netflix. Un claro ejemplo de que se puede hacer una gran película de ciencia ficción con muy poco presupuesto, al estilo de ‘Coherence’. La propuesta es muy atractiva y la película es muy ágil y rápida por su propio concepto, ya que se desarrolla en «tiempo real».

Lo heavy es que estás permanentemente pendiente de la pantalla para saber quién será el próximo en morir. A mí me ha encantado y la pongo entre mis favoritas de 2015. También me parece muy realista la forma en la que van participando los personajes.

Algunos prácticamente no hablan, ya sea porque son de carácter débil o como táctica para no llamar la atención.  Me parece una película entretenida, que no da un momento de respiro y que encima te hace pensar. Asi que por eso se las recomiendo, es una de las mejores películas de suspenso junto con Triángulo (2009).

Los Odiosos Ocho (2015)

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Tarantino es un cineasta único, sus trabajos gustan o echa para atrás a los espectadores, no hay grises con él, pero ciertamente no dejan a nadie indiferente ante su (retorcida) visión del mundo, y aquí, en su más reciente película nos da la bienvenida a su espacio más personal.

Es un mundo muy íntimo donde explota lo ya visto anteriormente (racismo, sangre, latinos, humor negro y dialogos larguisimos). Con Bastardos Sin Gloria y con Django Desencadenado era un cine más comercial, personajes más vistosos, caras conocidas y una narrativa más fácil de asimilar.

Pero eso es echado de lado para ofrecernos personajes más viscerales y antipáticos, pero tan interesantes que uno quisiera conocer más de ellos, lo cual es ayudado por su magnífico reparto que hace una de las mejores películas de suspenso.

Extremadamente cruel, malvado y perverso (2019)

películas de suspenso

Luego de realizar un documental (Conversaciones con asesinos: las cintas de Ted Bundy), el mismo director Joe Berlinger dirigió este drama true crime centrado en la relación de este asesino serial con Elizabeth Kloepfer, desde fines de los años sesenta.

Ted Bundy se convirtió en un personaje mediático y seductor (con fans) a partir de la televisación de algunos de esos procesos, negando obstinadamente su culpabilidad y actuando a veces como su propio abogado defensor. Dentro del marco del biopic, cierta crítica objeta que los crímenes y motivaciones del protagonista quedan fuera de la película.

Sin embargo, creo que esto constituye un acierto, ya que nos permite identificarnos con el punto de vista de su pareja Elizabeth (una notable Lily Collins). Y es que ella va viviendo su amor desde diferentes circunstancias y experimenta la presunta normalidad de la cotidianeidad del monstruo y especular con su inocencia.

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Análisis de Con La Muerte en los Talones, más que una película de espías

Con La Muerte en los Talones

Hoy les traemos el análisis de Con La Muerte en los Talones, después de haber traído Psicosis y Vértigo del director Alfred Hitchcock. Con La Muerte en los Talones (North by Northwest) es una película de 1959, dirigida por el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, con Cary Grant (en su cuarta colaboración con el director, después de Sospecha, Encadenados y Atrapa a un ladrón) y con Eva Marie Saint, actriz pedida por el director.

Los apasionados del director Alfred Hitchcock, no pueden perderse esta joya del cine, Hitchcock da lugar a una dirección sublime, lindando con la perfección, a través de la cual el concepto de intercambio de identidad, de imposibilidad de el protagonista de demostrar que no es George Kaplan, del amor bueno y malo hacia la misma mujer, una mujer que juega para ambos lados, ya que es una doble agente.

Con La Muerte en los Talones es una película que pasa de lo normal a lo extraordinario

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant en la famosa escena en la que intenta escapar del ataque aéreo en los campos de trigo

El suspenso está magistralmente llevado de la mano de Hitchcock, a quien logra dar diferentes facetas, primero con la persecución en los campos de trigo en una secuencia que dura unos 10 minutos, de los cuales la mayoría son solo visuales, es decir, sin diálogo, y la secuencia final con el intento de fuga de los dos protagonistas en el Monte Rushmore es de una delicia visual importante.

Es una película que sigue un camino empinado, como el que emprende el personaje de Cary Grant en la primera de numerosas secuencias de suspenso, comprometiéndose de inmediato con una maniobra al volante para esquivar a la muerte. Hitchcock tarda sólo dos minutos, la partitura de prensa de Bernard Herrmann y los créditos iniciales con vectores animados por Saul Bass, para preparar todo un mundo narrativo donde un simple chasquido de dedos permite pasar de lo normal a lo extraordinario.

Hitchcock confía al encanto y la ironía de Cary Grant la tarea de relajar el suspenso y atenuar la hipérbole de la trama. El actor británico media la improbabilidad de su situación trabajando con atractivo y sarcasmo, malicia y burla,  dedicando sus momentos de relajación al humor brillante y al juego de seducción.

Una película que oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant como George Kaplan se mete en muchas situaciones de peligro y en las que necesitará de ayuda

En una tensión constante entre la desorientación y la determinación, el cinismo y el romanticismo, asistimos a su evolución de un publicista cínico e inmaduro a un héroe atrevido y enamorado. Después de todo, dentro de esta intriga, lo que más le interesa a Hitchcock no es el aspecto de espionaje «internacional» de la trama, sino la singularidad del camino que lleva a Roger Thornhill a convertirse en George Kaplan.

Thornhill debe convertirse en Kaplan y ponerse en sus zapatos para poder deshacer el enredo, dominar la complejidad de la situación en la que se encontraba a pesar de sí mismo y conquistar a la mujer que ama. Este juego oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad, ve su momento central en la famosa secuencia del ataque aéreo contra Thornhill quien creen que es George Kaplan.

Una obra maestra construida sobre la tensión, la puesta en escena es la suma perfecta de todo lo que hace grande a Hitchcock, la técnica compositiva, el ritmo del montaje, la ironía de las miradas de Grant, la sensación de indeterminación ligada a un peligro que puede llegar a cualquier parte. Incluso en medio de los campos de Illinois o un ataque desde el cielo, estos elementos hacen que Con La Muerte en los Talones sea más que una película de espías.

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Los mejores personajes femeninos de James Bond

los mejores personajes femeninos de James Bond

A la saga 007 la han acusado de misógina muchas veces, de querer hacer de las mujeres objetos para beneficio de Bond y puede que parte de eso sea cierto pero los mejores personajes femeninos de James Bond nos confirman que dentro de la saga también han existido papeles importantes para mujeres. A la espera de No Time to Die, donde el personaje de Ana de Armas se apunta como uno inolvidable, traemos una lista como antesala.

Una carrera como superespía no es la línea de trabajo más segura. Incluso si eres tan bueno en el juego como lo es James Bond, todavía hay momentos en que el socio adecuado marca la diferencia en el mundo. Pero a lo largo de la historia de la franquicia Bond, ha habido mujeres muy importantes sin las cuales el trabajo nunca se habría hecho.

Los mejores personajes femeninos de James Bond

Algunas comenzaron como villanas, otras eran aliadas y, en un caso especial, las diferentes medidas de ayuda y daño mantuvieron las cosas interesantes de la manera más asombrosa. Estos son los mejores personajes femeninos de James Bond…

Pussy Galore, Goldfinger

 

Cuando salió por primera vez en Goldfinger la vimos como pilota privada/co-conspiradora del malvado complot de Auric Goldfinger; luego Pussy Galore de Honor Blackman acabó ayudando a 007 a frustrar la «Operación Grand Slam«, sellando así su turno para el lado bueno. Ver a esta legendaria mujer Bond en acción, tanto en nombre de la guerra como de la paz, es un firme recordatorio de que no siempre es fácil para James salirse con la suya, especialmente cuando la mujer que está tratando de atrapar está armada y tiene muchos recursos.

Anya «Agente XXX» Amasova, la espía que me amó

 

La comandante Anya Amasova (Barbara Bach) de la KGB es, esencialmente, la versión rusa de James Bond. Vengando la muerte de un amante que 007 mató en acción, la mujer conocida como Agente XXX se nos presenta en una misión para seducir y conquistar en nombre del enemigo. Al presentar el concepto de uso frecuente de otro operativo que trabaja contra Bond, solo para unir fuerzas con él cuando las cosas se ponen difíciles, la Mayor Amasova sería crucial para frustrar la trama del malvado magnate naviero Karl Stromberg (Curd Jürgens).

Pam Bouvier, Licencia para matar

 

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A través del engaño y las operaciones de encubrimiento profundo, la agente de la CIA Pam Bouvier (Carey Lowell) estaba en los planes malvados del traficante de drogas Franz Sánchez (Robert Davi) antes incluso de incurrir en la ira de la peligrosa y mortal versión de James Bond de Timothy Dalton. Con License To Kill ver a Bond en una misión de pura venganza después de que un ataque personal y particularmente cruel deja a la esposa de Felix Leiter (David Hedison) muerta. Si no fuera por la ayuda de la agente Bouvier a navegar por el paisaje, así como por algunos de los trucos que tenía bajo la manga funcionando a la perfección, Bond nunca habría obtenido la venganza por la que abandonó el MI6 (nuevamente).

Wai Lin, El mañana nunca muere

 

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Michelle Yeoh interpretó a una de las mujeres Bond más memorables que jamás haya aparecido en la gran pantalla: la coronel Wai Lin de la Fuerza de Seguridad Externa del Pueblo Chino. Una figura crucial en El mañana nunca muere de 1997; Wai Lin estaba investigando la trama malvada del villano de Bond, Elliot Carver(Jonathan Pryce), un megalómano que planeaba comenzar la Tercera Guerra Mundial para obtener calificaciones y beneficio personal. En un par de encuentros los dos unirían fuerzas para acabar con el magnate de los medios.

Elektra King, El mundo nunca es suficiente

 

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Quizás una de las villanas más astutas de Bond, Sophie Marceau dio un giro increíble en The World is Not Enough de 1999 como la malvada Elektra King. Con su padre muerto en los pre-créditos de la película, se veía a Elektra afligida, temiendo la amenaza del terrorista Renard (Robert Carlyle), quien se percibía que la acechaba. Pero lo que realmente sucedió fue que Elektra, radicalizada por Renard durante un secuestro anterior, regresó a casa con Sir Robert King, su padre, y planeó su muerte; junto con un gran plan para acaparar el mercado petrolero europeo.

Miranda Frost/Giacinta «Jinx» Johnson, Muere otro día

 

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Si bien Die Another Day no fue exactamente una película progresiva en lo que respecta a la acción de James Bond, logró darnos una de las parejas más fuertes de mujeres Bond en ambos lados de la moneda. Con la triple agente Miranda Frost (Rosamund Pike), el Bond de Pierce Brosnan sintió otro pinchazo similar al de Elektra King, en el sentido de que fue llevado por su ego y seducido a un rincón por alguien en quien se suponía que no debía confiar. Mientras tanto, Giacinta «Jinx» Johnson de Halle Berry estaba trabajando en su propio ángulo contra Gustav Graves (Toby Stephens), obsesionado con los diamantes, mientras se divertía un poco a expensas de Bond.

Camille Montes, Quantum Of Solace

 

Hay un fuerte argumento que Camille Montes (Olga Kurylenko) de Quantum of Solace es posiblemente la mujer más fuerte en las películas de Daniel Craig hasta la fecha. Una agente de inteligencia boliviana que busca vengar a su familia asesinada. Pero una vez que se puso al día con los planes de venganza de James, Camille se convirtió en una socia fuerte durante toda la misión para acabar con el sindicato del crimen que una vez se conoció como Quantum.

Eve Moneypenny, Skyfall/Spectre/No Time To Die

 

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El ingenio siempre ha sido una cualidad clave de las encarnaciones pasadas de Moneypenny vistas en la saga de James Bond. Pero la nueva encarnación de Naomie Harris, es la más animada que hemos visto en la historia de la serie.

Dr. Madeline Swann, Spectre/No Time To Die

 

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La doctora Madeline Swann (Lea Seydoux) nunca quiso ser parte de la misma extorsión y violencia que su padre, el agente de SPECTRE, el Sr. White (Jesper Christensen), se ganaba la vida participando. Pero como vimos en Spectre, la mujer que finalmente ganó el corazón de James Bond no solo fue rápida con su ingenio, también fue hábil con una pistola; un subproducto de crecer con un padre involucrado en una actividad criminal. Capaz de mantenerse en sintonía con la misión de James Bond de capturar al antiguo empleador de su padre, es posible que veamos algunas de esas habilidades de supervivencia en exhibición en No Time To Die, ya que el Dr. Swann regresará.

RELACIONADO | Las 20 películas más esperadas en 2020

M, Goldeneye

Por supuesto, no hay forma de que puedas hacer una lista de los mejores personajes femeninos de James Bond y dejar fuera a las más poderosas de todas. Uniéndose a la franquicia en Goldeneye de 1995 , y manteniendo su posición hasta Spectre de 2015 , la versión de M de Dame Judi Dench no tuvo reparos en poner a su agente estrella en las situaciones más peligrosas posibles. Aunque todavía era una figura maternal para Bond, no tenía miedo de vestirlo para sus travesuras en el campo, e incluso hizo que le dispararan para evitar que se filtrara una lista de sus agentes.

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Análisis de Que Bello Es Vivir, la cinta más conocida de Frank Capra

Que Bello Es Vivir

Aunque hoy es considerada su película más conocida y representativa, en su estreno «Que Bello Es Vivir» fue recibida muy tímidamente por un público que la juzgó medianamente bien pero sin llegar al entusiasmo que genera hoy día, por una crítica que confundió la extensión (o distensión ) de un imaginario donde un cuento de navidad se convierte en poesía.

Y no fue eso lo peor, en aquella época el FBI emitió un comunicado oficial quejándose de una supuesta propaganda comunista, para ellos perceptible a través de temas populistas y, en concreto, en el retrato poco halagador de los banqueros de la ciudad.

Que Bello Es Vivir ha envejecido muy bien

Que Bello Es Vivir

En la década de los 60 se agotaron los derechos y no se renovaron, la película corría el riesgo de caer en el olvido pero, al pasar a ser de dominio público, en la década de los 70 terminó casi por casualidad para ser retransmitida de forma gratuita y regular por las televisoras estadounidenses, que la adoptaron como la película navideña por excelencia. Por tanto, fue redescubierta y a partir de aquí comenzó su leyenda que año tras año solo crece.

La base de la película es «The Greatest Gift», un cuento de Philip Van DorenStern, escrito (1939) e inicialmente publicado (1943) sólo de forma privada como una tarjeta de Navidad para regalar a amigos y familiares. Una vez que se registró la propiedad de los derechos, fue comprada por RKO, con la intención de hacer una película con Cary Grant, pero el guión no convenció así que fue reescrito y se vendieron los derechos de la historia a Liberty Films.

Esta era la nueva productora fundada por Frank Capra (junto con George Stevens, William Wyler y Samuel J. Briskin). En la fase de guión hubo muchos cambios en comparación con el texto original y aún más claras las inserciones fundamentales desde cero, desde la introducción de un personaje fundamental como Henry F. Potter hasta la última parte del mundo alternativo que reemplaza el choque con un alter ego que prefería el dinero a los sentimientos.

A fin de cuentas, nació un texto que poco tenía que ver con la historia y el espíritu del cuento original, nació una historia más ligada a la visión de Frank Capra.

Un choque entre los sueños y la realidad

Que Bello Es Vivir

La película está completamente ambientada en la provincia imaginaria de Bedford Falls, un lugar que merece elevarse a la ubicación arquetípica de todo el cine de Capri. Una ciudadana norteamericana que lleva en sí un artificio fílmico inseparable de la realidad de la época donde todo es tocado por los rumores de la guerra.

La hipotética distancia entre una visión realista de la vida y el imaginativo humano, una cinta donde la realidad y los sueños chocan de frente en la vida de George Bailey. El sueña con viajar por el mundo y conocer muchos lugares, no desea quedarse de por vida en un escritorio como le pasó a su padre, pero lamentablemente así ocurre.

En esta cinta existen tres elementos que son sello del cine de Capra, optimismo, honestidad y sentimiento. En una inspección más cercana la escalada hacia la reconciliación con uno mismo y con el mundo pasa por un viaje no solo salpicado de obstáculos a superar, sino marcado por heridas que a veces no se curan y es nuestro deber sanarlas.

«Que Bello Es Vivir» es una asombrosa parábola de  Charles Dickens que alcanza su punto máximo en los últimos 40 minutos. La historia es conocida, debido al descuido del tío Billy, después de haber perdido el dinero necesario para mantener personalmente el negocio familiar, George está al borde de la desesperación lo suficiente como para contemplar el suicidio.

En ese momento, enviado por Dios, el ángel de segunda clase Clarence acude a su rescate y, si logra disuadir al protagonista de este acto extremo, se ganará sus alas. Para hacer esto, lo confronta con una realidad alternativa, un mundo en el que George Bailey nunca nació.

La reconciliación de George Bailey consigo mismo y con la vida

Que Bello Es Vivir

Esta parte de la cinta no se limita a cumplimientos alegóricos, a partir del arrebato familiar, George Bailey se prodiga en un abismo de espacio y tiempo donde el distrito no es simplemente un campo de pobreza desconsolada sino un territorio dominado por el dios del dinero, el alcohol y el sexo. En un clímax donde se ve la opresión y donde la Navidad ya no es una fecha en la que celebrar.

Queda la amargura de toda la vida; y Potter queda impune, un personaje claramente inspirado en un Ebenezer Scrooge (sin redención esta vez), el mundo alternativo también es un viaje al final de la noche en un espacio-tiempo que cuestiona o quizás destruye el sueño americano con el que antes se fantaseaba. Un viaje, cuyo punto de llegada nos pone ante una caída de la parafernalia. En ese momento George Bailey se queda con su propia alma unida a la de sus seres queridos.

La unión terrenal más elevada que, cuando suena la campana y el ángel ha desplegado sus alas, sólo puede llevarnos a la emoción más honesta y liberadora que el cine nos ha brindado jamás. «Que Bello Es Vivir» nos enseña que todos tenemos una misión de vida y que somos importantes para alguien, nos enseña a apreciar más a nuestra familia, nuestros amigos y a nosotros mismos.

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