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Top 10 mejores películas del 2017

Acaba 2017, un buen año para la industria del cine. Hemos tenido la oportunidad de degustar en las salas desde los mejores manjares hasta las peores sobras, pero seguro que al menos alguna película ha conseguido ganarse un hueco en nuestros corazones. Gracias a mis compañeros de Sexta Butaca, hoy tengo el placer de presentaros mi top 10 mejores películas del año. He puesto todo mi cariño y amor por el cine en este top, así que espero que os encante y lo disfrutéis.

Antes de empezar, me gustaría aclarar un par de puntos. El primero es que, lamentablemente, hay películas que no he podido ver y que por lo tanto no pueden entrar en la lista, como podrían ser A Ghost Story, The Disaster Artist, Guardianes de la Galaxia Vol.2 o The Killing of a Sacred Deer. En segundo lugar, remarcar que he escogido las películas con el único criterio de que hubieran sido estrenadas en 2017 en España y en salas comerciales, por lo que no entraran en el top ninguna película proyectada en festivales u otros eventos. Ahora sí, empezamos con el top.

IT, Andy Muschietti

IT es una muy buena película de terror, que quizás funciona más como reinterpretación del libro de King que como adaptación. Muschietti consigue plasmar de forma más que notable el oscuro imaginario de la novela, creando así un universo tétrico que convive a la perfección con la inocencia de los protagonistas. Música, fotografía e interpretaciones se cogen de la mano para formar una experiencia más que completa. Los actores que conforman el club de los perdedores hacen un trabajo magistral y nos regalan momentos al más puro estilo Goonies que aportan humanidad a la cinta.

¿Fallos a destacar? No me gustó que Muschietti se declinara más por el susto fácil que por el terror psicológico. Soy de los que piensa que si IT se proyectará sin sonido, no asustaría. Aún así, no puedo obviar el hecho de que lo pasé realmente mal la primera vez que la vi. Ah, y no puedo acabar de comentar IT sin manifestar mi profundo amor por la escena del proyector.

Spiderman Homecoming, John Watts

Una de las mayores sorpresas del año. Una película Marvel muy dinámica que presenta a un Spiderman que no habíamos podido ver en las anteriores entregas, mucho más humano e inexperto. Visualmente impresionante, efectos especiales más que sobresalientes y banda sonora destacable. Las interpretaciones también son dignas de mención.

Tom Holland encarna a la perfección a Peter Parker, convirtiéndolo así en mi Spiderman favorito, y Michael Keaton está increíble en el papel del villano. Los personajes secundarios también han sido de mi agrado y creo que consiguen aportar un toque distinto a la película (¡Larga vida al tío de la silla!). Y aunque me preocupaba la aparición de Tony Stark en el filme, no me pareció en absoluto forzada y creo que funciona genial como la figura de autoridad que Peter necesita.

Baby Driver, Edgar Wright

Baby Driver es una muestra de que la banda sonora también puede llevar las riendas de la acción. Con un montaje espectacular, Wright nos presenta una historia carismática cuya fórmula te atrapa desde el minuto 1. La música marca el ritmo de la acción, formando así una trama dinámica que no se detiene hasta el final de la película.

Interpretaciones de 10 con un Ansel Elgort llevando a cabo una de sus mejores interpretaciones, sin olvidarnos del gran Jamie Foxx clavando su personaje. Quizás la única pega que se le puede encontrar a Baby Driver es que la trama parece no sorprender tanto como lo hace el montaje, parece no estar a la altura. Aún así, la última de Wright es un must en todo regla. Ah, y os dejo un regalito aquí abajo. Ya me lo agradeceréis.

La cura del bienestar, Gore Verbinski

La cura del bienestar es una pesadilla hecha realidad, un cuento de hadas que se va transformando en el peor de tus sueños. Verbinski hace un trabajo de fotografía demencial y consigue una de las mejores experiencias de terror que recuerdo en años. Los sustos se dejan completamente de lado para centrarse en el terror psicológico, en causar terror a partir de las imágenes. La cura del bienestar es una perfecta antítesis entre lo bello y lo horroroso. Las interpretaciones son maravillosas, sobre todo la de la joven Mia Goth.

¿Por qué no está más alto en el ránking? Puede ser difícil de visionar. Es una película muy larga y con un ritmo muy pausado que parece escogido a propósito para que el espectador pueda contemplar los asombrosos planos durante más tiempo. Pero este ritmo la perjudica en algunos momentos. Se puede llegar a hacer pesada o aburrida, y estoy seguro de que este factor explica las puntuaciones bajas que tiene en algunos portales. Aún así, si eres un amante del terror, no te puedes perder esta película.

Coco, Lee Unkrich y Adrian Molina

Ya hablé de Coco en esta página, pero necesito volver a manifestar mi amor por esta obra. Coco es sin lugar a dudas el mejor filme de Pixar de los últimos años, una obra que está hecha para ser recordada. Es una película animada que esconde tras su colorida y hermosa estética una reflexión profunda y difícil de tratar, la estrecha relación entre la vida, la muerte y el recuerdo. Coco ha sido una de las mejores experiencias que he tenido en el cine este año, supongo que por la magia que desprende. No me atrevería a decir que sea la mejor película de Pixar, porque probablemente no lo sea, pero sí estoy convencido de que recupera la esencia de la compañía, ese amor y cariño por la historia que se está explicando.

El secreto de Marrowbone, Sergio G. Sánchez

Soy consciente de que está no será una opinión popular, pero necesito reivindicar El secreto de Marrowbone. No entiendo las notas que tiene cuando me parece una de las mejores películas del año. La opera prima de Sergio G. Sánchez es una historia de terror camuflada en un cuento costumbrista. Es una historia que, al igual que La cura del bienestar, huye de la fórmula del susto gratuito para introducir un ambiente tétrico que te ahoga hasta el final. Una fotografía exquisita que acompaña a una historia muy influenciada por el cine de Bayona, pero que consigue crear un universo propio que acaba con un final sobrecogedor.

Me gusta poder reivindicar El secreto de Marrowbone para mostraros que no siempre os podéis fiar de las notas. Las críticas siempre son simples opiniones y nunca podéis dejar que os digan qué debéis ver o no. Si lo hacéis, os podríais perder películas tan mágicas como esta.

Déjame salir, Jordan Peele

Déjame salir es un soplo de aire fresco para el cine de terror actual, una película que no tiene miedo a hacer algo transgresor y diferente. Jordan Peele consigue, en su primer filme como director, crear una historia que en muchas ocasiones no sabe diferenciar entre la comedia y la intriga, lo que hace que Déjame salir sea una película de terror muy amena y accesible para todos aquellos no muy amantes de los sobresaltos. Actuaciones brillantes, referencias a Kubrick y una fotografía más que notable son los ingredientes necesarios para crear una de las películas más recomendables de este año.

Dunkerque, Christopher Nolan 

Dunkerque es una experiencia audiovisual en mayúsculas. A Nolan no le hacen falta palabras para realizar un retrato perfecto de los horrores de la guerra. El director juega con el sonido de una forma magistral para crear una atmósfera completamente sobrecogedora.

Todo en Dunkerque es excelente y está cuidado al detalle. Las interpretaciones son impresionantes (mención especial a Harry Styles, me sorprendió muchísimo), fotografía tratada con un mimo increíble y un montaje paralelo que conforma un trama rápida y dinámica que no te deja desconectar ni un solo segundo. Reitero lo que ya he explicado del sonido, la banda sonora de Dunkerque marca el ritmo de la acción, la cual cambia sin parar para no dejarte indiferente ni un momento. Christopher Nolan ha creado un clásico del cine bélico que sin duda no se olvidará fácilmente.

Verónica, Paco Plaza

Verónica es, sin lugar a dudas, la mejor película de terror que he visto este año (y probablemente una de las mejores que haya visto jamás). No os puedo explicar con palabras la gran sorpresa que me llevé al ver la película y lo muchísimo que la disfruté en el cine. El maestro Paco Plaza ha conseguido crear la que yo denominaría como la Expediente Warren ibérica. Verónica es una película que marcará un antes y un después en la manera de hacer terror en este país.

Creo que no hay ni un punto negativo en este filme. Interpretaciones de escándalo, una ambientación sobrecogedora, efectos especiales muy logrados pero que no sobrecargan la película… Paco Plaza opta en algunos momentos por los sobresaltos, pero no los necesita para dar miedo. Verónica es una de las pocas películas estrenadas este año que realmente da miedo, y eso es algo que se agradece muchísimo. Ah, y no podemos olvidar la maravillosa banda sonora de la mano del mítico grupo Héroes del silencio.

Sólo me queda decir una cosa: Gracias Paco Plaza por demostrar que en este país sabemos dar miedo.

La La Land, Damien Chazelle

La La Land es un sueño hecho realidad. Se me hace imposible explicar el motivo por el que la película de Chazelle es una obra maestra, y probablemente me animé a escribir sobre esto algun día, pero voy a intentar ser lo más breve posible. La La Land no es solo un homenaje al musical, a la industria de Hollywood o la historia del séptimo arte. La La Land es un homenaje al cine, mejor dicho, es una oda al cine. El director no busca crear una historia realista sobre el amor de dos jóvenes, sino conducir al espectador por un mundo en el que la realidad y la fantasía conviven, al más puro estilo del maestro Minnelli o el Manierismo de Hollywood.

Y ya no es sólo el qué, sino también el cómo. Chazelle ha creado una película tan cuidada en cada mínimo detalle que cualquiera de sus fotogramas podría ser un cuadro. Una iluminación y planificación perfectamente unidas y una banda sonora bellísima que marca a la perfección el ritmo de la trama. La La Land es una película mágica que ha convertido a Chazelle en uno de mis directores favoritos.

Y para acabar el artículo, solo quería desearos un feliz 2018. Espero que este nuevo año podáis ver todas las series que tengáis pendientes y no spoilearos demasiado de las películas que aún no hayáis visto. Pero sobre todo, dar las gracias a La Sexta Butaca por darme la oportunidad de estar aquí rellenando estas páginas en blanco con mis tonterías y, por encima de todo, con mi amor por el cine. Espero que mi top haya sido de vuestro agrado.

Ahh, y no tengáis miedo a decirme cuáles han sido las películas que más os han gustado a vosotros, me encantaría oir vuestras opiniones.

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Análisis de Con La Muerte en los Talones, más que una película de espías

Con La Muerte en los Talones

Hoy les traemos el análisis de Con La Muerte en los Talones, después de haber traído Psicosis y Vértigo del director Alfred Hitchcock. Con La Muerte en los Talones (North by Northwest) es una película de 1959, dirigida por el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, con Cary Grant (en su cuarta colaboración con el director, después de Sospecha, Encadenados y Atrapa a un ladrón) y con Eva Marie Saint, actriz pedida por el director.

Los apasionados del director Alfred Hitchcock, no pueden perderse esta joya del cine, Hitchcock da lugar a una dirección sublime, lindando con la perfección, a través de la cual el concepto de intercambio de identidad, de imposibilidad de el protagonista de demostrar que no es George Kaplan, del amor bueno y malo hacia la misma mujer, una mujer que juega para ambos lados, ya que es una doble agente.

Con La Muerte en los Talones es una película que pasa de lo normal a lo extraordinario

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant en la famosa escena en la que intenta escapar del ataque aéreo en los campos de trigo

El suspenso está magistralmente llevado de la mano de Hitchcock, a quien logra dar diferentes facetas, primero con la persecución en los campos de trigo en una secuencia que dura unos 10 minutos, de los cuales la mayoría son solo visuales, es decir, sin diálogo, y la secuencia final con el intento de fuga de los dos protagonistas en el Monte Rushmore es de una delicia visual importante.

Es una película que sigue un camino empinado, como el que emprende el personaje de Cary Grant en la primera de numerosas secuencias de suspenso, comprometiéndose de inmediato con una maniobra al volante para esquivar a la muerte. Hitchcock tarda sólo dos minutos, la partitura de prensa de Bernard Herrmann y los créditos iniciales con vectores animados por Saul Bass, para preparar todo un mundo narrativo donde un simple chasquido de dedos permite pasar de lo normal a lo extraordinario.

Hitchcock confía al encanto y la ironía de Cary Grant la tarea de relajar el suspenso y atenuar la hipérbole de la trama. El actor británico media la improbabilidad de su situación trabajando con atractivo y sarcasmo, malicia y burla,  dedicando sus momentos de relajación al humor brillante y al juego de seducción.

Una película que oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad

Con La Muerte en los Talones

Cary Grant como George Kaplan se mete en muchas situaciones de peligro y en las que necesitará de ayuda

En una tensión constante entre la desorientación y la determinación, el cinismo y el romanticismo, asistimos a su evolución de un publicista cínico e inmaduro a un héroe atrevido y enamorado. Después de todo, dentro de esta intriga, lo que más le interesa a Hitchcock no es el aspecto de espionaje «internacional» de la trama, sino la singularidad del camino que lleva a Roger Thornhill a convertirse en George Kaplan.

Thornhill debe convertirse en Kaplan y ponerse en sus zapatos para poder deshacer el enredo, dominar la complejidad de la situación en la que se encontraba a pesar de sí mismo y conquistar a la mujer que ama. Este juego oscila entre la tensión y la ironía, el suspenso y sensualidad, ve su momento central en la famosa secuencia del ataque aéreo contra Thornhill quien creen que es George Kaplan.

Una obra maestra construida sobre la tensión, la puesta en escena es la suma perfecta de todo lo que hace grande a Hitchcock, la técnica compositiva, el ritmo del montaje, la ironía de las miradas de Grant, la sensación de indeterminación ligada a un peligro que puede llegar a cualquier parte. Incluso en medio de los campos de Illinois o un ataque desde el cielo, estos elementos hacen que Con La Muerte en los Talones sea más que una película de espías.

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Los mejores personajes femeninos de James Bond

los mejores personajes femeninos de James Bond

A la saga 007 la han acusado de misógina muchas veces, de querer hacer de las mujeres objetos para beneficio de Bond y puede que parte de eso sea cierto pero los mejores personajes femeninos de James Bond nos confirman que dentro de la saga también han existido papeles importantes para mujeres. A la espera de No Time to Die, donde el personaje de Ana de Armas se apunta como uno inolvidable, traemos una lista como antesala.

Una carrera como superespía no es la línea de trabajo más segura. Incluso si eres tan bueno en el juego como lo es James Bond, todavía hay momentos en que el socio adecuado marca la diferencia en el mundo. Pero a lo largo de la historia de la franquicia Bond, ha habido mujeres muy importantes sin las cuales el trabajo nunca se habría hecho.

Los mejores personajes femeninos de James Bond

Algunas comenzaron como villanas, otras eran aliadas y, en un caso especial, las diferentes medidas de ayuda y daño mantuvieron las cosas interesantes de la manera más asombrosa. Estos son los mejores personajes femeninos de James Bond…

Pussy Galore, Goldfinger

 

Cuando salió por primera vez en Goldfinger la vimos como pilota privada/co-conspiradora del malvado complot de Auric Goldfinger; luego Pussy Galore de Honor Blackman acabó ayudando a 007 a frustrar la «Operación Grand Slam«, sellando así su turno para el lado bueno. Ver a esta legendaria mujer Bond en acción, tanto en nombre de la guerra como de la paz, es un firme recordatorio de que no siempre es fácil para James salirse con la suya, especialmente cuando la mujer que está tratando de atrapar está armada y tiene muchos recursos.

Anya «Agente XXX» Amasova, la espía que me amó

 

La comandante Anya Amasova (Barbara Bach) de la KGB es, esencialmente, la versión rusa de James Bond. Vengando la muerte de un amante que 007 mató en acción, la mujer conocida como Agente XXX se nos presenta en una misión para seducir y conquistar en nombre del enemigo. Al presentar el concepto de uso frecuente de otro operativo que trabaja contra Bond, solo para unir fuerzas con él cuando las cosas se ponen difíciles, la Mayor Amasova sería crucial para frustrar la trama del malvado magnate naviero Karl Stromberg (Curd Jürgens).

Pam Bouvier, Licencia para matar

 

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A través del engaño y las operaciones de encubrimiento profundo, la agente de la CIA Pam Bouvier (Carey Lowell) estaba en los planes malvados del traficante de drogas Franz Sánchez (Robert Davi) antes incluso de incurrir en la ira de la peligrosa y mortal versión de James Bond de Timothy Dalton. Con License To Kill ver a Bond en una misión de pura venganza después de que un ataque personal y particularmente cruel deja a la esposa de Felix Leiter (David Hedison) muerta. Si no fuera por la ayuda de la agente Bouvier a navegar por el paisaje, así como por algunos de los trucos que tenía bajo la manga funcionando a la perfección, Bond nunca habría obtenido la venganza por la que abandonó el MI6 (nuevamente).

Wai Lin, El mañana nunca muere

 

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Michelle Yeoh interpretó a una de las mujeres Bond más memorables que jamás haya aparecido en la gran pantalla: la coronel Wai Lin de la Fuerza de Seguridad Externa del Pueblo Chino. Una figura crucial en El mañana nunca muere de 1997; Wai Lin estaba investigando la trama malvada del villano de Bond, Elliot Carver(Jonathan Pryce), un megalómano que planeaba comenzar la Tercera Guerra Mundial para obtener calificaciones y beneficio personal. En un par de encuentros los dos unirían fuerzas para acabar con el magnate de los medios.

Elektra King, El mundo nunca es suficiente

 

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Quizás una de las villanas más astutas de Bond, Sophie Marceau dio un giro increíble en The World is Not Enough de 1999 como la malvada Elektra King. Con su padre muerto en los pre-créditos de la película, se veía a Elektra afligida, temiendo la amenaza del terrorista Renard (Robert Carlyle), quien se percibía que la acechaba. Pero lo que realmente sucedió fue que Elektra, radicalizada por Renard durante un secuestro anterior, regresó a casa con Sir Robert King, su padre, y planeó su muerte; junto con un gran plan para acaparar el mercado petrolero europeo.

Miranda Frost/Giacinta «Jinx» Johnson, Muere otro día

 

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Si bien Die Another Day no fue exactamente una película progresiva en lo que respecta a la acción de James Bond, logró darnos una de las parejas más fuertes de mujeres Bond en ambos lados de la moneda. Con la triple agente Miranda Frost (Rosamund Pike), el Bond de Pierce Brosnan sintió otro pinchazo similar al de Elektra King, en el sentido de que fue llevado por su ego y seducido a un rincón por alguien en quien se suponía que no debía confiar. Mientras tanto, Giacinta «Jinx» Johnson de Halle Berry estaba trabajando en su propio ángulo contra Gustav Graves (Toby Stephens), obsesionado con los diamantes, mientras se divertía un poco a expensas de Bond.

Camille Montes, Quantum Of Solace

 

Hay un fuerte argumento que Camille Montes (Olga Kurylenko) de Quantum of Solace es posiblemente la mujer más fuerte en las películas de Daniel Craig hasta la fecha. Una agente de inteligencia boliviana que busca vengar a su familia asesinada. Pero una vez que se puso al día con los planes de venganza de James, Camille se convirtió en una socia fuerte durante toda la misión para acabar con el sindicato del crimen que una vez se conoció como Quantum.

Eve Moneypenny, Skyfall/Spectre/No Time To Die

 

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El ingenio siempre ha sido una cualidad clave de las encarnaciones pasadas de Moneypenny vistas en la saga de James Bond. Pero la nueva encarnación de Naomie Harris, es la más animada que hemos visto en la historia de la serie.

Dr. Madeline Swann, Spectre/No Time To Die

 

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La doctora Madeline Swann (Lea Seydoux) nunca quiso ser parte de la misma extorsión y violencia que su padre, el agente de SPECTRE, el Sr. White (Jesper Christensen), se ganaba la vida participando. Pero como vimos en Spectre, la mujer que finalmente ganó el corazón de James Bond no solo fue rápida con su ingenio, también fue hábil con una pistola; un subproducto de crecer con un padre involucrado en una actividad criminal. Capaz de mantenerse en sintonía con la misión de James Bond de capturar al antiguo empleador de su padre, es posible que veamos algunas de esas habilidades de supervivencia en exhibición en No Time To Die, ya que el Dr. Swann regresará.

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M, Goldeneye

Por supuesto, no hay forma de que puedas hacer una lista de los mejores personajes femeninos de James Bond y dejar fuera a las más poderosas de todas. Uniéndose a la franquicia en Goldeneye de 1995 , y manteniendo su posición hasta Spectre de 2015 , la versión de M de Dame Judi Dench no tuvo reparos en poner a su agente estrella en las situaciones más peligrosas posibles. Aunque todavía era una figura maternal para Bond, no tenía miedo de vestirlo para sus travesuras en el campo, e incluso hizo que le dispararan para evitar que se filtrara una lista de sus agentes.

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Análisis de Que Bello Es Vivir, la cinta más conocida de Frank Capra

Que Bello Es Vivir

Aunque hoy es considerada su película más conocida y representativa, en su estreno «Que Bello Es Vivir» fue recibida muy tímidamente por un público que la juzgó medianamente bien pero sin llegar al entusiasmo que genera hoy día, por una crítica que confundió la extensión (o distensión ) de un imaginario donde un cuento de navidad se convierte en poesía.

Y no fue eso lo peor, en aquella época el FBI emitió un comunicado oficial quejándose de una supuesta propaganda comunista, para ellos perceptible a través de temas populistas y, en concreto, en el retrato poco halagador de los banqueros de la ciudad.

Que Bello Es Vivir ha envejecido muy bien

Que Bello Es Vivir

En la década de los 60 se agotaron los derechos y no se renovaron, la película corría el riesgo de caer en el olvido pero, al pasar a ser de dominio público, en la década de los 70 terminó casi por casualidad para ser retransmitida de forma gratuita y regular por las televisoras estadounidenses, que la adoptaron como la película navideña por excelencia. Por tanto, fue redescubierta y a partir de aquí comenzó su leyenda que año tras año solo crece.

La base de la película es «The Greatest Gift», un cuento de Philip Van DorenStern, escrito (1939) e inicialmente publicado (1943) sólo de forma privada como una tarjeta de Navidad para regalar a amigos y familiares. Una vez que se registró la propiedad de los derechos, fue comprada por RKO, con la intención de hacer una película con Cary Grant, pero el guión no convenció así que fue reescrito y se vendieron los derechos de la historia a Liberty Films.

Esta era la nueva productora fundada por Frank Capra (junto con George Stevens, William Wyler y Samuel J. Briskin). En la fase de guión hubo muchos cambios en comparación con el texto original y aún más claras las inserciones fundamentales desde cero, desde la introducción de un personaje fundamental como Henry F. Potter hasta la última parte del mundo alternativo que reemplaza el choque con un alter ego que prefería el dinero a los sentimientos.

A fin de cuentas, nació un texto que poco tenía que ver con la historia y el espíritu del cuento original, nació una historia más ligada a la visión de Frank Capra.

Un choque entre los sueños y la realidad

Que Bello Es Vivir

La película está completamente ambientada en la provincia imaginaria de Bedford Falls, un lugar que merece elevarse a la ubicación arquetípica de todo el cine de Capri. Una ciudadana norteamericana que lleva en sí un artificio fílmico inseparable de la realidad de la época donde todo es tocado por los rumores de la guerra.

La hipotética distancia entre una visión realista de la vida y el imaginativo humano, una cinta donde la realidad y los sueños chocan de frente en la vida de George Bailey. El sueña con viajar por el mundo y conocer muchos lugares, no desea quedarse de por vida en un escritorio como le pasó a su padre, pero lamentablemente así ocurre.

En esta cinta existen tres elementos que son sello del cine de Capra, optimismo, honestidad y sentimiento. En una inspección más cercana la escalada hacia la reconciliación con uno mismo y con el mundo pasa por un viaje no solo salpicado de obstáculos a superar, sino marcado por heridas que a veces no se curan y es nuestro deber sanarlas.

«Que Bello Es Vivir» es una asombrosa parábola de  Charles Dickens que alcanza su punto máximo en los últimos 40 minutos. La historia es conocida, debido al descuido del tío Billy, después de haber perdido el dinero necesario para mantener personalmente el negocio familiar, George está al borde de la desesperación lo suficiente como para contemplar el suicidio.

En ese momento, enviado por Dios, el ángel de segunda clase Clarence acude a su rescate y, si logra disuadir al protagonista de este acto extremo, se ganará sus alas. Para hacer esto, lo confronta con una realidad alternativa, un mundo en el que George Bailey nunca nació.

La reconciliación de George Bailey consigo mismo y con la vida

Que Bello Es Vivir

Esta parte de la cinta no se limita a cumplimientos alegóricos, a partir del arrebato familiar, George Bailey se prodiga en un abismo de espacio y tiempo donde el distrito no es simplemente un campo de pobreza desconsolada sino un territorio dominado por el dios del dinero, el alcohol y el sexo. En un clímax donde se ve la opresión y donde la Navidad ya no es una fecha en la que celebrar.

Queda la amargura de toda la vida; y Potter queda impune, un personaje claramente inspirado en un Ebenezer Scrooge (sin redención esta vez), el mundo alternativo también es un viaje al final de la noche en un espacio-tiempo que cuestiona o quizás destruye el sueño americano con el que antes se fantaseaba. Un viaje, cuyo punto de llegada nos pone ante una caída de la parafernalia. En ese momento George Bailey se queda con su propia alma unida a la de sus seres queridos.

La unión terrenal más elevada que, cuando suena la campana y el ángel ha desplegado sus alas, sólo puede llevarnos a la emoción más honesta y liberadora que el cine nos ha brindado jamás. «Que Bello Es Vivir» nos enseña que todos tenemos una misión de vida y que somos importantes para alguien, nos enseña a apreciar más a nuestra familia, nuestros amigos y a nosotros mismos.

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