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Crítica Wonder Woman – La heroína que este mundo no se merece

Después de semanas de blandir nuestro escudo y protegernos ante el aluvión de Spoilers, por fin ha llegado nuestro momento. Estábamos deseando que llegara el día que pudiéramos viajar a Temiscira a conocer a Diana. A disfrutar como niños una de las películas más esperadas de este verano: Wonder Woman. Con unas expectativas un tanto difuminadas por Batman V Superman o Suicide Squad, Wonder Woman llegaba como última esperanza. Y qué barbaridad de esperanza. Sin más dilación… ¡Poneos vuestras botas (aunque no os queden tan bien como a Gal Gadot), vuestro escudo y sacad vuestra espada que comenzamos!

Una mezcla de epicidad e inocencia perfecta

En un universo cinematográfico plagado de superhéroes, para el bien el amante de las grapas, cada película es esperada con un anhelo exhaustivo. Wonder Woman se ha convertido en una película digna de ser disfrutada. Después de todos los orígenes que hemos visto en las adaptaciones de los diferentes cómics, Diana nos trae algo nuevo. Algo mucho más fresco y que juega con sutileza con unos personajes con tanta fuerza como unas poderosas amazonas.

Desde su magnífico arranque en Temiscira, Patty Jenkins, nos muestra una película mucho más desenfadada, sensible y luminosa que el resto de películas de la factoría DC. Pero dejaremos comparar, porque sí, las comparaciones son totalmente odiosas. Nos presenta un mundo de verdad, alejado del apestoso CGI de otros mundos recreados en miles de películas. Os prometo que desearía unas vacaciones en esa isla. Una auténtica lástima el poco tiempo que sale en pantalla.

Entre mitología y guerrera capacitada, nada nuestra pequeña Diana, quien anhela esa acción en su vida. Esa búsqueda del motivo que deja de una manera clara, simple, visual y tierna los fundamentos de Wonder Woman. Fácil, sencillo y funcional, un ejemplo en la manera de plantear un origen. 

A partir de ese momento se entrelazan con un ritmo a la altura de las guitarras de Wonder Woman, una historia bélica, épica y sobre todo humana. Una historia donde no encontraremos tramas enlazadas, historias abiertas, giros de los que te hacen saltar… Porque no, el encanto y ligereza del guión es totalmente pensado y tiene el propósito de entretener. ¿Sabéis esos videojuegos dónde recorres un pasillo hasta llegar al Final Boss? Se puede resumir con ese simple ejemplo. Pero si en este caso te esperan toneladas de buen rollo y magia visual… ¿Dónde está el problema?

Escenas de acción inolvidables a ritmo de Wonder Woman

Hacía tiempo que no vibraba tanto con una escena de acción. Sí, así lo suelto, sin anestesia. Desde el final de los primeros Vengadores, no estaba más tenso que el arco de una Amazona. Y es que el matrimonio perfecto entre la música y la calidad en la dirección, nos dejan escenas que se quedarán incrustadas en nuestra mente. Solo os digo, que al final del artículo os dejaré el tema con el que voy a soñar esta noche, y posiblemente el resto del mes. Amo, No Mans Land, creo que me casaré con él.

No obstante, todavía hay una embriaguez intensa con la utilización de cámara lenta. Al final te acabas acostumbrando, pero estaremos de acuerdo que son las escenas más fluidas donde verdaderamente brilla Wonder Woman. Ah, eso sin contar las maravillosas súper posturas que se marcan nuestros personajes. Están de foto. El resto de la acción es comedida, excelentemente rodada y con un tono épico que se muestra desde los primeros minutos.

Y lo mejor de todo es… (Redoble de tambores) Gal Gadot como Wonder Woman

Personalmente creo que el título de Wonder Woman se queda corto para describir el papel que hace Gadot. No solo te crees el personaje, sino que te transporta a partes iguales entre la dulzura de sus facciones y la tierna ignorancia de Diana. Sin contar que es una mujer preciosa y que además lo sabe. Por lo que esas miradas que nos echa en pantalla transmiten esa seguridad que tiene el personaje, pero al mismo tiempo tanto desconocimiento un tanto infantil. La película te transporta a la mente de la amazona y te hace cuestionarte con inteligentes toques de humor, pilares de nuestra existencia como humanos. ¿Los hombres somos necesarios? Nah, creo que no demasiado, imposible sin nuestras Wonder Womans. Al menos en mi caso aprovecho este trozo de post (me lo pido, lo siento) para dedicárselo a nuestras súper heroínas. (Fin de mi rato, aplausos por favor).

No creemos que Wonder Woman quiera transmitir un mensaje más allá de la ligereza de su diversión. Creo que es una película más antibélica que cualquiera de otros temas que se quieran buscar  y eso se agradece.

Su pareja de baile Chris Pine, le acompaña en cada paso que da en esta melódica balada. Excelente en su representación de un héroe bélico en segundo plano. Chris Pine hace más que nunca de Chris Pine. Pero es tan impresionante como agradable verlo como “la damisela en apuros”. Los mejores momentos de la película vienen de la relación con Gal Gadot y eso también se nota fuera de la pantalla… ¿Verdad pillín?

¿Y los villanos? Mera escusa para dejar brillar a Wonder Woman

Mucha gente se ha quejado del poco carisma de los villanos. Está claro que es una decisión pensada. Les han dejado poco tiempo en pantalla y eso, a mi parecer, un claro acierto. Queríamos ver una película sobre Wonder Woman repartiendo espadazos a son de esa potencial musical. No necesitábamos un maquiavélico plan que detener a base de golpe de guión. Tanto Elena Anaya como Danny Huston hacen a la perfección sus papeles de “Nein, nein, los alemanes lo destruiremos todo”. Y hasta ahí puedo leer. Simplemente que no vayáis buscando a una inteligencia, porque no la habrá.

No puedo dejar esta crítica sin hablar de los secundarios. Jamás pensaba que encontraría en una película de DC una secretaria totalmente al servicio del humor. ¡Y qué grata sorpresa! Queremos más papeles así, lo siento por los haters, pero destilan un buen humor que te hacen entrar rápidamente en la película, sin forzar un chiste que no viene a cuento.

Toda la banda que acoge Trevor tiene un sentido y un fundamento. Muy similar a lo encontrado en Capitán América, encontramos un equipo con un carisma suficiente para brillar como grupo de apoyo bélico. Buen trabajo de guión y perfecta sensibilidad a la hora de narrar sus historias.

Una Banda Sonora afilada como una espada

Otra de las joyas de la película es la BSO. Rupert Gregson-Williams compone una obra de arte auditiva, que se entremezcla a la perfección con el ritmo y esencia de la película. Sin olvidar la importancia de las guitarras que ya fueron la guinda de BvS, marca con un concienciado in crescendo las mejores escenas de la película. La dulzura con la que entremezcla viento metal, cuerda y esa la percusión que define a las amazonas es impresionante. Al igual que ya comentamos con Piratas del Caribe, estos compositores de “segunda línea” están cogiendo un gran terreno a base del material de los grandes como Zimer en ambos casos.

Ya es motivo suficiente para disfrutar de la película. E insistimos, justo en este momento os dejo el tema que para mi marca la mejor escena de la película. Recordad, en el momento en que comencéis a escuchar estos acordes en la película, serán vuestros mejores 5 minutos cinematográficos desde hace bastante tiempo. Y no, no es un Spoiler auditivo. De nada

https://www.youtube.com/watch?v=Ise1XcxOidQ

Un camino redondo para Diana y casi perfecto para nosotros

Una película sobre los inicios redonda. No busca la perfección argumental, no busca el realismo en sus escenas de acción. Busca claramente meternos dentro del traje de Diana de Temiscira y que cada uno de nosotros nos enamoremos de Gal Gadot y vibremos con sus motivaciones y ese camino de autoconocimiento. La película es honrada, es sincera, es Wonder Woman. No es la película que te cambiará la vida, pero sí la heroína que necesitábamos. La heroína que este mundo no se merece. 

Un placer escribir para vosotros. Y gracias por permitirnos ser el Blog más feliz del mundo. Gracias por ser más de 1000 junto a nosotros. 

Nos leemos pronto.

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Crítica de Love, Death & Robots – La serie animada para adultos de Netflix

Love

Love, Death & Robots es un pryecto que está dirigido por Tim Miller (Deadpool, y en el pasado también varios videojuegos como Mass Effect 2, The Old Republic y Hellgate: London) y David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodiaco, Mindhunter) con la participación de estudios de animación procedentes de de todo el mundo

Pero, ¿qué es y por qué debería hacerse un favor y dedicarle parte de su tiempo? Para empezar,  Love, Death & Robots  es una serie antológica que consta de 18 episodios con una duración promedio de 10-15 minutos. Como se mencionó, cada episodio se realiza con un estilo diferente de animación y, debido a su naturaleza antológica de series, cada uno de ellos no tiene ninguna relación con los demás y se caracteriza por una trama concluyente .

Soldados de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas de cyborg, arañas alienígenas y demonios infernales sedientos de sangre: los encontrarás en las dieciocho historias animadas de NSFW.

Love, Death & Robots – Una serie animada para adultos

Love

Al ser una serie para adultos, los temas más dispares se enfrentan, y ni los dos directores ni los estudios de animación se han preocupado demasiado por reproducir la violencia en la pantalla , la muerte , el sexo , la sensualidad y otros temas que también podrían alterar la sensibilidad. de algunos espectadores.

Entonces, ¿por qué deberías dedicar parte de tu tiempo a ello? Por varias razones. Muchos episodios terminan en sí mismos, casi como si fueran un intento de llevar una historia y un tipo de animación en la pantalla para ver la reacción del público . Realmente querrás profundizar, saber más sobre los protagonistas, sus historias y los antecedentes de la configuración elegida, de querer más.

Como el episodio 4 llamado “Trajes”, en el que los campesinos defienden su tierra como criaturas en la línea de los arácnidos de Starship Troopers a bordo de mechs armados con dientes. El cómplice del estilo de la animación y la intensidad de las escenas de acción realmente desearía ver toda una serie dedicada a ellas.

Y nos damos cuenta de que tal vez el genio de la serie sea precisamente su deseo de proponer un producto empaquetado de acuerdo con lógicas que tengan poco que ver con lo que el público necesita actualmente, un público que normalmente anhela series de televisión compuestas de más y más temporadas, sagas cinematográficas divididas en trilogías, videojuegos que, literalmente, se desarrollan durante décadas.

Estilos diferentes en cada episodio

Love

En mi opinión, con el capítulo 14 “Piezas Únicas”  llegamos a la cima con respecto a la profundidad del mensaje transmitido. Si el estilo de animación del episodio puede no ser atractivo para todos, el final y el propósito del cuento seguramente lograrán que se emocione. Incluso “La ventaja de Sonnie” me impactó de la misma manera, con su ferocidad y la brutalidad de las escenas y con su mensaje final igualmente drástico.

Otros se enfocan más en el sarcasmo, otros tienen un estilo steampunk o extremadamente de ciencia ficción que tiende al cyberpunk , otros aún no transmiten muchas ideas simples para historias que merecen unos pocos minutos en pantalla para expresarlas en todo su potencial.

Podríamos pasar horas discutiendo cada técnica de animación utilizada para la realización de los episodios, sobre el impacto visual de  “La Testigo” que parece una fusión entre captura de movimiento y y CGI con un medio estilo Entre el anime y el videojuego, o tal vez incluso por la falta de originalidad de algunos episodios, que no hacen más que explotar temas, historias y revistas ya vistos, solo para mostrar el peculiar estilo artístico de ese determinado estudio de producción.

Pero la duración total de la serie Love, Death & Robots es tan pequeña que no le tomará mucho tiempo terminarla  y algunos episodios son tan profundos o divertidos de ver y admirar, incluso por unos pocos minutos, que las faltas de otros se desvanecen para dejar espacio para una experiencia audiovisual que, sinceramente espero, no sea un caso aislado en el futuro cercano del catálogo de Netflix.

Así que sí, hazte un favor y corre a verlo. No solo porque no dura mucho tiempo, no solo por la presencia de una escena desnuda que, para ser honesta, es casi marginal (en el sentido de que es casi natural dados los diversos contextos en los que están inmersas las historias), sino por poder ser testigo que también podríamos definir un experimento (en su mayoría exitoso) que, debido a cómo fue concebido y realizado, ha puesto en pantalla algo que va más allá de nuestra ” zona de confort”.


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Critica de Capitana Marvel, Una grata sorpresa y una granada mental

Capitana Marvel

Capitana Marvel ha aterrizado en la Tierra. Es desde el 25 de abril del año pasado, es decir, desde el estreno de Avengers: Infinity War, que el público espera saber cómo encajará el nuevo personaje en el UCM y responder a todas las preguntas provocadas por el lanzamiento de la señal del localizador de Nick Fury. Antes de que se convirtiera en polvo por el chasquido de Thanos.

La película, recordemos, está ambientada en 1995, 15 años antes de la fase 1, y por lo tanto, es la  precuela definitiva de todas las aventuras firmadas por Marvel que hemos visto hasta ahora. Esta es la razón por la que su visión resulta tan importante para los entusiastas del Universo Marvel, lo que permite, por ejemplo, por qué Fury decidió darle vida a la “Iniciativa Vengadores” y, obviamente, arrojar varias pistas útiles para comprender a posteriori cómo se resolverá la batalla épica con el Titán loco y cómo regresar a la vida a todos los héroes y el resto de seres vivos que desaparecieron.

Vers es llevada a encontrar quien es en realidad

Capitana Marvel

Capitana Marvel sigue dos pistas paralelas que sirven para ampliar nuestra mirada y comprender más profundamente a la nueva heroína que enfrentamos y al mundo en el que estamos inmersos. Por un lado, está la dimensión alienígena, el descubrimiento ya en las primeras etapas de sus poderes, el descubrimiento de una guerra entre dos pueblos, los Skrull y el Kree, ambos portadores de algunas de las sorpresas más interesantes, ya que todo no es lo que parece y aqui hay muchas sorpresas.

Por otro lado, el pasado terrestre, totalmente nebuloso para ella y en su mayoría presente en forma de sueños recurrentes, que la llevará a un viaje para redescubrir sus emociones humanas, el origen de su poder, y recordar quienes fueron las personas que ella tiene presente en estos sueños.

Vers (su nombre Kree) que conocemos al principio es, de hecho, una soldado a quien se le enseña a dominar sus emociones. ” No permitas que las emociones dominen tu cuerpo”  es el consejo que le da su mentor Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, y le muestra cómo cada vez se ve nublado su juicio por reacciones instintivas, su habilidad en batalla según él pierde efectividad

El viaje que hará en nuestro planeta, donde caerá por casualidad después de una misión fallida, la llevará en la dirección opuesta: al descubrimiento de la verdadera Carol Danvers y las personas que dejó atrás, una revelación que tendrá efectos extraordinarios en su tranquilidad al despejarse todas las dudas que tiene sobre si misma.

Capitana Marvel como bandera del feminismo en el cine superheroíco

Capitana Marvel

¿Es una película feminista? Sí, pero en el mejor sentido de la palabra y en absoluto feminazi (como temían algunos y como afirmaban varios trolls que circulaban por las redes sociales las última semanas). Marvel, al contar la historia de su primera heroína por primera vez y con cierto retraso en comparación con la competencia, encuentra el equilibrio correcto entre la legitimación femenina y un viaje de autodescubrimiento.

Por supuesto, Carol experimentó discriminación sexista e intimidación en su piel durante su vida y su carrera militar, pero nunca se dejó definir por ellos, ella no tiene que demostrarle nada a nadie. Si Pantera Negra fue la línea divisoria del tema racial, Capitana Marvel representa para la Casa de las Ideas casi un manifiesto sobre la femineidad, ya que no solo por primera vez para una mujer es la protagonista de la película, sino que alude a los valores y el valor del autodescubrimiento y la fuerza de la amistad.

Esa intensa amistad que tiene la protagonista con Maria Rambeau (Lashana Lynch), una relación  muy estrecha que se ve interrumpida por varios años, que por afinidad de intercambio (ambos eran dos pilotos de la Fuerza Aérea), podía recordar eso entre Maverick y Goose de la famosa película Top Gun.

El tono cambiante de la película

Capitana Marvel

Además de los mensajes políticos emitidos en Pantera Negra, la película numero 21 del UCM hasta ahora también tiene el mérito de ampliar definitivamente los límites del universo en el que se mueven sus héroes. Comienza como  una historia espacial en efecto y revela gradualmente las conexiones entre la Tierra (para los Kree es C-53) y el resto de la galaxia, explicándolas a mi parecer mejor que en los Guardianes de la Galaxia.

Brie Larson tiene la cara, el físico y la convicción correcta para el personaje, y lo mejor es que en ningun momento se ve opacada por figuras como Samuel L. Jackson y un asombroso Ben Mendelsohn , sin descuidar a la estrella invitada Goose, el gato que tiene un par de buenos momentos en la película y en la resolución del conflicto.

Los ejes de la historia son el pasado de Carol en la tierra y el por qué esta con los Kree, con cambios continuos de escenarios y situaciones, y efectos especiales. Si las escenas “cósmicas” son realmente fascinantes hasta el límite de lo psicodélico, se debe dar una mención especial al rejuvenecimiento digital de Samuel L. Jackson y Clark Gregg (quien siendo sinceros canta un poquito el CGI), un efecto que ya se usó anteriormente pero nunca durante tanto tiempo. Lo que abre nuevos horizontes para la cinematografía del futuro.

Luego la película tiene un tono distinto ya no es una guerra espacial sino que es una especie de buddy movie ya que en este tramo de la película se forja una amistad entre Carol y Fury, sin olvidarnos de Goose que sin dudas se robó el corazón de muchos, incluyendo el de este servidor. Viendo una escena en especifico ya al final de la cinta piensas “Thanos está en problemas, y me alegro” esperemos que Carol le de su merecido al Gran Titán.


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Critica de La Casa de Jack, la tragedia de la adicción

La Casa de Jack

En La Casa de Jack ( Matt Dillon ), este es un asesino en serie. En algún lugar, en un lugar oscuro, en un sendero que te lleve a no sabes dónde, le dicen a Virgil ( Bruno Ganz ) los cinco “incidentes” que lo llevaron allí. Esperando completar la última parte del viaje, y enfrentar su destino.

Siete años después de haber sido prohibido en Cannes por bromear con fuego, llamarse a sí mismo nazi (había estado en la Internacional en Cannes en 1998) y haber definido a Israel como “un dolor en el trasero”, Von Trier estuvo de vuelta en mayo pasado con una película en la que, sustancialmente, está constituida, poniéndose en el papel de un asesino en serie (Matt Dillon)  un misógino, nihilista y obsesivo compulsivo . Un artista con una visión completamente amoral del arte.
Un arquitecto incapaz de construir una casa, excepto a través de los cadáveres de sus víctimas.

Una película sobre la tragedia de la adicción

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Von Trier dibuja tabúes uno por uno y los descompone sistemáticamente como bolos: los niños, las mujeres y los animales son el objetivo . Los cadáveres son mutilados y luego deformados. Pero la violencia nunca es cautivadora, nunca es pop: en cambio, hay una especie de desesperación histérica, una fealdad repulsiva y un humor siempre debilitado por la tragedia de la adicción.

Realmente hay una libertad extrema en todo esto,  la construcción de una zona libre dentro del clima político de la época . Es como si en todos los sermones, auspicios, pantallas y leyendas, Von Trier se opusiera a su propio narcisismo, su propia vanidad y su propio (¿mal?) sabor, que encuentra su culmen en el ultimo acto de la película. Un talento capaz de todo, de acrobacias intelectuales y bromas baratas, de saltos escenográficos extremos y de material de repertorio, de horrores difíciles y de belleza incongruente.

Pero no es que necesariamente hay que elegir, no es que las dos cosas estén excluidas, el punto es que una sin la otra es solo una forma diferente de contarlo. El cine de Von Trier sigue siendo el que lleva los “pecados” de todos , el que crea una perspectiva intelectual, porque es el único que sigue planteando la cuestión estética por excelencia, así de legal es “extraer” el proceso artístico desde el educativo, y uno mismo desde la sociedad, trabajando en los límites de lo visual.

La Casa de Jack es una oda del director a su propia carrera

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Si von Trier nunca hace otra película, La Casa de Jack sería un resumen acertado de su carrera. En medio de las digresiones de Talky, el cineasta toma una muestra del clímax de su propia “Melancholia“, mientras que Jack llama “Anticristo” y es atacado por Verge por albergar “un sueño patético de algo grandioso“. Es fácil ver cómo el cineasta podría involucrarse en una autocrítica con ideas similares a altas horas de la noche. “¡En este infierno de mundo, nadie quiere ayudar!“, Exclama Jack, mientras la cámara se acerca a un mundo vacío.

Jack se condena a sí mismo al intentar rectificar su ansiedad con el asesinato. Si “Melancholia” celebró el proceso de hacer las paces con la fragilidad emocional, “Jack” sigue la trayectoria opuesta: lo que se siente al quedar atrapado por tus propias fallas hasta un punto que hace imposible la salvación. Concluye con la sugerencia de que incluso si von Trier está atrapado en un infierno privado de su propia creación (o Jack, pero a quién estamos engañando), él todavía está esperando por su vida.


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