Debates
Mejores remakes de todos los tiempos, apropósito de MIB
¿Remake? ¿Reboot? ¿Secuela? Aquí lo que sabemos es que mañana se estrena MIB, la nueva versión. Por eso, hemos decidido agrupar los mejores remakes de todos los tiempos.
Estas obras muestran que cuando se hacen con intención de director, en lugar de un comercialismo cínico, los remakes pueden ser algunas de las películas más inventivas que se hayan hecho.
Mejores remakes de todos los tiempos
Cada uno de los 15 directores presentados aquí, que van desde Alfred Hitchcock hasta Frank Oz, encontraron formas extremadamente diferentes de hacer que el material fuera suyo. Algunos utilizaron viejas historias para revelar algo nuevo sobre el presente; algunos dieron la vuelta a una premisa para crear algo nuevo; y otros utilizaron sus viejas películas para explorar cómo habían evolucionado como artistas.
«La invasión de los Ultracuerpos» (1978)
Las películas de ciencia ficción y de terror son a menudo nuestros mejores vehículos para enfrentarnos a los males que se encuentran debajo de una sociedad. La mancha de Don Siegel, y en ocasiones original humorística, capturó el lado insidioso de la paranoia de la Guerra Fría.
Trasladando la historia de la pequeña ciudad a San Francisco, donde, en lugar de confiar en el tema alienígena, encuentra una forma más sutil que se deriva de la distancia entre los humanos.
“Peter y el Dragón” (2016)
La premisa y el tono que impulsan la mayoría de los reboots de Hollywood de los clásicos para niños es que prometen dar nueva vida a la propiedad con lo último en técnica. David Lowery, un director independiente que fue una elección sorpresa de Disney, adoptó un enfoque diferente al encerrarnos en la maravilla de un niño y el vínculo que ha formado con un dragón.
Si bien el dragón en sí es un testimonio del realismo que se puede lograr con el CGI de hoy, la película tiene una calidez y nostalgia análogas para un momento en el que construir mundos de historias únicas no dependía del espectáculo y la sobrecarga sensorial.
«La Tienda De Los Horrores» (1986)
Este musical transformó la película B de Roger Corman de los años 60 sobre una planta que se alimenta de seres humanos en un tipo completamente diferente de película. El director Frank Oz se basa en la adaptación musical de Broadway que procedió a la nueva versión de la película al crear un centro de Nueva York particularmente áspero con una estética de Hollywood.
Eso podría parecer paradójico, excepto que la versión de Oz se apoya en el mundo de los solitarios, y al mismo tiempo marca la alegría de un musical de Hollywood y las increíbles interpretaciones de su elenco, especialmente Ellen Greene, Steve Martin, y luego el recién llegado Rick Moranis. La película está diseñada para entretener a través de una lente extraña, un sentido del humor retorcido y un corazón empático.
«El hombre que sabía demasiado» (1956)
Hay quienes prefieren la diversión directa y enérgica de las películas británicas en blanco y negro de Alfred Hitchcock en comparación con sus películas estadounidenses más elaboradas y pesadas de los años cincuenta. Sin embargo, una comparación de las dos eras, a través de sus versiones de 1956 y 1934 de «El hombre que sabía demasiado», revela precisamente en qué se convirtió un maestro y artista Hitchcock. La versión de 1934 avanza y se entretiene de manera ingeniosa, pero Hitchcock aprendió a usar el thriller para llevar al público a un mundo donde controlaba todas nuestras reacciones, pensamientos y sentimientos.
Utilizó el cine subjetivo para llevarnos a un viaje psicológico estructurado para involucrar profundamente al espectador en la acción, pero también obligó a la audiencia a enfrentarnos a las bestias traviesas voyeuristas que somos.
«Sorcecer» (1977)
Los «Carga Maldita» de Henri-Georges Clouzot de 1953 contienen algunas de las mejores direcciones de suspenso de la historia, pero también es intencionalmente doloroso de ver: un brutal 156 minutos de un camión lleno de explosivos conducidos sobre terrenos imposibles por hombres tan desvalidos que están obligados aceptar la misión suicida.
William Friedkin toma la premisa y la convierte en una película de acción que mantiene al público al borde de sus asientos.
«Ocean’s Eleven» (2001)
Bueno, otro truco para los remakes es tomar una película realmente mala y mejorarla. Steven Soderbergh toma la idea mal ejecutada que se esconde detrás de la película de robos de 1960 para crear una película que no solo se alimenta del carisma en pantalla de las estrellas de cine reales, se convierte en casi una meta-película sobre el estrellato.
Soderbergh siempre ha estado fascinado por el proceso y la mecánica, y aquí la audiencia se mantiene cuidadosamente un paso por delante (o eso creemos). La alegría se convierte en verla desarrollarse de una manera que se basa en el encanto y la astucia que cada miembro del reparto lleva a un papel a la medida de su personaje único.
«La mosca» (1986)
David Cronenberg se divierte en el género de mediados de siglo, le inyecta con un gore espantoso y un punto de vista retorcido, y de alguna manera todavía hizo una película que fue tan buena que se convirtió en un gran éxito.
Jeff Goldblum interpreta a un científico que prueba su avance de la teletransportación en sí mismo y se convierte en un tábano. Sin embargo, mientras la película empuja los límites, debajo de ella se encuentra el núcleo de una película de monstruos convencional de la década de 1950 – la «The Fly» original fue dirigida por Kurt Naumann y se basa en el libro de George Langelaan, que nos permite buscar y encontrar al ser humano enterrado debajo el horror.
«La cosa» (1982)
En Howard Hawks «The Things» (1951), el conflicto se supera por la forma en que los profesionales pueden trabajar juntos; en el mundo de John Carpenter, lo que impulsa el horror es la paranoia, el miedo y el aislamiento, algo que crea en esta película con una intensidad que pocos cineastas han igualado.
El terror se construye paso a paso hasta que explota. Los efectos prácticos y el diseño de criaturas son algunos de los mejores en la historia del cine. Una película que te atrapa por la garganta y no te suelta.
“Heat” (1995)
Atención a los estudiantes de cine: no hay mejor lección de filmación que las que puede obtener al comparar una obra maestra con su primer borrador. Las ideas están presentes en ambos, pero lo que queda al descubierto es el oficio que normalmente se da por sentado cuando el producto final es tan exacto.
No es una exageración decir que Michael Mann hizo un borrador inicial de «Heat» seis años antes con una película para televisión, «LA Takedown«. Escenas completas, incluida la famosa escena de Al Pacino vs. Robert De Niro, existen en la escena original, y revela el bosquejo de Mann, trabajando para encontrar la estructura fundamental para construir su obra maestra. Cuando llegó el momento de hacerlo de verdad, con estrellas, dinero, tiempo y un arsenal de los mejores talentos por debajo de la línea, ver las dos películas seguidas le da vida a cada golpe, cada movimiento, y es una gran experiencia cinematográfica.
“Ha nacido una estrella” (1954)
El debut como director de Bradley Cooper es la cuarta versión de Hollywood de «A Star Is Born«. El escenario más probable para Cooper es la segunda mejor versión de una historia que se remonta a la década de 1930.
Pero es George Cukor quien trae todo esto a la mesa para una película que cruza los musicales con el melodrama de una historia de dos amantes (Judy Garland y James Mason), que se cruzan en el camino entre ser nadie y una estrella. En los increíbles números musicales, Garland libera algo de su propia verdad personal y dolorosa de Hollywood. La mejor película sobre Hollywood jamás hecha.
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Curiosidades
Empoderamiento femenino en el cine, películas con ‘chicas poderosas’
Los personajes femeninos de poder fueron una rareza en el cine por muchas décadas. Nos preguntaban por un personaje así y pensábamos en Carrie Fisher en Star Wars o la protagonista de Alien. Lo cierto es que cada año, más y más personajes femeninos están acaparando nuestra atención. El empoderamiento femenino en el cine cada vez está más presente y hoy, para celebrarlo, hemos hecho una lista de películas que tienen protagonistas dignas de admirar.
Empoderamiento femenino en el cine
El empoderamiento femenino en el cine está liderado por ellas…
10 cosas que odio de ti
Un clásico para todas las chicas de los 90, 10 cosas que odio de ti cuenta con una de las feministas más memorables de todos los tiempos: Kat Stratford. En los primeros destellos de Kat en pantalla, la vemos poniendo a todo volumen música de Joan Jett, criticando a Hemingway (con razón) y leyendo La campana de cristal. Esta película inspiró a toda una generación de feministas
9 to 5
Para una noche de cine de la vieja escuela con una fuerte dosis de poder femenino, echa un vistazo a 9 to 5. Encabezada por un reparto de genias formado por Dolly Parton, Jane Fonda y Lily Tomlin, la película sigue a tres mujeres que, hartas de su jefe sexista y egoísta, deciden vengarse.
Aunque algunos críticos sostienen que la película convierte el feminismo en una caricatura, el mensaje central de solidaridad y política en el lugar de trabajo sigue siendo sorprendentemente relevante a día de hoy.
A League of Their Own
Si necesitas convencerte de la importancia cultural de A League of Their Own (además del hecho de que está protagonizada por Tom Hanks, Geena David y Madonna), la película tuvo tal impacto que ha sido conservada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.
Siguiendo la trayectoria de la All-American Girls Professional Baseball League durante la Segunda Guerra Mundial, la película ilustra la profundidad y las capas de la feminidad y la importancia de la amistad femenina. Y también demuestra que se puede hacer una película sobre mujeres sin centrarla en un romance.
Alien
Alien es un clásico por sí sola, pero no sería ni la mitad de lo que es sin la heroicidad de Ripley (interpretada por Sigourney Weaver). Alien, una película de terror de ciencia ficción de los años 70 y probablemente una de las favoritas de los padres de todo el mundo, sigue a la tripulación de una nave espacial que debe enfrentarse a una horrible entidad alienígena que se ha propuesto cazarlos uno a uno. Ripley es una de las dos únicas mujeres a bordo, y es difícil no levantar el puño cuando ves sus heroicidades con las pistolas y los alienígenas.
Clueless
Clueless es realmente una película sobre feminismo disfrazado. Aunque mucha gente en Internet no está de acuerdo sobre si la película es feminista o no, es difícil ver la transformación de Cher hacia una mujer fuerte y no sentirse inspirada.
Claro, las mujeres de la película se preocupan mucho por la apariencia y los chicos, pero en el núcleo de la película, encontrarás mensajes sobre la amistad femenina, la confianza y la fuerza de la feminidad.
Criadas y señoras
Aunque se centra principalmente en el Movimiento por los Derechos Civiles y las relaciones raciales a lo largo de la década de 1960, Criadas y señoras muestra una miríada de mujeres increíblemente valientes y pioneras.
La película sigue a varias jóvenes blancas de la alta sociedad y sus relaciones con sus criadas afroamericanas. Cuando una joven periodista blanca, interpretada por Emma Stone, decide escribir un reportaje sobre el racismo que las criadas sufren a diario, se desarrolla una trama rica en lecciones sobre el coraje femenino, la integridad, la hermandad y la determinación de hacer lo correcto.
Legalmente rubia
Legally Blonde, que comienza como una comedia romántica, se convierte rápidamente en la historia de una mujer que rompe las expectativas y se labra su propio camino hacia el éxito, a pesar de las críticas constantes y el sexismo rampante. Elle Woods invierte por completo el estereotipo de la chica rubia y tonta de la hermandad de mujeres que se supone que es, demostrando que tu aspecto y lo que los demás piensen de ti nunca deben impedirte perseguir tu sueño… o resolver un asesinato.
She’s the Man
Esta película, que hace reír a carcajadas, presenta a una joven de carácter fuerte que quiere jugar al fútbol cueste lo que cueste, a pesar de los deseos de su madre de que se convierta en una debutante formal y correcta.
Cuando el equipo de fútbol de la escuela de Viola Hastings es eliminado, ella toma el lugar de su hermano gemelo en la escuela, y se hace pasar por él mientras toma su lugar en el equipo de fútbol. Hastings, interpretada por Amanda Bynes, demuestra que las chicas pueden hacer cualquier cosa que hagan los chicos -y mejor- al marcar el gol de la victoria para el equipo masculino, conmocionándoles y haciéndoles sentir el máximo respeto por ella.
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Vaiana
Puede que Moana sea una película infantil, pero no hace falta ser un niño para pensar que mola, o para darse cuenta de su trasfondo feminista. Al fin y al cabo, Vaiana se encargó de salvar a toda su aldea, cruzó el océano en barco -por primera vez en la historia, si se me permite añadir, insistió en que el semidiós Maui se uniera a ella y ayudó a restaurar el corazón de Te Fiti cuando este no pudo hacer el trabajo. En definitiva, Vaiana demuestra a las niñas que, con determinación y resistencia, pueden hacer todo lo que se propongan.
Debates
Cuáles son las mejores películas de Pixar
Durante los últimos más de veinte años, Pixar nos ha presentado películas y personajes que permanecen en nuestros corazones mucho después de que rueden los créditos. Pero, ¿cuáles son las mejores películas de Pixar? A propósito del estreno de Elementos, hemos reunido una lista con las mejores películas de Pixar, sin un orden preferencial pero sí cronológico.
Cuáles son las mejores películas de Pixar
Es hora de echar un vistazo a esta lista y ver cuáles son las mejores películas de Pixar.
Toy Story (1995)
La primera y la mejor película de Pixar. Toy Story es corta, sencilla y dulce. No es tan madura ni tan ingeniosa como algunas de las películas que vinieron después. Sin embargo, es una película perfecta. Desde el momento en que empieza a sonar la inolvidable canción de Randy Newman «You’ve Got a Friend in Me«, sabemos que vamos a pasar un buen rato.
Woody y Buzz Lightyear son la pareja dispareja por excelencia y están perfectamente interpretados por Tom Hanks y Tim Allen, respectivamente.
No faltan personajes entrañables, frases célebres ni momentos memorables. Sentó las bases de lo que vendría después y dio lugar a tres secuelas. Por todo eso y más, Toy Story es la mejor película de Pixar.
Toy Story 2 (1999)
Toy Story 2 fue la tercera película de Pixar y su primera secuela. Continúa justo donde terminó Toy Story y nos lleva a una nueva aventura con Woody, Buzz y la pandilla. Salimos del barrio de Andy y nos aventuramos por el resto del mundo, lo que hace que esta película parezca más grande que la primera. También nos presenta a Jessie la Vaquera, Bullseye y una canción clásica de Sarah Mclachlan.
Monsters, Inc. (2001)
Monsters, Inc. hace algo que Pixar no había hecho hasta entonces. A diferencia de las películas de Toy Story o A Bug’s Life, que se basaban en cierta realidad, Monsters, Inc. crea todo un mundo propio. Monstropolis está llena de personajes coloridos, vibrantes y únicos que sientan las bases de la ambientación de la película.
Mike y Sully son dos monstruos que viven en la bien llamada Monstrópolis y trabajan en Monstruos S.A., donde han sido entrenados para asustar a los niños del «mundo real» con el fin de alimentar Monstrópolis. Esto se interrumpe cuando uno de los niños les sigue accidentalmente de vuelta a su mundo y los dos monstruos tienen que llevarla de vuelta a su habitación sin ser atrapados.
Buscando a Nemo (2003)
Buscando a Nemo cuenta la historia de Marlin, un pez payaso, que intenta encontrar a su hijo, Nemo, después de que un pescador se lo llevara del océano. A lo largo de su viaje, conoceremos a toda una serie de peces coloridos, tanto por su personalidad como por su físico.
Entre ellos destaca Dory (a la que pone voz Ellen Degeneres), tan olvidadiza como leal. Al estar ambientada en el océano, Buscando a Nemo cuenta con bellos escenarios que rodean a sus memorables personajes. También cuenta con algunas de las líneas de diálogo más icónicos de la historia de Pixar.
Los Increíbles (2004)
Casi diez años después de su primera película, Pixar estrenó en 2004 Los Increíbles, su primera historia sobre humanos. Pero, como es típico en Pixar, no se trata de humanos corrientes. La familia Parr tiene superpoderes. Superfuerza, velocidad, elasticidad y lo que se te ocurra: lo tienen.
A pesar de sus habilidades, han estado viviendo como una familia normal hasta que el padre, Bob, decide volver al juego. Aunque no siempre está en la conversación, Los Increíbles es una película de superhéroes perfecta. Llena de acción, risas y mucho corazón, es también una película perfecta de Pixar.
Ratatouille (2007)
Con diferencia, la película más infravalorada de Pixar hasta la fecha. Ratatouille cuenta la historia de una rata llamada Remy que vive en París y tiene el sueño de convertirse en chef. Remy se asocia con Linguine, un trabajador de la cocina, que actúa como las manos de Remy en la cocina.
Ratatouille utiliza la comida, la música y las imágenes para evocar un sentimiento de nostalgia siempre presente. Las escenas de cocina están montadas con tanta elegancia y cariño que dan ganas de encontrar a tu propia rata para que cocine para ti. Esta película es un alimento reconfortante perfecto.
Up (2009)
Up tiene una de las escenas iniciales más efectivas de la historia del cine. En cinco minutos, en su mayor parte silenciosos, se nos muestra un montaje en el que se detalla la vida de Carl y Ellie, a medida que pasan de ser dos niños a convertirse en adultos. Desde amigos de la infancia hasta un viejo matrimonio. Vemos los altibajos de sus vidas desarrollarse ante nuestros ojos y, aunque no los conocemos realmente, los sentimientos son demasiado reales.
La película pone el listón demasiado alto desde el principio y todo de lo que sigue está a la altura. Sin embargo, más tarde conocemos a Russell, un precoz boy scout cuya amistad con Carl es, como mínimo, enternecedora.
Toy Story 3 (2010)
Toy Story 3 completa la primera trilogía de Pixar. Salir quince años después de la película original era arriesgado. Al igual que Andy, el público que originalmente vio la serie había crecido. Afortunadamente, la tercera película es perfecta para gente de todas las edades.
Hay risas que son divertidas independientemente de la edad, pero también emociones que son universales, lo que hace que la película sea aún más impactante. Ambientar Toy Story 3 en una guardería nos permite conocer una serie de juguetes nuevos para seguir abriendo el mundo que ya conocemos y amamos. El final es uno de los grandes finales agridulces de nuestro tiempo.
LEER MÁS: Las películas más lacrimógenas de Pixar (Ranking)
Del revés (2015)
Después de tomarse un año de descanso, Pixar regresó en 2015 con Inside Out. Inside Out nos da una mirada al interior de nuestras mentes y cómo funcionan nuestras emociones. Con un magnífico trabajo de voz de Amy Poehler como Alegría, Phyllis Smith como Tristeza, y Bill Hader, Mindy Kaling y Lewis Black como Miedo, Asco e Ira respectivamente. Inside Out utiliza estos personajes para explicar los sentimientos de una forma que no hemos visto representada en la pantalla. Siguiendo la tradición de Pixar, la película equilibra el humor y el tirón emocional, pero lo hace mejor que cualquiera de las películas anteriores o posteriores.
Curiosidades
Las mejores películas de Tom Cruise
Tom Cruise ha sido un elemento básico de los éxitos de taquilla de Hollywood durante décadas, y su nueva película de Misión Imposible parece que continuará la tendencia. A lo largo de su carrera, el actor ha aparecido en un gran número de grandes éxitos de franquicia, así como en algunas películas de arte y ensayo. Nosotros nos sumamos a ello, trayendo un ranking con las mejores películas de Tom Cruise.
Las mejores películas de Tom Cruise
Incluso los mejores actores de la industria tendrían dificultades para igualar el producto final, que es una variada combinación de acción, drama e incluso ciencia ficción. Estas son las mejores películas de Tom Cruise.
Risky Business (1983)
Uno de los primeros papeles importantes de Tom Cruise en el cine fue en Risky Business, en la que interpretaba a un estudiante de último curso de instituto que convierte la casa de su familia en un burdel mientras sus padres están fuera. Se trata de una comedia increíblemente peligrosa que cruza con frecuencia la frontera entre lo humorístico y lo desagradable, pero lo hace de una manera constantemente atractiva, como sugiere el título.
Top Gun (1986)
Muchos consideran que Top Gun es una de las mejores películas de Tom Cruise de todos los tiempos, debido a lo impregnada que está de encanto y nostalgia ochenteros. La trama sigue al piloto Maverick en su periplo por la Escuela Naval de Armas de Caza Top Gun, donde se enfrenta a otros pilotos y compite por la atención de su profesor de vuelo Charlie.
A pesar de que algunos fans piensan que la película está un poco anticuada, Top Gun siempre ha sido un tremendo éxito de crítica y público. Refleja un tipo específico de superproducción cinematográfica que no se ve muy a menudo hoy en día, y que muchos fans recuperaron gracias a Top Gun: Maverick.
Rain Man (1988)
Cuando el automovilista Charlie descubre que la herencia de su difunto padre está siendo entregada a la institución mental en la que se encuentra su hermano Raymond, perdido hace mucho tiempo, decide investigar a Raymond y llevarlo a Los Ángeles, donde pretende reclamar el dinero de su padre.
Rain Man es una de las películas más fascinantes y emotivas de Cruise hasta la fecha, a pesar de su trama poco ética y confusa.
Algunos hombres buenos (1992)
Es fácil entender por qué el guión de Aaron Sorkin para el drama judicial A Few Good Men suele ser reconocido como uno de los mejores de la historia del género. Teje una narración profunda y exhaustiva en la que es imposible no perderse, gracias a las sobresalientes interpretaciones de Cruise, Demi Moore y Jack Nicholson.
A Few Good Men es tanto un thriller legal fascinante como un análisis en profundidad del comportamiento de Estados Unidos en tiempos de guerra y de la moralidad con la que el gobierno trata a los prisioneros de guerra. Hay mucho más en la narración de lo que parece, lo que la hace infinitamente más convincente.
The Firm (1993)
The Firm es uno de los thrillers más conocidos de Cruise, que retrata la historia de un joven y ambicioso abogado que se ve envuelto en un peligroso caso de asesinato tras aceptar un puesto en un turbio bufete de abogados. Es una de las películas más fascinantes e intrigantes del actor, con una trama que tendrá al público en vilo.
The Firm fue una de las primeras películas que lanzó a Cruise a la fase de cine de acción de los 90, por la que es más conocido. Es un protagonista absorbente que mantiene al público intrigado y navega por la trama de forma original.
Jerry Maguire (1996)
Jerry Maguire es una película dirigida por Cameron Crowe sobre un agente deportivo que se ve obligado a examinar su vida tras perder su trabajo. La película sigue a Jerry en su intento de rehacerse, documentando las dificultades que encuentra en el camino.
Jerry Maguire está ampliamente considerado como uno de los mejores papeles de Tom Cruise, no sólo por su sobresaliente interpretación, sino también por el atractivo guión de Crowe y su marcado estilo de escritura. La película es mucho más que una típica película de deportes, ya que fusiona géneros a la perfección con una historia que atrae a un amplio abanico de consumidores.
Misión: Imposible (1996)
Tom Cruise es más conocido por sus papeles en Misión: Imposible y sus secuelas. Ethan Hunt se ha convertido rápidamente en uno de los personajes más emblemáticos y venerados del género. El trabajo del agente Hunt para la Fuerza de Misiones Imposibles le lleva a vivir una serie de aventuras que ponen en peligro su vida a lo largo de la película.
Las películas de Misión: Imposible contienen una colección de las hazañas más arriesgadas de Tom Cruise hasta la fecha, la mayoría de las cuales corren a cargo del propio actor. Incluso cuando algunas de las entregas tienen una historia más pobre, la franquicia prospera gracias a estas auténticas secuencias de acción.
Minority Report (2002)
Minority Report, la profética investigación del futuro de Steven Spielberg, ha sido objeto de incesantes debates desde su estreno, pero sigue siendo relevante y oportuna. La película describe un futuro distópico en en el que la policía emplea tecnología psíquica para detener a los criminales que cometerán delitos en el futuro.
Cuando el personaje de Cruise es declarado culpable de un delito que no ha cometido, no tarda en darse cuenta de lo peligrosa y terrible que es esta nueva tecnología. Es una película emocionante, con muchas ideas profundas y filosóficas en su núcleo.
El último samurái (2003)
El último samurái no es una película al uso de Tom Cruise, pero tiene toda la acción y violencia que han hecho famoso a la estrella. Nathan Algren, un soldado estadounidense, recibe el encargo de entrenar al ejército japonés para combatir una revuelta samurái.
El último samurái, como muchas otras películas de acción de la época, se sostiene gracias a una dirección muy audaz y creativa que permite que destaquen sus explosivas escenas. Tiene una voz y un estilo propios que dan a la historia un aire fresco e innovador.
Al filo del mañana (2014)
La labor de Cruise había estado ocupada con Misión: Imposible durante varios años, por lo que Al filo del mañana, de Doug Liman, supuso para él una especie de regreso al género de la ciencia ficción. La película describe un universo futurista en el que un soldado estadounidense queda atrapado en un bucle temporal mientras lucha contra una especie alienígena en la Tierra.
En la película, Tom Cruise comparte protagonismo con Emily Blunt, y ambos tienen una química excelente en cada escena que comparten. Ambos dotan a la trama de un elemento humano muy necesario al basarla en la realidad y no en la ficción. Por este motivo, Al filo del mañana está considerada como una de las mejores películas de ciencia ficción con un concepto original de los últimos años.
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