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Origen – El cine a través de Christopher Nolan (Inception)

Origen

Año nuevo, sección nueva. Y es que a lo largo de todo este año 2018, en la Sexta Butaca vamos a analizar el cine a través de sus principales directores. Cada mes, cogeremos a un director y a lo largo de cada semana, analizaremos una de sus obras. Veremos su origen, porqué es relevante, en que destaca y cómo influye o influyó en este maravilloso séptimo arte. ¡Y aquí es donde vas a influir tú también!

El objetivo de esta sección, será el de ir descubriendo y aprendiendo juntos la evolución de la historia del cine, tanto clásico como moderno. Como no podría ser menos, este mes comenzaremos con uno de mis directores favoritos, el gran, y en ocasiones tachado de sobrevalorado, Christopher Nolan. Con la ayuda de Warner Bros, sacó a la luz una de sus obras magnas; Origen.

“En el sueño, tu mente funciona más rápidamente, por lo tanto el tiempo parece ir más lento”

Origen

Christopher Nolan Origen

Si por algo destaca Nolan, es por saber acercar su cine a todo el mundo. Sus obras son universales y están hechas para que personas de cualquier gusto puedan disfrutar con ellas. Por esta razón 4 de sus films están entre las 100 cintas que más dinero han recaudado de la historia. Con ésto ha conseguido ganarse el aprecio del gran público. Con solamente dos planos puedes reconocer que estas viendo una película suya, ya que Nolan es algo más que un director, es un autor y este autor tiene un estilo muy bien definido.

Nolan es el equilibrio perfecto entre una obra de masas y una obra de nicho. Planteandonos en cada una de sus obras cuestiones relacionadas con los entresijos de la mente humana. Pero nunca por encima de las posibilidades del espectador medio. Y su obra Origen es eso, un perfecto equilibrio entre dos capas.

Origen

Si con Origen hubiese buscado enrevesar más la obra hasta tal punto que no supiéramos si lo que estamos viendo se trata de un sueño o de la realidad, su final cobraría una mayor relevancia y la obra alcanzaría el clímax que tanto ansía encontrar pero que no logra conseguir. Si Nolan se hubiese decantado por la opción de jugar hasta tal punto con el espectador, para que este no supiese distinguir lo real de lo ficticio, está probablemente hubiera sido una obra dirigida a un público en concreto y no dirigida al gran público. Y Christopher Nolan no busca eso.

¿Pero esto convierte a Nolan en uno de los mejores directores de todos los tiempos? Ni mucho menos. El gran problema que le encuentro a Origen es que busca crear una tensión constante pero de una forma completamente artificial. Y es allí donde en sus obras se ve la mano del director. En Origen hay cosas que suceden porque el director quiere, porque es necesario para que la obra avance. Y esto se ve reflejado una y otra vez en cada una de sus 9 obras. Sin embargo y a pesar de sus fallos Origen es impecable en una faceta.

Veamos porqué Origen es la muestra perfecta de como hacer una obra con un trasfondo inteligente pero no confuso.

Origen – Óscar a la Mejor Fotografía

Origen, al igual que muchas de las obras de Nolan, son técnicamente casi perfectas. Algo que destaca de de una manera sobrehumana, son todos los planos y la fotografía del film. De hecho, ganaron el oscar a la mejor fotografía. Esto es porque siempre sabe rodearse de un buen equipo que le ayude a ello. Por ejemplo su fiel amigo y director de audio Hans Zimmer. Dicha faceta la veremos reflejada sobre todo en una de las tres obras sobre las que hablaremos durante este mes.

Pero volvamos a Origen. En esta cinta, Nolan rompe más de una vez su propia narrativa con el fin de provocar una emoción en más de una escena. Por ejemplo a lo largo de todo el tiempo que pasan juntos Saito y Fischer, este último no lo reconoce a pesar de ser su principal adversario con mercado. Si Saito es uno de los hombres más ricos de todo el mundo, ¿cómo es que Fischer no es capaz de identificarlo? Y este es solamente un ejemplo de los muchos agujeros que tiene la trama.

Origen

Paprika Satoshi Kon es el ejemplo perfecto de cómo son los sueños y estos se desarrollan. De manera confusa y desordenada, este clásico de la animación Japonesa, confunde y desorienta al espectador para hacerle ver que en los sueños nada tiene porque tener un sentido fijado. Más bien, el sentido se va fijando conforme estos sueños se conectan entre sí. Los sueños en Origen están adaptados claramente para que el público universal no se desoriente. Y es que Nolan es un vendedor más que un genio cinematográfico. Sabe cómo hacer cine pero más importante, sabe cómo venderlo. 

Nolan destaca sobre otros directores de Hollywood porque sus obras no trascienden pero tiene un estilo propio ya definido. Origen no destaca pero logra funcionar. Y nunca hay que olvidar que la industria del cine tiene como propósito vendernos un producto. El cómo se puede hacer peor o mejor, pero la intención es la de vender. ¿Nolan lo logra? Por supuesto. Como mencionamos al principio de este artículo, 4 de sus 9 obras están entre las 100 con más recaudación. Y Origen es una de esas obras.

Origen

¿Cómo influyó Origen en el cine?

Solo hay que remontarnos 8 años atrás, hasta el año 2010. Si por algo se caracteriza Origen es por su tratamiento del guión. Para tratarse de un blockbuster su originalidad fue la principal clave para pillar desprevenidos a la gran mayoría. Su creatividad y fuerte visión fueron maravillosamente asombrados, demostrando que partiendo de una espléndida idea se puede lograr algo muy grande.

No obstante, la grandeza de Origen es a su vez su mayor debilidad. El guión tiene fallos y en algunos casos grietas como hemos visto antes. Pero gracias a esto estos, el director consigue hacer que tanto los amantes más puros del séptimo arte, y de las obras más enrevesadas como Paprika, puedan coincidir en una sala y ambos salgan satisfechos con lo que acaban de ver.

La ejecución de la obra es prácticamente sublime. Durante los casi 150 minutos de proyección, su estructura y ritmo no decae siquiera por absurdos intervalos. Sino que se mantiene en un género que combina ciertos elementos de otras clases para lograr un resultado espléndido. Un equilibrio perfecto entre lo común y lo innovador.

Origen

Nolan puede ser un director sobrevalorado al igual que su película Origen, pero si en algo coincidimos todos, es que su cine se ha convertido a día de hoy en un fenómeno de masas. Christopher Nolan no será el mejor director ni sus obras contarán con el mejor guión. Pero la esencia que envuelve a todas ellas es magnética y especial, y esto lo convierte en un de los mejores directores contemporáneos, y por supuesto en uno de los más famosos.

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Crítica Suspiria (2018) – Cuando el infierno se viste de cielo #Sitges2018

Primer día del festival de Sitges. Ya tenía ganas de volver a respirar ese ambiente único que desprenden las calles de la pequeña pero pintoresca localidad catalana durante el certamen. Y si el inicio del festival ya no fuera de por sí motivo de alegría, es Suspiria (2018), el remake de Luca Guadagnino, la encargada de dar el pistoletazo de salida. Llevo siguiendo la pista de este título desde que se hizo oficial su existencia, principalmente porque quería ver cómo el director de Call me by your name, una obra caracterizada por su realismo y naturalismo, reimaginaba la película de Dario Argento, cuya singularidad es el artificio y la exageración. La curiosidad por ver cómo dos mundos totalmente opuestos colapsaban me comía por dentro, y más aún cuando la película estaba consiguiendo dividir a la crítica por completo.

Ahora, después de verla, puedo garantizar que de este choque de universos ha surgido algo que difícilmente te dejará indiferente.

¿Esto es un remake?

No, esto no es un remake. Lo único que tienen en común las dos versiones de Suspiria es su premisa más básica, que ambas suceden en una academia de baile y que un aquelarre de brujas está haciendo de las suyas por ahí. Y nada más. Veía necesario empezar aclarando este punto porque creo que crear una comparación entre ambas es prácticamente inútil. Guadagnino toma prestada la base de Argento para reinventar el relato, añadiéndole unas intenciones totalmente distintas a las de la cinta original. Pero quitando eso, ni siquiera parece que la primera influencie a la segunda.

Suspiria (2018): Guadagino ha creado una pesadilla

La nueva Suspiria no tiene ningún miedo de arriesgar. Toda la película está plagada de pequeños intentos de Guadagnino por crear una nueva forma de concebir el terror, mucho más compleja y sofisticada que a la que estamos acostumbrados a ver en las salas comerciales. Suspiria es un soplo de aire fresco para un género que ha hecho muchos esfuerzos en vano por evolucionar a algo más sofisticado que el sobresalto fácil. El director italiano fusiona su estilo pausado y estricto de componer las imágenes con otros estilos preexistentes del género como el body horror o el onirismo lynchiano, creando una forma de terror increiblemente efectiva. Suspiria no asusta, perturba. Te genera un malestar casi permanente que un servidor no sentía desde El Resplandor de Stanley Kubrick. Y es que ambas consiguen coger el cielo y convertirlo en el infierno.

Narrativamente, la versión de Guadagnino es muy superior a la de Argento. Mientras la Suspiria original nos presenta una trama más bien básica que simplemente se adorna con una puesta en escena muy original y efectiva; la nueva cinta busca crear un relato mucho más complejo y asfixiante, lo cuál consigue, pero no del todo. La trama sabe cómo avanzar, creando giros inesperados y situaciones deliciosamente perversas (de verdad, muy perversas), pero Guadagnino no sabe cómo medir los tiempos. El director parece querer adaptar a Suspiria ese ritmo pausado y contemplativo que tan bien le funcionó en Call me by your name, pero en esta ocasión no ha sonado la campana.

Una atmósfera asfixiante

La excesiva lentitud de los acontecimientos provoca que esa asfixia que algunas escenas te generan desaparezca progresivamente y se convierta, incluso, en aburrimiento. Creo que un ritmo más rápido hubiera hecho que la película fuera mucho más efectiva. Y puestos a hablar de lo malo, tenemos que hablar del final, el cual, a causa de este afán de Guadagnino por innovar, desentona demasiado del resto de la cinta.

Mención especial a la banda sonora de la película. Después de toda la polémica que desataron las canciones que Thom Yorke compuso para Guadagnino, tengo que salir a defenderle. La música parece acompañar a la perfección el tono misterioso y onírico que presenta la cinta. En una película donde lo melódico tiene tanta importancia; el componente de Radiohead ha sabido estar más que a la altura. Puestos a hacer menciones, hay que alabar todas y cada una de las actuaciones, en especial la de la siempre maravillosa Tilda Swinton y la de Dakota Johnson que, aún no ser santa de mi devoción, resulta más que convincente (y sí, es una bailarina sensacional). Ah, y que nadie le pierda la pista a Mia Goth, la cual hace un papelón y va camino de convertirse en una figura fundamental del género.

Como véis, muy poco malo que decir de Suspiria (2018). Es cierto que tiene sus errores y que los curiosos experimentos de Guadagnino no siempre salen bien; pero creo que siempre es digno de admirar ver como un director intenta innovar con un género tan complejo como es el terror; más siendo su primer contacto con este. Espero grandes cosas de ti, Guadagnino. No me decepciones. Y siendo directo, sí. Esta es la película de terror del año.

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Crítica: 7 días en Entebbe, el debate entre lo que está bien y lo que es correcto

El director brasileño José Padilha no es ajeno al género de acción; es conocido por la serie Elite Squad y la nueva versión de RoboCop. Esta vez, Padilha dirige 7 días en Entebbe, producida por Working Title Films, y escrita por Gregory Burke (’71); basada en los eventos de la vida real que tuvieron lugar en julio de 1976, cuando un grupo de revolucionarios secuestró un vuelo de Air France. Con 250 pasajeros en ruta desde Tel Aviv a París. Los secuestradores dejaron el avión en Entebbe, Uganda, donde mantuvieron cautivos a los rehenes durante una semana. La película muestra la “Operación Entebbe” de la vida real; una misión antiterrorista de rescate de rehenes lanzada por el Primer Ministro Yitzhak Rabin, y llevada a cabo por la Fuerza de Defensa israelí. La película está disponible en diversas plataformas y nosotros hablamos de ella.

7 días en Entebbe, otra vez

El secuestro de Entebbe se ha contado varias veces; en las películas Raid on Entebbe y Operation Thunderbolt, por ejemplo. El último rey de Escocia, también contiene el suceso como una trama secundaria. Padilha toma un enfoque diferente; 7 Days in Entebbe nos ofrece una narrativa “desde dentro” enfocada específicamente en dos revolucionarios alemanes. Uno, un poco tímido, Wilfried (Daniel Bruhl) y la otra, una nerviosa, pero intrépido, Brigitte (Rosamund Pike). Wilfried y Brigitte son solo dos miembros del grupo secuestrador formado por pro palestinos. Los dos alemanes parecen estar fuera de lugar en un grupo que tiene ideas contrastantes de lo que es un “revolucionario”.

El atractivo de los personajes (y las interpretaciones)

Sin embargo, Bruhl y Pike aprovechan al máximo sus personajes. Hay momentos en los que te sientes mal por ellos; incluso más que los propios rehenes. El arrepentimiento y el pánico que los supera a medida que se acercan los siete días hacen que quieras creer que lo que están haciendo es bueno, de esa forma abre un debate entre el público: es correcto o está bien lo que han hecho. Bruhl, en particular, hace un gran trabajo al transmitir creíblemente la angustia que este hombre siente al tener que equilibrar sus convicciones y su humanitarismo, agregando profundidad de carácter que de alguna manera falta en el guión de Gregory Burke.

Recibimos flashbacks del pasado del dúo en un intento por subrayar su motivación y proporcionar contexto, pero estos saltos en el tiempo retrasan la historia a un ritmo lento. En otra parte, hay un argumento secundario que involucra a un soldado israelí (Ben Schnetzer) y la interpretación interpretativa de su novia (Zina Zinchenko) que nunca se explica.

Agregando a la mezcla de personajes complejos están el Primer Ministro, Rabin (Lior Ashkenazi), y su ministro de defensa, Shimon (Eddie Marsan). Rabin quiere negociar con los terroristas, algo que los israelíes insisten en que nunca se debe hacer; mientras que Shimon quiere hacerse cargo de un plan de rescate audaz. Luego está el presidente ugandés Idi Amin (Nonso Anozie), que felizmente recibe a los terroristas y les suministra tropas y armas. Idi Amin fue un dictador brutal de su tiempo, sin embargo, esta película retrata un lado algo nervioso y débil de él.

Lo mejor para el final

Como cualquiera que esté familiarizado con los eventos de la vida real lo sabrá; explotará con el infame ataque de las fuerzas especiales israelíes en el aeropuerto. Es aquí donde el director José Padilha muestra sus habilidades principales como cineasta; brindando la misma sensación de asombro y asombro que mostró por primera vez en ambas películas de Elite Squad (y en menor medida en el remake de Robocop). Secuencia importantísima. La redada no dura mucho, pero proporciona un signo de exclamación apasionante a una película que intenta admirablemente contar un evento histórico importante y complejo en el contexto de un thriller accesible.

Aunque hay demasiadas cosas que hacer para que lo maneje; la película involucra y es lo suficientemente provocativa por derecho propio para atraer la atención.

7 días en Entebbe es una película bien hecha, aunque está lejos de ser cautivadora. Es un duro recordatorio de que la paz entre Israel y Palestina sigue siendo una cosa de décadas que lamentablemente no parece tener ánimos de acabar.

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Critica: Venom, Una película valida para dar inicio a un Universo Cinematográfico

Venom

No es lo que esperábamos, para bien o para mal. Durante días hemos estado recibiendo información diferente sobre lo que íbamos a encontrar en Venom, la película protagonizada por Tom Hardy y dirigida por Ruben Fleischer. Algunos dijeron que sería la peor película del año (alimentados por las palabras de Tom Hardy). No es la peor película del año, ni la mejor.

Es una mezcla de ideas brillantes y otras no tanto, se nota una implicación de parte de los involucrados y amor por los cómics, pero con necesidades de ser un éxito en taquilla, por eso su clasificación es PG-13 para todos los públicos.

Debido a que la película no tiene la categoría R, la audiencia será más numerosa (es una realidad, llevan ya más de 200 millones de dólares en taquilla), pero también veremos menos sangre en la pantalla. Y el personaje de Venom necesitaba esa sangre para hacer la película que los fanáticos han estado exigiendo durante años.

Venom, un origen diferente al de los comics

Venom

La historia es bastante genérica. Es una película sobre el origen del personaje, un antihéroe violento con una obsesión por proteger a los inocentes. Y muy vinculado a Spiderman en los cómics, porque el simbionte estaba vinculado a Peter Parker antes que Eddie Brock, el personaje interpretado por Tom Hardy.

La película esquiva esa bala, dando un origen más cercano a la serie de animación de los años noventa, y permite que el personaje sea libre para crear su propio destino sin vivir en espera de lo que haga o no haga Spiderman. Es una de las mejores cosas de la película.

Pero Venom también tiene errores que dañan el resultado final. Algunos están cometiendo errores que parecen incomprensibles, como Michelle Williams. Aunque no lo parezca, la actriz es la que sale peor parada del reparto. Williams ha sido nominada cinco veces para el Oscar, por lo que no parece lógico, pero es cierto.

Riz Ahmed, un villano siniestro

Venom

Riz Ahmed compone un villano tópico, pero con un punto siniestro. El enemigo principal de Venom en la trama, Carlton Drake interpretado por Riz Ahmed, carece de profundidad, su motivación no es creíble, y peor aún, luego que se transforma en Riot tampoco profundizan en cómo se integra el objetivo del simbionte de invadir la tierra y acabar con la humanidad con la visión de Drake de evolucionar en una raza superior de humano para explorar el espacio.

La estrella, por supuesto, es Tom Hardy. Su personaje perdedor y su combinación con Venom son el alma de la película. Respeta completamente la esencia del cómic, pero también agrega un punto de humor negro muy divertido. Solo para ver cómo Venom y Eddie discuten, como una extraña pareja, vale la pena ver la película. Y, por cierto, Venom no aparece solo cinco minutos en pantalla. Es el centro de la historia y podemos disfrutarla durante muchos minutos.

Impresiones finales

Venom no es perfecta, pero es muy entretenida. Si, sus efectos visuales son magníficos, pero también lo es su humor negro. Si sus escenas de acción abusan del CGI, su tono de serie B no nos preocupa en absoluto. La película despega tan pronto como el simbionte hace acto de presencia, y su ritmo continúa creciendo hasta el final, quizás no sea un gran final, pero muy agradable.

También hay dos escenas post-crédito, la primera esencial (y nos hace preguntarnos si podrán hacer esa película en el futuro) y la segunda… bueno, es mejor dejar que la audiencia lo descubra. Estoy seguro de que, a pesar de lo que muchos dicen, Venom se convertirá en una película de culto, y no puedo dejar de pensar en la posible continuación, con todas las posibilidades que ofrece la historia que han presentado ahora.

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